:::
舞蹈
相关文章 48 篇
-
聚光灯下 In the Spotlight 舞蹈创作者林廷绪 透过舞蹈「成为一个人」
我们在百余年历史的高雄三民区复鼎金保安宫进行这场访问。庙宇是林廷绪最熟悉的所在，从小在高雄大树区竹脚厝的救护坛长大，主祀温府千岁，曾祖父为其乩身，外公一脉则信奉道教祖师张天师。有别于姊姊对宗教毫无兴趣，林廷绪则从小对此好奇，会去寺庙翻书读神明的故事，「在庙里让我很放松」，即便长大离家到外地求学，到进入舞蹈界，林廷绪仍习惯有事没事就到庙里坐，思考、拍照、找灵感。 其舞蹈创作也围绕民俗信仰开展：《一个不存在的身体》（2017）以乩身为题材；《八八》（2018）转化莫拉克风灾拔超法会，探触亡者、灵魂与消逝；《金乌云荐》（2019）考察神像雕刻，讲述身体形态；《不存在的金乌》（2022）结合道教正一派。连续4支舞作关于信仰的精神世界后，他往个人内在精神面挖掘：《在山海来去》（2022）源自林廷绪当下的身心耗损，作品回应现代人普遍心中的郁，同年再以《采身》重新回头找「人的身分」。 不同阶段对生命的疑惑、体悟与追寻反映在作品中，林廷绪透过舞蹈创作为自己解答。以「精神性」为内核，不同主题转化出形貌各异的身体故事，「我的每一支舞，身体的编排、使用、动能与诠释都是很不一样的。」作品经常被认为差异度大，「因为我不是在建立身体系统，我是在找不一样的，透过舞者的身体动作、透过创作，结合不同艺术家，运用音乐、空间设计来营造我所看到的社会现象，在剧场里转化不同人群的精神性。」
-
聚光灯下 In the Spotlight 舞蹈创作者王宁 身体作为我的自传
王宁脑海中有个画面，是4、5岁的自己在家里拿了一张红色的舞蹈社招生传单，「下一秒我就出现在教室踢踢腿了。」小王宁开始学习芭蕾、现代舞、武功身韵等「基本功」，进入北安国中舞蹈班也承袭这同一套「生产链」。在升学主义逻辑中长期被灌输「北艺大是最好的学校，考上才代表很会跳」，王宁却接连在北艺大舞蹈系七年一贯先修班、大学落选，于是在台艺大舞蹈系毕业后，她不死心地继续往北艺大舞蹈研究所敲门，并刻意绕开表演创作选择理论组，终于在2013年取得入学门票。 隔年，王宁经历巨大的内外震荡。10年前的318运动卷起台湾社会史上最大的公民抗争浪潮，立院与其周围持续被民众占领长达23天；于此同时，王宁在面对母亲的逝去。社会氛围的混乱与家庭核心的崩塌，双面夹击才20岁出头的王宁，「那个时期我有点搞不太清楚现在到底是什么状况？甚至是那一阵子书毅的演出忙完后，我好像才去经历和消化那种对于亲人离世的心情。」 当时她是周书毅《看得见的城市，看不见的人》（2014，下简称「《看》」）的舞者，之后还去了一趟英国，参加侯非胥．谢克特（Hofesh Shechter）舞团征选，从此明白自己不会再参与任何舞团的考试，她不喜欢在一大群人里张牙舞爪，表现出力争上游的样子，然后被挑选。 处在生命的混沌，同为《看》舞者的余彦芳，成为王宁人生里的重要角色。「我也不知道彦芳看中了我哪一点，或是觉得我一个人实在太可怜了，所以她就这样子把我拎著。」王宁边说边将拇指与食指谨慎和缓地捏住再提起。盯著那两指间的无形，我想像一个缩小到快要消失的女孩被一把拉起。
-
新锐艺评 Review日常，即是美丽的抗争
《任何搞分裂的企图都将以粉身碎骨告终》（以下简称《粉身碎骨》）名称引自中国领导人习近平对香港反送中人士的严厉警告，看似政治意味十足，舞作却意外地少见指涉、隐喻特定事件。透过音乐、灯光、文本、肢体相互交织，在谈论抗争激进暴力的标题下，温柔而坚定地思辨后真相时代民主社会自由价值何在最深刻的警示与盼望。 有序的自由 不同于多数舞团以相似年龄、文化背景、身体条件的舞者组成，《粉身碎骨》中舞者年龄由17岁跨度至72岁，性别认同、种族、语言、国籍各异。随著磅礴而略带诡谲的亨里克．葛瑞兹基（Henryk Gorecki）大键琴协奏曲响起，舞者或随正拍延展双臂，或压反拍转动躯干，或踩碎拍疾速狂奔。看似各自独立的独舞，构成了兼容并蓄的和谐。17位舞者，17种肢体动态，无人哗众取宠地夺人目光，亦无人沦为背景。在周而复始的乐句中，每个乐音都能在舞台找到恰如其分的表达。 然而，人人皆能自由展现自我的背后，和谐的关键在于规范。从开场至尾声，舞台上几何对称的线条始终不曾消失，极具存在感地引导舞者的行动，反复回响的大键琴协奏曲亦是如此。舞者们可以压抑沉著，亦能潇洒奔放，唯独不能脱离节奏。当代民主社会中，从假新闻漫天飞舞到网路社群暴力，自由与人权口号，似乎反成为肆意妄为的借口。不合时宜的律法固然该被更新，但规范的本质，并不是为了限制，而是尊重。因为有规范，舞者才能恣意舞动；因为尊重，我们才能享受有序的自由。 日常的延续 《粉身碎骨》虽欲表达强烈的政治意涵，在不如戏剧类作品有大量素材作为载体的舞蹈体裁下，杨．马腾斯并未将舞作聚焦于抗议、游行、呐喊、暴力等等张力性场面，反而选择了极为巧妙的切入点日常。在一次又一次循环的大键琴协奏曲间隙，穿插作家Ali Smith的诗词、 Max Roach和 Abbey Lincoln的爵士音乐，以及说唱诗人Kae Tempest的流行乐《People's Faces》，在纵向的抗争历史爬梳和横向的舞作叙事脉络交织下，构成了完整且强而有力的结构。 其中，一如平凡人们的生活，或许会为了所相信的价值走上街头，或许会因群体凝聚力而感到希望，或许会因网路暴力而被伤害，或许会对漂泊不
-
话题追踪 Follow-ups碧海蓝天下 看见义大利舞蹈的当下与未来
2023年8⽉，深受欧洲人士喜爱的地中海度假天堂萨丁尼亚岛，在义⼤利文化部支持和宣传下，摇身一变成为义大利当代舞蹈之都。8月30日至9月2日的4天期间，第7届新义大利国家舞蹈平台（New Italian Dance Pla4orm，简称NID）于萨丁尼亚特别行政自治区首府卡利亚里（Cagliari）登场，在中央和地方合作下，推出一系列关注义大利舞蹈创作、产业发展和国际链结的会议与交流活动。 以碧海蓝天著称的萨丁尼亚岛，位于义大利半岛西南方，面积是台湾本岛的三分之二大，2023年岛上总人口约为170万人，相当于现在台南市的总人口数，约有八成居民居住在岛上乡村地带。其纯净不受污染且翡翠色泽的海岸线，以及天然丰富的农渔牧物产等，每年盛夏皆吸引趋之若鹜的游客前往度假。也因岛屿自身复杂的历史脉络，加上介于西班牙、突尼西亚和义大利3国海路运输的关键地理位置，造就了萨丁尼亚独特多元的文化地景、人种和语言，因此义大利政府在整体的国家文化补助政策上，优先编列给予包括萨丁尼亚在内的5大特别自治区的文化预算，并确保这些自治区拥有足够的预算和资源支持在地的文化生态发展。 每两年举办一次、堪称义大利国家舞蹈盛宴的NID，除了由义大利文化部主催和挹注外，每一届都由义大利国内不同省份和行政区角逐共同主办权。今年NID由萨丁尼亚特别行政自治区主办，是该平台首度移师该区，主办单位特别著眼于舞蹈本质「流变」的「空间」、「身体」与「动态」，4天内推出17档表演制作（包含「打开工作室Open Studio」单元）、3场国际论坛及2场舞评人所策划、导览的义大利舞蹈生态面面观。 结合政策资源 建构「义大利制造」 的流通循环系统 为鼓励与促进义大利优质舞蹈表演制作能持续流通，义大利ADEP舞蹈表演与推广协会（Association for the Performance and Promotion of Dance）暨FEDERVIVO-AGIS与RTO节⽬策办人推广网络专案（Temporary Network of Operators）共同催生了NID，并作为联合推动单位。同时，与义大利文化部表演艺术司（Director
-
舞蹈滚动于踩线又旋即转弯的动态之间
How to choose tomatoes? How to find the best and nature tomato? 这是今年5月底，于牯岭街小剧场上演的《TOMATO》开场，创作者周宽柔以正经又带点戏谑口吻为观众讲解： 「首先是叶子」⋯⋯ 「再来是形状」⋯⋯ 「用手摸摸看」⋯⋯「硬的不一定是好的」 「底部」⋯⋯「如果番茄的底部有些凸起，表示它有点调皮」（注） 周宽柔献声但未现身，对应其语音在观众面前以手语展演的是表演者吴志维。他身穿红色西装外套，坐拥整箱等待著被评估为「好的、纯洁的、天然的番茄」，如同美食专家般为观众展示番茄的拣选撇步。《TOMATO》的开场引人发笑，也暗藏著不安。不安在于，以戏谑态度切入性剥削意涵；以及，这要带我们往哪里去？ 若要总括《TOMATO》创作策略：除了明显的戏谑以外，则大概是分岔。这个分岔，展现在作品叙事上，以及身体与物件的关系上。就叙事而言，《TOMATO》常常滚动于即将陷入刻板印象或理所当然的方向上，却不时小拐一下，或乾脆转个弯。好比藉挑选食材的料理语境，处理核心物件番茄，就某种理所当然的发展来看，这位美食专家大概会透过其视觉（观察形状）与触觉（触摸表皮、掂秤重量）拣选出最优秀的番茄。然而，真正「被」进入料理阶段的番茄，其实是由身穿防护衣，并藏匿于现场即时影像背后的操控者Zito Tseng丢给吴志维的。也是因为Zito的出现，我们发现，几分钟前吴志维身后看似「配合」展示的影像片段，其实自成一个世界。而这个经由影像所中介的世界，可能才是欲望生成的主要动力。因为接下来被吴志维削皮、吸吮、咀嚼品尝的番茄，都不是他亲身拣选的，而是被框架好甚至被决定好的「选择」。
-
纪念大师 In Memoriam刘凤学——我的舞蹈人生导师
恩师刘凤学博士为了留下更多的学习和研究成果，这几年一直在与时间赛跑，忙著规划、汇整与撰写《刘凤学舞蹈全集》，已正式出版两卷。她每天都心存感恩，感谢上苍让她又多活一天。2023年5月17日，她终于跑到自己时间的终点了。谨以此文揭露我与老师的缘分情谊，并表达对她的无限思念。 从小说起 我年幼跟随老师在新生南路的现代舞蹈研究中心习舞，奠定了我对舞蹈的喜爱与探索之心，儿时习舞的美好经验是我童年的珍贵回忆。老师的舞蹈启蒙教育兼顾身体基本能力、表达能力与创造能力。基本能力主要透过搭配节奏明快音乐的练习课来进行，强调身体各部位运动的原理原则，以及时间、空间和力量等舞蹈要素的探索。表达能力与老师为我们这群小朋友以世界名曲编创的作品有关，记忆中好多作品都冠上「小」字，如：《小金鱼》、《小蝴蝶》、《小蜜蜂》、《小毛驴》、《小顽童》、《小公主》、《小小玩具兵》等等，至今我的身体仍留有些许印记。尤其《小毛驴》的配乐是维也纳儿童合唱团小男生的美声，毛驴的动作设计相当生动活泼又逗趣。创造能力则来自老师会经由主题和语言的引导来开发我们的想像与身体语汇，有时是个人独力完成，有时与他人合作完成。 老师的启蒙教育没有一般舞蹈社要求的下腰、劈腿、拉筋等动作的强力训练，更多的是要求「身正」、扎实的基础与肢体的开发，以及随著音乐而舞的节奏感、表现力与律动美，是「舞者编舞者」合一的养成教育，也为我埋下以「创造性舞蹈」作为毕生研究课题的种子。而我小小年纪就能展跳大师级编舞家针对儿童身心发展所编创的作品，何其有幸！ 成长茁壮 老师1976年创立「新古典舞团」，早期非舞蹈科班出身的团员，在老师的培训与知人善用的调教下，展现出对舞蹈的热情、专业态度与演出水准。而我也在进入舞团后，开始了「劳其筋骨、苦其心志」的舞蹈磨练，那年，我13岁，当时年纪最轻，今日在舞团内论资排辈可是第一代的嫡传弟子。从那时起，舞蹈之于我，由好玩变成好严肃。小时候快乐无比的跳舞，可以跳自己的舞蹈，可以与老师在上课前一起玩七巧板、跳棋、纸牌、弹珠，甚至住在老师家，把床当地板，翻来覆去，胆敢将腿跨在老师身上的情景不复见，反而是在被要求擦地板，绝对不可迟到，以及经历了一遍遍不同舞码的学习
-
舞蹈离开殿堂，由你自己发现耀眼
若说国家级的剧院是「经典制作的舞台」，那么艋舺国际舞蹈节，也许能够被视为「通往经典的阶梯」。 为期3天的国际舞蹈节，以艋舺的万座晓剧场为核心，世界各国的舞作将如种子一般，散落在日常的街景之中无论天桥、公园、市场、老旧建筑随处可见。一场落在10至50分钟区间的Showcase，也如同将种子谨慎埋进土壤里所花费的时间，使作品有机会在一个寻常人眼里，长成一颗经典的大树。 在这3天中，我们可能是碰巧路过的行人，无意间被表演者的身体动能给惊呆；也可能是拿著「舞蹈节护照」，按图索骥寻找下个演出地点的观众。舞者在城市中游移，观众也在市景里探索。最后彼此有机会于万座晓剧场相遇，感受人的身体站在剧场之内、空间之外的多样性。
-
焦点专题 Focus在世界的盛宴中，安然「做自己」
「全球艺术市场就像是一个大型的晚宴聚会，但以西方熟悉的风格进行如果你有话想说，那么就拉张椅子坐下来，轻松自在地做自己。但要记得，参加的动机不应该是『被看见』，而是去参与这些对话与讨论的过程。」Helly Minarti说。 从印尼的创作现况谈起 「这并不是一个空泛或是唱高调的主题，这是每天每天、在我的策展生活里经验的事情。」以〈来自内在的创作：时间、存有与认识自我的艺术〉作为讲题的Minarti表示。身为一个独立的表演艺术策展人，Minarti不断地在策展实践与经验分享里，回应她所吸取成长养分的母文化，并且对身处亚洲的创作者们，被放在西方建构出来的艺术市场的处境特别有感「我们（印尼）在1945年才正式独立在这里，真的有所谓的表演艺术市场吗？从事表演艺术并不是赚钱的事业。」 Minarti首先以印尼知名的年轻摇滚乐团VOB（Voice of Baceprot）作为开场，影像里，3位穿著传统伊斯兰服装、戴著头巾的年轻女孩，用浅显的英文，深刻地透过音乐表达对于世界的疑惑与提问。来自印尼乡下的小村落，她们透过音乐开启对世界发声的途径，并在全球摇滚乐产业过熟之时，注入一股清新且少见的能量。Minarti以此为引子，想与陪伴艺术家共同发展的制作人们分享，在现今的艺术创作领域，找到创作者本色与独特观点，比急切地想方法被艺术市场看见来得更加关键。
-
摄影手札「慢」、「漫」来！
在媒体工作超过30年，因此有了很多机会可以接触到舞台摄影，更精确地说：我很荣幸曾是《PAR表演艺术》杂志从创刊以来至今的特约摄影，「它」是我摄影工作中最开心的一件事！虽然这么多年来在杂志上发表过的作品远不及其他更优秀摄影师们的作品让人惊叹；但这次在《PAR表演艺术》杂志双月刊发行的最后一期纸上摄影展单元「Gallery」，我想呈现的却是完全不曾在杂志上曝光过的系列作品 「慢」、「漫」来！ 若是问我：舞台摄影的魅力是什么？为何喜欢用慢速快门拍摄？ 其实，对我来说，每一次拍摄舞台演出都像是一次随堂考！编舞家会出什么题目？舞者会如何呈现舞作？灯光设计会如何让你眼花撩乱？舞台设计会如何考验你的取景角度？要用什么拍摄条件才能精准表现以上这些无数组合的精髓？坦白说：我每次都「不及格」！不是没对到焦，就是没捕捉到最精采的瞬间、或是站错拍摄位置等等让人失望的结果。 但在每次舞台摄影的过程中，我最快乐与期待的，竟然不是用高速快门把舞者的姿势凝固下来，或是冻结住舞者跳跃的瞬间画面，而是我会偶而用低于1秒到10秒的快门速度拍摄出来的感觉。它就像是画一幅抽象画，相机成了「画笔」，我用我喜欢的「慢速快门」画出我对舞作的「虚实相间」和「梦幻浪漫」。舞台摄影的魅力就在这！
-
亚伦．路西恩．奥文首度来台 《一个说谎，一个说爱》
由挪威艺术家亚伦．路西恩．奥文（Alan Lucien yen）与其团队「冬季旅人」（winter guests）联手编创的现代舞作品《一个说谎，一个说爱》，在奥斯陆世界首演后，延续世界首演便受邀至多伦多、瑞士等城市演出，获外媒赞誉「舞台奇迹」、「叹为观止」，本周末（3/1～3/3）将在2024TIFA的舞台上为台湾观众呈现该舞作的亚洲首演。
-
横滨接棒梅田宏明，小㞍健太接任第2届横滨红砖仓库驻馆编舞家
由横滨市艺术文化振兴财团所营运的横滨红砖仓库1号馆，自2002年开馆以来，就致力于改善舞蹈工作者的环境、推出不同跨域表演艺术结合的作品，俨然已成为日本现代舞蹈的重要推手。同时，透过主办「横滨舞蹈节」、参与「HOTPOT 东亚洲舞蹈平台」等方式，逐年拓展日本舞蹈的国际连结。 自2022年4月，横滨红砖仓库1号馆开始导入独特的编舞家制度，与首届驻馆编舞家梅田宏明合作，结合横滨在地的企业、大学、文化设施与社区中心进行各种演出与推广活动。第2届（2024年4月至2026年3月）自今年3月起进行公开征件，由小㞍健太（Kenta Kojiri）从31位候选人中脱颖而出，成为下一任驻馆编舞家。横滨红砖仓库1号馆表示，今年的审查考量创意、执行力、影响力、社会性、地域性和国际性等6个面向，并且参考艺术家至今为止在国际与横滨在地的创作活动而选出。 小㞍健太自1999年至欧洲发展，曾参与多位国际知名芭蕾舞团与编舞家作品。在2010年起往返日本、荷兰以自由舞蹈工作者进行活动，探讨在舞蹈中身体的存在方式，广泛参与芭蕾、歌剧、音乐剧、花式滑冰等作品。2024年4月开始，小㞍健太将以横滨作为据点，策划相关的演出活动，以增加参与对话的机会，来强化横滨地方的文化设施与地区居民的合作关系。
-
平心而论
走在众人之前或后？
原来我认为突破舞蹈语汇的「一大步」，在观众眼里可能是要用「放大镜」才能看到的「一小步」！观众在看热闹之余，要改变他们的认知是要一点一点地来？观众对看表演的「信心」，除了要有制作单位对优质节目的努力外，可能也需要靠场馆的共同「催化」？观众看得那么开心的演出，有什么我可以借镜之处？我是要踩在大众品味的肩上推出制作，还是要努力要让大家都看到我想要大家看到的风景？
-
特别企画 Feature
做足功课再出发 多样手段构筑观点
不论米契尔的文本选择为何，她会由作品写成的年代为研究起点，因此作品总能展现其中女性角色面对的困境与抉择，亦不闪躲涉及之政治背景，将作品视为对世界时势的回应。她尤其擅长以当代的场景、写实的画面，重新处理写于过去的文本，而受到碧娜．鲍许的影响，米契尔也时而加入舞蹈与音乐，除了配合文本诠释之外，有时也让充满细节的欧式空间，转换成梦境中跳动与不连续的场景。
-
焦点专题 Focus
从疏远到追求 回返「身体」的蜿蜒路径
从古希腊哲学家柏拉图时发展的「身心二元论」，让肉体被视为「低级的、沉重的、罪恶的」存在，长期受到宗教与神学的压制，直到近代，身体才被肯定为人类认知的主体，成为了人最真实的存在证明。身体这座迷宫，在当代已经迅速召唤了各路专家、各式学科、各种议题集结，从艺术、美学，到哲学、社会学扮演著论述中的重要角色。
-
话题追踪 Follow-ups 2012台新艺术奖表演艺术现象观察—舞蹈
沉潜年代 闪现汹涌暗潮
二○一二年的舞蹈表现，相较于前一年在演出形式与规模上的企图，可说是走进了休养生息、内观自省的阶段。但不少创作者也在这样的潮流中呈现了对自己意义非凡的作品。而南台湾也因表演空间的增多，更有新团队的加入，让南部的舞蹈气象热闹滚滚！
-
特别企画（二） Feature 疼痛，所以存在
舞者身体论
人们看舞者，就好像我们是小珠宝，是纸版娃娃，而我们还得有血、有足以穿越地狱的胆量。 ――前美国芭蕾舞团舞者Susan Jaffe 训练有素的舞者不仅要高贵优雅，还要有奥林匹克跨栏运动员的弹跳，要有走索者的平衡，还要有豹子般的力量和灵敏。 ――Camilla Jessel 有人说：当疼痛的泪水和快乐混入你的汗水之中，你知道：你正在跳舞。 关于舞者，笛卡儿式的定义可能是：我痛，故我在。 萨德式的定义则会是：因为疼痛，所以美好。 疼痛、舞蹈与身体这神秘的三角习题 且看舞者们现身说法，看他们如何定义自己，定义身体？
-
特别企画（二） Feature
吴义芳 身体「冒险」 凝练疼痛哲学
经历许多疼痛，吴义芳深深觉得身体就像一个小宇宙，有它不同的包容度和可能性；而探索的第一步，永远是先面对自己的退化和缺点。「也许是我的个性就喜欢挑战和冒险，所以我想在舞台上将自己的状态呈现出来。」吴义芳决定从四十岁开始，每五年跳一次属于自己的独舞，「这类似一种身体检查，潜在地告诉身体怎么走」，他称此为「生命的刻痕」。
-
特别企画（二） Feature
李静君 爱上舞蹈 让人「粉身碎骨」
李静君认为，专业舞者的养成建立在破坏的基础上，让人「粉身碎骨」。因为她／他有责任将动作做到极致完美，持续反复地操练身体，运动伤害是可预知的。舞者如何照护身体，不致影响舞台上的表现，成为一名专业舞者的职业道德。「台下一百廿分的用功，上台才会有八十五分的呈现。」
-
特别企画（二） Feature
陈韵如 静心内观 寻索身体与内在的连结
回归到自我和内在，是陈韵如的身体功课之一。透过身心学（Somatics），强调联结，帮助自己重新感知、经验身体，她躺在地上示范起来，「想像自己是婴儿，身体一点一点动起来。借由想像，让自己慢慢长大。开始在草原上奔驰，有风，很舒服」著重呼吸和意象，透过简单的冥想放松身体，陈韵如在静态中自我观察和疗愈，「会更认真、细腻地找到想要动身体的出发点。重新省思自己为什么这样动作。」
-
特别企画（二） Feature
董怡芬 巧用身体 轻盈柔软之必要
董怡芬的骨架大，前臂长，她善用这项先天条件，发展出比其他舞者强壮的肌肉；有了肌肉保护，关节便不易受伤。跳舞时，她懂得利用前臂的延展，丰富动作的诠释，也喜欢用脊椎创造自己的身体语言，「可能也因为脊椎动起来有水的感觉」，她笑笑说。
