跨越場館的藩籬，以科技的行動主義建構表演與視覺藝術的元宇宙。
蘇威嘉，驫舞劇場團長，長期為舞團編創新作與演出，2013年開始進行以《自由步》10年編舞計畫。近年來從科技角度出發，思考當代舞蹈關演關係的可能性。2020年利用臺中國家歌劇院的曲牆設計，透過AR擴增實境，讓觀眾手持平板或手機裝置，在空間自由遊走，找到屬於自己的凝視視角。
蔡宏賢，資深新媒體藝術工作者及跨界製作人，現職Dimension Plus超維度互動創意總監、文化部「科技藝術實驗創新及輔導推動計畫」主持人。曾任空總臺灣當代文化實驗場（C-LAB）科技媒體實驗平台資深顧問、第58屆威尼斯國際美術雙年展臺灣館《3x3x6》製作總監、微型樂園創意總監、數位藝術知識與創作流通平台計畫主持人及playaround工作坊策畫人。
王柏偉，現任數位藝術基金會藝術總監，曾任北美館助理研究員。主要研究領域為媒介與設計理論、當代藝術史、文化社會學、藝術╱科學╱科技（AST）、西洋教育史，與張錦惠合譯有Niklas Luhmann所著《愛情作為激情：論親密性的符碼化》。
「我覺得很幸運！」面對疫情對表演藝術的重擊，編舞家蘇威嘉反而樂觀面對，思考如何利用技術來記錄、展現並且推廣舞蹈。他常想，幾百年後的人們回看，一定會說「那一群人好笨，在那兒衝不出來、做著低科技的事情，超好笑的！」也許那時，所謂的「線上」早已是個歷史，但卻是個不得不被提及的時代。
確實，疫情逼著藝術家使用網路、學習舞台轉換。然而，海闊天空的創意仍需要熟稔科技的夥伴，一起讓夢想實現，10年編舞計畫《自由步》即為一例。為此，本刊特邀蘇威嘉、新媒體藝術工作者暨策展人蔡宏賢，以及數位藝術基金會藝術總監王柏偉，從《自由步》出發，談疫情下，數位科技能為表演藝術創作帶來的可能性。
Q： 首先想請威嘉和宏賢談談《看見你的自由步》的合作，當時是怎麼促成？又是如何在創作面與科技面來相互配合？
蘇威嘉（以下簡稱蘇）：《自由步》開始多年後，我發現自己很想站到作品的對面去觀看，但演出時間過了就無法回到那個時刻，所以我想，就把作品錄下來吧！但錄下來是由導播、拍攝、剪輯的人決定視角，因此想錄360度一圈。那時文化部剛好有個科技跨表演藝術補助的案子，我寫了申請，但當時委員很執著於「現場表演是什麼」而不被接受。隔了幾年，製作人黃雯建議我跟宏賢老師聊聊，我就抱著試試看的心情去看了「醫生」，藉著他開出的一些名字與方向，才有了最初的《看見你的自由步》。
蔡宏賢（以下簡稱蔡）： 他的概念是讓買手搖杯的人，可以透過手機看到杯子上有舞者跳舞，我覺得概念很棒、也是可以執行的。那幾年日本服裝品牌UNIQLO很流行跟很多舞者合作，桌布、手機有舞者穿梭跳舞，加上因為蘋果公司很推AR的技術，我就把認識的幾個團體推薦給威嘉。坦白講，每個跨域合作都是一個坑，沒有走那一遭，就沒辦法真正知道問題在哪。
蘇：這其實是亂聊時想到，我剛好有位朋友在英國開珍珠奶茶店，就想，如果喝完手搖杯後有個QR Code在底下，照下去裡面有人在跳舞，透過珍珠奶茶擴散的力量來看到舞蹈，對於舞蹈的認識就會慢慢增加。舞蹈表演者一直在想觀眾在哪裡，如果我們可以利用一個技術記錄，它就有機會成為公共藝術的一部分。在前期當然是貴的，但完成之後成本就會下降，因為不用人表演、人手一機就可以在很多地方再被使用。
蔡：不過，往往很難一步到位，我們也都還在摸索當中。我發現表演者對藝術的要求，可能比原來的科技提供者要高出很多。雖然廠商可以做到定位、偵測，但是從創作者角度來看，可能會感覺到影像太扁平，或者定位不準確，我想信威嘉一定有很大的挫折感。這還牽涉到出資者與藝術家兩方的拉扯，資方畢竟想賺錢，若無法做到最好，就會準備踩煞車，但創作是一個不斷往前走的事。
蘇：是啊，要一直配合！比如經費限制，讓我還無法將機器圍成一圈，讓人可以自由移動，因此觀眾從0度走到10度時，中間角度捕捉不到，就會產生bug。所以當《自由步》準備發展第二階段的時候，為了不要讓人誤以為是個bug，我們就要盡可能原地跳，還要思考要如何跳得好看。
第一階段，光錄一個很大的檔案就很吃力，所以要先降低對畫質的要求，但在第二階段時，這就不是個問題了。兩階段的差異是畫質的提升、檔案變得更大。回想小時候第一台電腦是黑白的，要用磁碟片存取，一張只有1M的容量，怎麼有辦法想像現在的發展？往後有可能速度、容量都遠超乎我們的想像。這好像兩台火車在比賽，一邊是不斷地追求4k、6K、8K的畫質……另一邊則是速度不斷變快。
Q：從《自由步》的實驗來看，是否在場的3位談談對於科技介入表演藝術的看法？
蔡：威嘉談到概念出發創作，為什麼這件事情很容易一談就合？原因是，對從事科技媒體的我們來說，行動主義是很重要的。特別是透過XR（擴增實境），讓舞蹈走到街頭，是很有潛力的。《自由步》背後精神跟我們走入群眾發揮力量是一致的，所以我很正面看待。
王柏偉（以下簡稱王）：我同意宏賢說的行動主義，對我來說，還有另外一個必須跟行動主義搭配的，是表演或視覺藝術跨越場館的藩籬走到外面，也就是現實的擴增（Reality, augmented）。宏賢說那就是「元宇宙」，但我不愛這個詞，因為元宇宙大概還要再15年吧（笑）！這兩三年跟表演藝術領域的朋友聊時，發現大家習慣使用「現實」與「虛擬」彼此對立的概念，但我認為那並非二元。2000年前，PC時代才有辦法說：我離開PC螢幕所以在線下生活。但在2010年iPhone比較普及之後，或說有移動載具之後，隨時都是現實的擴增。也就是說，我們必須要想像到底遠端、即時、共同、在場，甚至是多人同時在場到底是什麼意思。
我覺得《自由步》好厲害、走在好前面。有趣的是，那到底如何從外面進入場館的現場？這是另一個思考的方向。就像我們跟人力飛行劇團合作明年要演的《向左走，向右走》，現在正在測試的是，如何在現場演出大部分不改變的前提下，還能讓線上觀眾同時看到現場？又因為，我們不是要做直播，如何做線上觀看的介面？這我們還在嘗試中。
除此之外，我們也跟嘉義美術館討論虛擬展覽還有什麼其他的可能性。他們計畫做二館╱線上美術館，不是複製現場展覽，而是讓現場觀眾可以跟線上觀眾看見彼此，甚至可以彼此互動。他們也希望藝術作品作為線上空間的入口或場景設定。舉例來說當我們進到某個攝影師的馬戲作品當中，整個色調與氛圍的場景，開始有類似馬戲演員的表演。在這個狀態下，我們創造多重平行空間，而這一個又一個空間是彼此貫通的。所以一方面我們可以看到現實當中不存在的景象，一方面又在虛擬當中看到現實，甚至可以與現實互動。
我認為《自由步》是從遊戲的角度創造一個世界。像我們跟文化臺灣基金會合作台日交流的Taiwan Now，就是創造一個虛擬的空間，讓觀眾看到作品。如何在現實空間中創造各式各樣反饋式的環境、即時或遠方的互動，這需要持續嘗試的。
蔡：如果《自由步》有3.0，我覺得可以思考的是AI。但表演藝術領域的人似乎會擔心實體就消失了。我認為未來觀眾也許都在虛擬時空中上線？所以不用排斥線上線下一定要並存，它甚至只是一個過渡。AI機器學習對表演者一樣重要，因為機器不可能學得會，它需要一連串的數據跟資料學習理念。日後在線上我們可能看到幾千幾百種《自由步》，從原來的版本逐步發展，因為AI並非AR、VR這樣定格做而已。
蘇：有機會，我覺得！我今天才看到新聞，貝多芬沒有寫完第十交響曲，所以國外有個學院就讓AI學習貝多芬怎麼思考以及慣用語法。這是一種統計學，如果我們可以集合各種舞蹈家的作品，讓AI學習，未來說不定就可以創造大師了！
蔡：是！你看前幾年日本新媒體藝術家真鍋大度在玩AI編舞！舞者的虛擬分身在發展的過程中，像小Baby在地上拖行，這個過程身體介於人與非人之間，看了真的會起雞皮疙瘩。《自由步》要進展到讓AI自行發展，那個過程一定會非常精采。我並非元宇宙的信奉者，但我們都經歷過如second life或線上遊戲等，這會是另一種美學的可能性。
蘇威嘉：線上藝術節的新挑戰
驫舞最近在做的「樹林跳：跳島舞蹈節」，邀請了李尋歡導演做視覺統籌，以他的角度重拍舊作《身體我的名片》，拆解成片段。觀眾用戳戳樂的方式點選，戳一次30塊，喜不喜歡就憑運氣。這是舞團第一次辦線上舞蹈節，也是樹林藝文中心這個年輕場館願意做的新嘗試。不過也遇到了一些直播上的障礙，我們問obs、EpocCam怎麼使用，想自己解決嵌入程式的問題，才發現原來IG是不給嵌的！ FB如果是邀請直播，嵌上去之後，也只剩下邀請者，所以挑戰是不斷的。
蔡宏賢：《reCONNECT》實體與虛擬並存的演出
《reCONNECT》是重新鏈結科技藝術的再創概念，執行了兩年。由台灣、香港、日本的文學家、歌手、音樂家與新媒體藝術家共同跨域創作出全新表演計畫《reCONNECT》，將有形與無形在不同層面上結合的概念性舞台空間，藉由枯山水概念，向科技藝術的歷史重新連結。因為疫情的緣故，我們重新面對實體與虛擬並存的演出，線上不能抵銷現場舞台的魅力，同時線下與線上要有效的連動。《reCONNECT》的正式演出時，台灣雷光夏、香港林欣傑、日本和田永三人以獨特的歌唱、家電樂器、光雕塑與舞台共創現場跨域演出，將觀眾帶領穿梭在實與虛之間，體驗媒體連結所帶來的感官奇幻，演出結束後，仍有觀眾不相信這是真正現場即時的虛實表演。
王柏偉：與科技藝術執行單位合作的SOP
這兩年藝術圈有個錯誤的工作方式，就是看到作品好就想要模仿。但每個藝術家應該要有獨特看法。所以我們的模式是：第一階段花3個月左右，研究對象、內容等，丟出相關的reference，思考哪些系統整合。第二個階段是藝術家告訴我們想做什麼？對之前的作品有什麼不滿足？重點在：為什麼一定要用新的科技？最後階段才跟資訊與技術的朋友們討論，開始拆解對方的目標、技術。三階段定版了，才真的有辦法決定要花費的時間、經費達成，然後分配給不同的技術團隊。