「音」被忽略的問題相當嚴重，其中一個原因是：太有意義（文字）。我們將一大塊台詞視為情緒或情感或意義的媒介（這些全是文字文字文字），而聽不到耳邊台詞聲音本身的流動流動流動（聾了聾了聾了），這也是在看許多表演作品時，知道創作者想幹嘛，卻走不動、不好看最大的原因。
音，當初跟語言的言是同一個字，都是一根舌頭從口裡伸出動啊動地發出聲音，丟出一堆語言。後來為了區分，就多點了幾滴指事符號，表示語言裡的心聲。
《禮記》〈樂記〉一開場：「凡音之起，由人心生也，人心之動，物使之然也，感於物而動。」古人很了解起心動念來自於物的動力學，〈樂記〉繼續寫道：「故形於聲。聲成文。謂之音。」頗像編導的過程，必須將聲捏出個形狀，拉出紋理，方能以音動人心。
「音」如壁癌 滲入劇場不同層面
但是，音，看不到，排練時為了能聽到文本的音，必須破釜沉舟地提醒自己：「所有文字進了劇場，只剩聲音。」不然會以為文本有深度，演出就有深度，以為台詞動人，表演就動人，以為議題具當代批判，演出就具當代性有批判力。
但是的確，音，抽象，易被忽略，難以討論，使得「音」身上背負了許多刻板印象（90%來自所謂的直覺），例如：音「樂」，情節到了高潮，煽情的音樂in，在這一瞬間可以理解，不過接著常會出現不知怎麼out，音樂與台詞兩「音」漸行漸遠，彼此開始叫囂頂撞，音樂漸漸壓扁了台詞的起伏韻律。這問題為何常發生？還是得回到音樂go的那一瞬間：
為何悲傷就用悲傷的旋律？快動作就用快節奏？音樂的路徑和詞音的路徑前行的風景為何？音樂有詞嗎？唱詞跟台詞意義與聲音的張力是啥？「音」的想像空間如何建立？再拉開看：多段音樂屬性之間是相同？平行？對比（對位太難）？還是刻意雜亂？雜亂用哪一種走法？音樂使用密度與詞語密度共同完成怎樣的質感？音樂來自哪裡？音樂的創作背景或作曲家是誰？這音樂的文字意義與這文本的互文性是什麼？
這些關於音樂的提問已不只是音「樂」，而是「音」如壁癌，滲入劇場不同層面。想像「音」和其他元素如何曖昧？例如：音效vs.台詞vs.表演vs.情境的彼此情慾的流動是什麼？演員用麥克風這物件vs.聲音vs.人體vs.空間vs.文本，如何喬這多P的體位？聲音一定要好聽嗎？可否玩刺耳的feedback？噴麥聲呢？搬道具要安靜嗎？可否利用那聲響？
「音」被忽略的問題相當嚴重，其中一個原因是：太有意義（文字）。我們將一大塊台詞視為情緒或情感或意義的媒介（這些全是文字文字文字），而聽不到耳邊台詞聲音本身的流動流動流動（聾了聾了聾了），這也是在看許多表演作品時，知道創作者想幹嘛，卻走不動、不好看最大的原因。
眾「音」紛呈 編織劇場的「意義感」
對我而言，劇場的「意義感」來自於將劇場各可見╱不可見的層面視為「音」的配器，如此才能編織關係「譜」，結構才會有具體的策略。廉價的文字意義就像不斷亢奮地高喊「反共復國」、「打倒黑五類」等口號，全心投入地相信文字內容而沒意識到「音」的單調與反覆（註），如同許多教育反覆訓練文字「意義」而無視「音形」的貧乏，教出一堆在觀看過程不斷在尋找「文字意義」，拿著節目單彷彿在對大樂透開獎號碼的賭徒，對到了的確有開心和感動的真實感覺，反之則是沮喪與憤怒，而真實感是否建立於漠視與簡化。
「音」很難，音樂go那一瞬間的刻板印象，背後一定有一大篇道理，這也是為何專家的刻板印象最難撼動，一是因果織太密，聽不進其他聲「音」，一是「專家」如鋼鐵人般的角色扮演，就像近年來「有理想」的所謂左派無法理解為何民眾會傾向極右，如同抱持「美學」「有深度」的劇評無法理解日常喃喃瑣碎裡巨大的傷悲。
眾人皆知劇場有聽覺，亦知音樂為時間的藝術，但仍被文字奴役，導致被呆板的直線時間感緊箍感知。「音」無形，會心慌，難免，畢竟，字句具體多了，只是創作者明明是探索╱挖掘者，卻不知不覺變成購物頻道主持人，徒勞地想以七彩明亮的招牌為幽暗的未知命名。
註：即使「反覆」，巴赫和爵士樂做得多猛。
