PAR 表演藝術雜誌

去紐約那一年，她看到女生擦口紅很好看，就買了一支，5塊美金。看著鏡中擦上口紅的自己，她很喜歡。回到台灣，她擦了大紅唇膏去學校，一上課就被消遣，「妳今天是要去哪？」她聳聳肩說：「我今天就想長得不一樣。」

那個「不一樣」宛如一根刺，戳著每個人的神經，楊乃璇說，「那段時間在台灣最重要的日常練習，儘管不容易，就是要練習不畏懼他人的眼光。」

在外人眼中，風格與個性都十分鮮明的編舞家與舞者楊乃璇，近年剛發表的作品《Je suis en forme 我的老派，我的派對》，開場就打破舞台的第四面牆，將觀眾引導到台上，請大家讓「身體」先看，感受自然的律動，加入作品的頻率。楊乃璇與舞蹈同好於2014年合夥成立的「小事製作」，如今邁入第10年，成員來到16人，及一位舞團正職經理。團員舞風各有所長，半數有街舞背景，是一個團員之間平等經營與互助的「表演藝術合作社」。然而不同舞風混融下來，群舞合作和諧，個人亦保有自我，一字排開個個風格鮮明，擁有自己的模樣與性格。

她笑說這應該是外界總是把小事歸類「街舞團隊」的原因，太有個性又太難定義了。重點並非舞風，而是他們展現出來的態度與性格。作為核心人物的楊乃璇是舞蹈科班出身，總是努力嘗試不忘本，也始終沒有往所謂的「標準」靠攏，而是竭盡所能地，成為獨一無二的自己。

即便是一件簡單的T恤，都要充滿態度

隨著音樂起舞，是楊乃璇跳舞的開關，也是編舞的創作起點。2013年她入選新人新視野的作品《小提包》，融合了現代舞與街舞，也混搭舞蹈與戲劇，但她強調，「並不是我選擇街舞，只是剛好遇上街舞舞者。」她直言成熟的舞者不管擅長什麼舞風，只要心理與技術都成熟，彼此的合作就能自然而然地融合、帶來藝術的火花。如此有機的過程，也是後來小事製作總能與他人跨界合作迸出驚喜的主因。

「能夠激起我想跳舞的慾望，多半不是那麼古典，建立在由身體律動堆疊的動能，比較能連結到我身上的開關，科班訓練中比較少討論這樣的身體美學。」即便到現在，她習慣的編舞方式依舊是從音樂開始想像，音樂不只是啟動身體的開關，也能產生對空間與氛圍的建立，更像是某種指引，引導她的思緒跟著身體律動前往遠方。而被音樂觸動的跳舞本能和慾望，也與街舞的底蘊不謀而合。

2015年，楊乃璇與小事團員在華山新生橋下發起《週一學校》，不用報名、全程免費，沒有鏡子、更沒有額外的批評指教，各式舞風的老師被請來，用最輕鬆自然的方式教課，參加者自由加入學習。他們來自四面八方、各種年齡層，共通點都只是：好想跳舞。《週一學校》一辦9年，她看著高中的小男生一路跳到大學畢業，也看著自己的另一半從上班族跳到可以隨時聽到音樂就起舞。「從前作品是為編舞家而活，舞者的衣著、妝容甚至個人身體特色，都相較之下沒有那麼鮮明。在認識街舞文化的過程中，舞者普遍樂於從舞蹈風格中形塑自己的特色，並且擁抱個人特質。」在週一學校這樣自由的場域跳舞，讓每個參加者都保有自己的風格，也能不受批判地成為自己喜歡的樣子。

此外，街舞文化中，由於人人都被鼓勵可以battle，同時也要能透過這樣的比賽方式來展現自己的能力、並持續向他人學習，「因此即便是一件簡單的T恤，都要充滿態度。」她解釋，街舞的競賽從穿著、音樂到編舞的選擇是環環相扣，層層堆起舞者的特色，與其意圖展現的自我價值。相較於她自己在台灣求學的經驗，由於建立舞蹈的基礎和觀念有著本質上的不同，街舞舞者反倒比較能活出自我，也多能獨立在世界各地闖出一片天，這是她最欣賞街頭文化的部分。

因此，她也非常重視小事製作的品牌團隊精神。從形象照到演出服裝，到她自己始終堅持因應各種場合不同的裝扮，她相信從穿著設計到身體展現的模樣，都代表著她的生活美感，也期望是團隊對外的態度，這是她們從街舞文化中學習到，並認真落實到日常生活的重要小事。

對等認識彼此的文化，才能謙虛地開啟藝術交流

去年初楊乃璇前往巴黎西帖國際藝術村駐村，第一天就秉持著「藝術外交」的精神，和隔壁的緬甸藝術家成為朋友，也藉此牽線認識法國街舞圈的友人。經過長時間觀察兩地街舞發展，她直言法國的街舞與當代舞蹈一開始也是涇渭分明，但得利於法國地理位置、人種與音樂類型的多元，再加上今年巴黎奧運首度納入霹靂舞項目的額外加成，造就他們如今豐富的融合與發展。相形之下，地理環境、種族文化與人口基數都不同的台灣，街舞的發展不但沒有落後，更相較於被動等待補助的藝術工作者更能自力更生，許多舞者甚至自籌款項，藉著比賽勇闖世界各地，視野看得更遠。「人們以為街舞是因為霹靂舞納入奧運而被重視，事實上他們早就發展蓬勃。」楊乃璇一再強調，人們需要對街舞文化的脈絡有所理解，並給予更多的尊重。

「我們在學習對方的文化的時候，也都在挪用一些事情，並在這個過程中慢慢找到自己的步調跟節奏。」除了一直以來的友好與合作，小事製作的2024年度製作《樂園》也將與街舞職業團隊「IP LOCKERS」合作，由視覺藝術家莊哲瑋將荷蘭畫家波希（Jheronimus Bosch）畫作中的動植物與人的奇異形象和聖經典故，透過關鍵字生成 AI 圖畫，延伸至演出服裝當中；副團長林素蓮編舞，兩團舞者合作演出。透過一次次的溝通與合作，楊乃璇更加深刻地感受到，跨界是文化與文化之間對等的相識，也是兩組成熟舞者的藝術相遇。彼此因為喜歡而合作，也因為尊重而謙虛，創作在如此有機的接觸與碰撞下，才能開啟好的藝術交流。

好玩的事情，先做了再說

作為編舞家與舞者，楊乃璇一直有著接納一切舞風的自由，努力活成自己喜歡的樣子，也做著自己覺得好玩的事情。「重點就是好玩！」她在某一刻認清，只要是覺得好玩的事，通常就會做得好。「因為只要不好玩，就會開始想要收多少錢、花多少時間工作，開始計較付出。但好玩的事情，就是先做了再說。」

同樣的概念延伸至舞團，小事團員也多是為著同樣意念而聚攏，好玩給了他們動力，產生使命感，也才能在前期撐著如此無政府狀態的營運走到今天。從2020年開始每年承接超過30個委託案、40多場自主發起的行動與主題工作坊，才剛結束當代藝博的跨界DJ演出，今年8月又要代表巴黎文化奧運臺灣館表演，年度製作《樂園》也正如火如荼。「我把好玩的事情視為一種投資，成本是寶貴的時間，換來下一趟好玩的旅程。儘管最想做的事情都不賺錢，但這些經驗會帶著你到下一個地方，那裡就有無限的可能，再經由不斷地檢討、調整與修正，才能一步步組織化。」

楊乃璇在巴黎觀察到，如今街舞達到一定水準的舞者，通常會開始參與劇場型的創作，混融不同的當代元素與跨界合作最加分，同時也精進自己的舞台表演，「這是現在20到35歲這一代舞者的現況，也是挑戰。」當舞風的融合成為顯學，擅長多元舞風就是當代舞者的生存秘訣；若想要更加突出，擁有可辨識的個人風格與態度，紮實的舞蹈根基就成為關鍵。她自始自終不覺得舞風是誰襯托了誰，而是在相遇與認識彼此的文化中相互學習，一起為了好玩的事情投注心力，藉著舞蹈這項共通語言，創造更寬廣的藝術能量，一起前往更遠的地方。