在第24屆台新藝術獎頒獎典禮圓滿落幕、年度得主揭曉後的激動時刻，台新銀行文化藝術基金會特別舉辦了國際決審講座「從哪裡來？往哪裡去？——藝術機構的文化座標與發展想像」。3位來自不同文化背景的國際評審——瑞典馬默爾現代美術館館長伊莉莎白．米爾奎斯特（Elisabeth Millqvist）、日本靜岡縣立舞台藝術中心（SPAC）戲劇顧問橫山義志（Yoshiji Yokoyama），以及中國深圳京東美術館執行館長岳鴻飛（Robin Peckham），齊聚一堂分享他們對台灣表演藝術的深刻觀察。這場講座不只是對得獎作品的點評，更是一次關於表演藝術如何跨越邊界、重塑身體論述與社會連結的深度對話。
橫山義志：重塑亞洲劇場的生態與身體「重量」
橫山義志在講座中以「如何讓藝術成為快樂的源泉」為題，分享了他從生物學跨足劇場的歷程。橫山提到，年少時他有嚴重的口吃，對身體的笨拙也感到自卑，想當精神科醫師的他，沒能考上醫學院，所以先在大學修習生物學，在那裡，他接觸了劇場。也因為劇場，他發現一個人的身體即便不強壯，也能影響另一個身體。這段心路歷程成為他自我修復的起點，也讓他對表演藝術中「身體」的本質有著極為細膩的洞察。
橫山指出，在亞洲，戲劇表演通常與歌舞結合，如歌舞伎、能劇、戲曲或卡塔卡利（Kathakali），然而歐洲的戲劇理論在歷史發展中，卻發明了一種排除歌舞、偏重語言與概念的「純戲劇」框架，並將此視為一種「普世標準」。對於西方標準抱持著質疑態度的他，在SPAC則致力於打破這個框架。SPAC是日本唯一由劇團經營的公立劇場，座落於靜岡的森林公園中，擁有能俯瞰山景的舞台，這讓橫山開始思考劇場與自然生態的結合。而在觀察今年台新藝術獎的入圍作品時，他也看見了全然不同的亞洲力量。
橫山特別點名年度大獎作品——TAI身體劇場《qaqay踩踏在水面上的聲音》，強調其展現的「重量感」令他深受震撼。對比西方芭蕾追求輕盈、無視重力的跳躍，他認為原住民藝術家的每一踏步都充滿了與土地連結的紮實感。他認為這與山林生活的本能有關：「在危險的山地環境中，每一踏步都必須放下全身的重量以確保安全。」
這種步法不僅反映了生存本能，更令他想起日本現代化以前（如武士）的行走方式。對橫山而言，這種集體吟唱與舞蹈的「重量」，勾勒出人類為了在自然中生存，透過歌舞讓群體顯得強大的原始基因，這不只是肢體技巧，更是藝術家在殖民歷史留下的廢墟（日治時期工廠）中，透過身體奮力守護並傳承族群知識的姿態。
橫山進一步提出「里山精神」與「花園劇場」的概念，認為表演藝術不應局限於人類，植物、昆蟲、石頭與水也都在不斷表演。他希望推動一種「後西方」或「後人類」的思考，讓表演藝術能從高度知識化的西方結構中解放，回歸到享受身體與靈魂連結的原始快樂。讓所有生命都能在表演中享受身心的連結。
伊莉莎白．米爾奎斯特：信任身體與材質，轉化古老靈性智慧
瑞典評審伊莉莎白．米爾奎斯特則帶領觀眾回顧了瑞典現代美術館將館舍轉化為「實驗性遊樂場」的傳奇歷史，強調「參與」與「實作」。她引述美國藝術家羅伯特．莫里斯（Robert Morris）的話，主張觀眾不應只是「冷漠地沉思」，而應去觸碰、爬過事物，像孩子一樣在遊戲中展現創意。
她以瑞典馬默爾現代美術館所舉辦的「素描課」為例，此活動邀請訪客在展廳中對著正在舞動的舞者進行即興寫生。她認為，當觀賞與創作之間的隔閡被打破時，現場會產生驚人的專注力。
在米爾奎斯特的觀察中，她發現台灣創作者擁有一種「勇於信任身體與材質」的特質。她指出，藝術家們敢於讓身體在舞台上直接散發光芒，不需要多餘的裝飾或繁瑣的道具；在內容層面上，她則驚豔於台灣表演藝術對「靈性」與「古老智慧」的轉化，許多藝術家會回溯民間故事、靈性傳統、甚至抄寫經文或與靈媒溝通。例如蔡明亮與孫松榮的《行者十步：蔡明亮》，即運用了各種古老的智慧與靈性洞見，以過去的知識和智慧來與當代對話。
同時，她也看到了科技的運用，例如極其引人入勝的《文化與科技三部曲》，以及在《KINGDOM》趙亭婷✕安娜琪舞蹈劇場中，表演者運用了虛擬實境（VR），這種表現形式的多樣性，以及將傳統和科技融入作品的巧思，令她非常感興趣。
岳鴻飛：多元文化基因下的「高科技與高觸感」
長居亞洲、對台灣社會有著深厚感情的岳鴻飛，提出了一套關於「High Tech」與「High Touch」並重的命題，認為美術館不應只是堆滿螢幕的地方，而應讓藝術家運用身體關係與傳統工藝，解析當代科技生活的秘密。對岳鴻飛來說，美術館或劇場更應是一個「發動機」，保護藝術家「犯錯與破壞」的自由空間，讓藝術成為批判科技、反映勞動與社會現實的利刃。
曾長期在台灣耕耘的岳鴻飛，從社會結構與科技人文的角度剖析台灣表演藝術的競爭力，極力推崇台灣表演藝術中展現的「內部多樣性」與「外向的國際主義」。他指出，外界常誤以為台灣是單一的社會，但作品卻展現了跨原住民部落、多種語言（台語、馬來西亞華語）的特色，並與韓國、東南亞等鄰國有著緊密的表演合作。他認為這種複雜且豐富的社會結構，正是台灣表演藝術強大創意基因的來源。
此外，岳鴻飛也觀察到視覺藝術與表演藝術的界限在台灣正變得模糊，例如視覺大獎得主「豪華朗機工」的作品《宇宙寫生》，便是從視覺藝術跨足到劇場作品《最後一問》，本質上涉及了高度的劇場性與身體感，也展現了創作者不再受限於單一媒材的趨勢。
跨界連結：藝術作為社會的處方箋
在講座的互動環節中，講者們共同探討了「藝術與福祉」的趨勢。橫山主張「劇場即花園」的理念，這種將表演帶入自然環境的嘗試，本身就是一種讓參與者享受身體與靈魂連結的療癒過程。
米爾奎斯特則介紹了瑞典實施非常成功的「文化處方箋」概念。對於感到心理不適的朋友，處方箋不一定要開藥，也可以是去看一場戲、聽一場音樂會或參觀展覽，以此釋放壓力並獲得新的啟發。
岳鴻飛認為，「照顧與關懷」是美術館的核心價值，特別是在步調極快的科技城市。他計劃在館內設置「療癒」型展覽空間，希望高壓職場下的員工，能在休息時間下樓進入美術館，即使只有10分鐘或1小時，也能在安靜的環境中找到「心理共鳴」與療癒。他也認同橫山的「花園」概念，認為讓藝術走入自然環境中進行表演或展示，本身就是一種讓參與者感到放鬆與療癒的過程。
總結這場跨國對話，3位專家一致認為，台灣表演藝術在「在地性」與「國際感」之間找到了獨特的平衡。無論是橫山義志看見的「身體重量」、米爾奎斯特觀察到的「靈性信任」，還是岳鴻飛讚賞的「多元社會基因」，都指向一個共同的核心：台灣藝術家正透過極具生命力的身體實踐，在快速變動的世界中，為當代藝術建構出一種既踏實又深邃的未來視域。
