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唐健哲
發表文章 25 篇
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回想與回響 Echo 回應與挑戰說故事者從死亡那裡借來權威
年前，國民黨團要求文化部停止「轉型正義」工作，並以「扭曲國家對重要歷史人物紀念的意義」等理由刪除、減列與凍結文化部預算。其他如文宣費全數刪除，黑潮計畫共砍4,000萬，公視則因台籍戰俘的歷史劇《聽海湧》遭指涉扭曲史實，補助預算砍2,300萬、凍結25%。一時間，文化人與導演拿補助是政治酬庸、為特定意識形態宣傳等說法甚囂塵上，「要飯說」更讓藝文圈為之譁然。 作為曾經製作不止一個白色恐怖歷史劇場作品，並曾獲得相關政府補助經費的劇場導演，我認為現在是個適當時機正面回應這樣的質疑：國家是否應該補助並推動「轉型正義」文化活動？不僅是立委與網紅對此有所抨擊，表演藝術圈近年亦有相關質疑。劇評人王墨林近期在《PAR表演藝術》官網的文章中指稱，時下白恐戲在執行當局「轉型正義」政策的宣導下，將歷史事件當成一種消費的政治（註1）。類似的觀點，劇評人郭亮廷在去年亦有撰文提及（註2）。這些評論預設了一個立場：創作者只要接受了和國家轉型正義工程有關的補助，作品就不證自明地服膺官方史觀，或淪為國家政令宣傳。 首先需要回應的是，在這些再現白色恐怖歷史的作品中，許多被認為是「史觀」的問題，實際上往往是「美學」的問題。處理白色恐怖歷史的劇場、影劇創作者，在大多數層面與一般創作者並無二致，創作與敘事的取捨若有任何標準，那必然是關乎創作者在實踐什麼樣的美學。
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話題追蹤 Follow-ups
差事劇團與再拒劇團的關懷及實踐
該以怎樣的形式回應我們所在的這片土地，連結社會，同時又讓議題演出好看，與創作者的養成脈絡與美學想像高度相關。「差事劇團」與「再一次拒絕長大劇團」逾20年的實踐，雖同樣是長期藉由劇場回應社會現象的劇團，卻有全然不同的創作路徑與嘗試方向。劇場抵達的社會的形式多元，議題、地方、參與都是可選擇的元素，然重要仍是回到創作者自身關心什麼、想說什麼，因著動機，自然會找到述說的方法。
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話題追蹤 Follow-ups跨界是趨勢，還是表演藝術的本質？
以《PAR表演藝術》雜誌為對象，搜尋「跨界」這個關鍵詞，會跳出94篇相關文章，最早一篇是在1998年底刊出的內容，談論歌舞伎與巴赫音樂的跨文化、跨場域創作。隨著時間推移，舉凡裝置藝術與表演藝術間的交錯、傳統戲曲與當代表演的共創，再到科技展演與表演創作的多元融合，10多年過去，「跨界」一詞的定義不斷發展、演變，究竟什麼是跨界？跨界又能帶來什麼可能與提醒？在作曲家王希文、編劇詹傑與導演郭文泰眼中，各有相似與相異之處。
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焦點專題 Focus 音樂劇篇作品需經歷完整開發歷程，才有辦法在市場突圍
疫情對娛樂產業造成的衝擊已不是新鮮話題。當我們討論如何「找回」流失的觀眾時，可能更需要的是面對現實：「我們回不去了」。娛樂產業全球化改變人們對作品的選擇，更瓜分了觀眾的休閒時間、提高消費者對作品品質的要求。 在票房普遍艱辛的2024年，我們仍能看到一開賣就銷售一空的話題作品。由此可見，符合市場需求的作品消費者依然買單，關鍵在於如何找到這些作品。若將視野放遠至百老匯、西區、首爾等成熟的音樂劇市場，會發現作品開發並非一蹴而就。從讀劇、工作坊、音樂會形式的試演會，到較大規模的城外預演，每個階段都有其商業定位與功能。這層層推進的過程，都是為了最終能與廣大觀眾群體產生深刻的共鳴。 回顧2024年的台灣音樂劇市場，新製作相較前兩年少了許多，取而代之的是各種形式的讀劇演出。由製作團隊自發舉辦的有：《不親愛家人》EP.1、《三個不結婚的女人》、《老男孩》、《投胎新手必看指南天堂倒計時》、《台北莉莉絲》、《聲生不息》、《忘川》、《日晷》、《One Two Punch痛感擊》。由機構舉辦的包括：「新北市生音藝術節」《懸日》、《半面向左，半面向右》；「讀劇匯音樂劇創投媒合平台」《媽的地獄之旅》、《還在路上》、《三胞胎的我在完成夢想之前死掉了（還好我有兩個兄弟）》、《極道繼承人》、《HOME RUNing》、《爬上頂樓看月亮》、《偷吃？好吃！》、《阿媽的比基尼》（註）；以及「NTT+音樂劇人才培育工程」《無驚》、《Planet》、《愛的小部五曲》、《夜奔》、《美的生存遊戲》。 這是個值得欣慰的現象。愈來愈多的製作團隊逐漸意識到，要成就具備商業化條件的作品，需要經歷完整的開發過程。為了讓作品能在龐雜的市場中突圍而出，團隊必須具備相當的競爭力。我們也需要更專業的製作人，製作人不僅要具備產製管理及資源整合能力，更需擁有能兼顧市場及創意的精準眼光，並將其應用在各開發階段的目標策略擬定與決策中。 讀劇的執行層面也有許多專業知識值得鑽研。例如，檢視文本時，哪些步驟絕對不該忽視？應該與哪些觀眾溝通？用什麼樣的方式，才能取得最真實的回饋？行銷又應該在何時介入？讀劇之後，能否果斷地
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動見体《美好如此》 從女性視角看親情與孤獨
動見体劇團2024年全新作品《美好如此》即將登場，以深刻情感細膩刻畫母女之間關係，帶領觀眾踏上生命最後一段旅程，探討生命終點及親情中的孤獨與依靠。
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戲劇面對實體的消逝，以實體抵抗消失
高度講究儀式感的劇場，面對即將揮別雙月刊發行的《PAR表演藝術》雜誌，似乎也得做些什麼，讓彼此的告別產生意義。那麼，就來聊聊劇場如何處理「消失」這件事吧。 紙本雜誌的消失，之所以對劇場產生衝擊，在於兩者的「實體（physical）」特質無論是實物、物體或身體；也因此，始終在數位虛擬世界的威脅下，想方設法活下去。在一方不得不告終之後，另一方自然也再度出現危機意識，反思自身存在意義。然若從另一角度來看，對於朝生暮死、存於當下的劇場來說，消失本就是一種必然。在劇場發生的一切，本就不可能恆久存在。我們甚至可以說，在這個可以用網路保存一切的時代，只剩下「劇場」能好好處理關於消失的命題。 正因為意識到消失之無可避免，劇場於是以肉身╱實體對抗消亡。在我腦海中那些關於消失的作品中，述說的都不是消失本身，而是與之拉鋸的過程。然而，正是要直視消失的存在，才會讓抵抗產生力量。只不過，「消失」並不真的只是消失；正如劇場所呈現的當下，從來就不是斷裂、無延續的一次性當下。我曾在同樣講究現場性的足球運動書寫中，看過這段描述：「一個『過去』與『現在』交織互動的領域⋯⋯讓我們得以把心中的想望與實際的記憶融合混雜。」（註1）每一次的絕妙好球，都是在記憶中召喚類似的場景，如同人們同樣透過劇場經驗，疊合多重時空。換句話說，試圖抵擋「消失」的劇場，並非是單次復刻或重現，而是一次次顯現痕跡的堆疊。
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特別企畫 Feature 年度現象09豐沛能量與多元議題，台灣竄升世界XR要角
在VR的世界裡，沒有人不知道「台灣」。自新媒體藝術家黃心健與美國前衛音樂人蘿瑞．安德森（Laurie Anderson）合作的VR作品《沙中房間》，於2017年的威尼斯影展首度開設的VR單元，一舉獲得當屆「最佳VR體驗」獎後，台灣相關的VR、MR與XR作品開始遍地開花般地在歐美各大影展裡獲得重要獎項與關注。有著蓬勃的電子與科技業背景，多元開放的創作議題，加上官方與民間機構的資源挹注，「台灣製造」在虛擬與混合實境的藝術╱娛樂產業裡，再次抓住了全世界的目光。2023年的威尼斯市場展（Venice Production Bridge）中，甚至與法國共同獲邀，擁有自己的主題館台灣導演陳芯宜也成為當屆威尼斯影展VR沉浸式競賽的評審團主席。
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特別企畫 Feature 藝術家回應李銘宸：不同立場的換位思考
「策展對我來說，也是單位與創作者，甚至是觀眾之間的鬥智鬥勇。 」面對策展邀演的心情，創作者李銘宸如是說。 策展：組合背後的思維與態度 編導演全才的李銘宸，以「集體創作」見長，經常是生活經驗有所體會，才會將之化作創作元素不僅個人創作如此，即便遇上單位邀請、策展合作等狀況亦然，「以我個人的創作經歷來說，通常不會先從題目開始，大多先有感覺、累積經驗，創作才會開始。我很少重新發展、嘗試過去創作中的概念或元素，可能是因為這樣才會每次創作都很痛苦吧，也可能是因為，一路以來做的東西大多比較不是走文本脈絡，而透過生活、經驗、抽象的感知去組構作品和陳述，好像也會自然地開往這種方向。」 然而，既然說到這點，李銘宸又不得不先討論「策展」二字，之於台灣藝術圈的定義。他思考：「以現在台灣劇場的環境來說，『策展』常常比較多覺得是一種行銷的語言、扛棒（編按：台語「招牌」），像是超級市場的櫻花季、楓葉季、各國零食泡麵環遊世界那種感覺。藝術節和策展，大多國外舊作和台灣新作混雜呈現，但作品們的組合、菜單、發生的方式，能夠感覺到背後策劃的思維、態度、視野。」 話雖如此，仍偶有驚喜的際遇發生。今年臺北藝術節，李銘宸的全新作品《百葉》也將登台，他說這回雖然同樣是以策展之名目為發端，但是「我能感覺到策展人林人中非常有意識地在處理整體節目的思考與議題性，與藝術家的溝通相處，也非常緊密，深入，體察。」這樣彼此信任、暢通討論的關係，對李銘宸來說也是很不容易的經驗。畢竟場館的邀請，時而像把雙面刃，有時給予人意象不到的刺激，有時也會迎來無法預期的限制。
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特別企畫 Feature 藝術家回應再拒劇團：拒絕現有框架，種下改變的種子
2020年，「再一次拒絕長大劇團」更名為大眾已習慣的簡稱「再拒劇團」。團長黃思農笑稱改名只是因為團名太長，並未正式對外宣告，但更名對團內其實是一種心情重組2018年做完《春醒》，因為製作票房不如預期，再拒面臨高額負債，靠著2019年大量接案與製作，雖然還清負債，卻也感覺疲憊。內部討論著是否要解散或是休息？後來決定乾脆把團名改一改，換一個新氣象。製作人羅尹如亦是在這過量生產的一年加入再拒。 文化政策與勞動環境的惡性循環 2002年成團的再拒，正好經歷了台灣文化體制轉變的時期。90年代中期開始的機構與學院建置、各種補助機制建構，以及法規與場館政策，皆迫使小劇場一同進入機制化建構，少部分劇團帶著社會主義思考，重新「產業化」另途。 在此脈絡下，再拒在2007年做完第一檔大型製作《沈默的左手》後休團一年，確認劇團職業化發展的路線，並將參演者勞動權益納入營運思考。儘管有補助的挹注，每檔製作前皆評估製作規模、預留劇團的行政管理費，仍常入不敷出，只能盡量取得平衡。即使已知製作會賠錢，也不縮減人員工作費。為求反應成本，2013年起再拒自發調漲演出票價，然而因為演出形式使得觀眾人數受限，票價能回收的成本實也有限。 談及現行補助機制與勞動權益，羅尹如表示當目前補助金額無法提高，在僧多粥少的競合狀況下，也讓從業者習慣用低薪評估自己的工作價值，形成惡性循環；而補助金額無法提升，實也受限於文化單位所能取得的中央經費不足。就此黃思農指出當前文化政策上資源分配定位不明的問題：政府一方面希望扶植實驗劇場與具公共意義的演出，另一方面又希望繼續補助商業劇場以形成產業；主要補助單位仍是根據文化政策方向提供補助，並未區別各自補助對象，90年代「小劇場聯盟」就提出的問題至今依然無解。
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特別企畫 Feature非關政治審查，而是勞動倫理
不確定「政治正確」是什麼時候變成「髒話」的。 過去理解的「政治正確」，是一種換位思考，不以偏見、嘲弄用語來指涉弱勢群體可以是性別也可以是族群。然而近年卻有另一種聲音出現，「反政治正確」站上弱勢位置反抗所謂的「政治正確」強權，甚至還有了「正義魔人」（SJW，social justice warriors）一詞出現，在歐美熱門影劇相關論戰中特別常見。 劇場創作需要政治正確嗎？這之所以成為一個問題，或許是因為典範的擺盪與轉移。自古以來，藝術就在規範與挑釁之間不斷辯證，像是古希臘的太陽神與酒神之爭（無論我如何不情願陷入二分法）。縱慾、失序的後者，往往是藝術所讚揚，對於體制、威權的反抗，成為創作的最高宗旨。將愛欲化為作品的世紀之交，是心之嚮往的黃金年代（註1）；文以載道的宗教劇、道德劇、樣板戲，伊莉莎白時代的舞台禁令，以致台灣戒嚴時期的審查，則是避之唯恐不及。 隨著種族、性別議題進入主流視野，成為制度化的推進力量（包含國家補助機制與商業市場投資），矛盾也就因此產生了。政治正確，開始召喚出人們服膺於權力、或將失去言論自由的恐懼，「反政治正確」則如「反體制」般有理。有意識的挑釁如脫口秀、饒舌歌的地獄哏（最近的例子是綜藝節目《大嘻哈時代》有醫學院參賽者嘲諷原住民加分制度），從族群到性別無一倖免；無意識的踩雷則如陳玉勳2020年電影《消失的情人節》（註2），創作動機與觀眾解讀出現巨大落差究竟是正義魔人的群眾暴力？或是優勢者看不見自身的盲點？
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戲劇劇場散步筆記：迷走在現場的觀察絮語
邀觀眾置身現場，或不坐固定位置漫遊欣賞，此展演形式早已不是新鮮出奇的演出類型。然而，《PAR表演藝術》2020年的觀察回顧曾提及：「移動╱漫步與地方╱空間，是走入後疫情時代的台灣下半年劇場生態的關鍵字。」指出當時因疫情趨緩加上國內旅遊復甦，相關創作似乎替悶在家中的人找到出口，有大爆發的現象產生（註1）。近兩年疫情起伏，去年又再度從高峰緩解，就近期演出而言，過去的觀察於現在來看仍相當適切。 伴隨過往環境劇場（environmental theatre）、漫步劇場（promenade theatre）與特定場域表演（site-specific performance）等形式在台灣已有一定發展程度，或搭上近年創生地方的意識引入與變遷，接連興起另一波在地節慶策辦熱潮。可發現到，遊走式演出與非典型空間的展演創作，近來格外受到歡迎頻繁出現。蓬勃發展之際，可從幾檔製作看出幾項清晰的實踐路徑。 觀眾親臨現場移動，多半不只是單純遊走，而是被納入演出考量，建構觀演意識重要的環節。某些甚或從中連結藝術節策劃宗旨，成為主辦單位、策展人或藝術總監部分的理念落實。致使，為何行走、何處停留、移動範圍及參與模式等規劃，隱含各式各樣先決的條件，考驗著創作者處理空間的切入觀點，及調度觀眾身體與思維協作的能力，以期帶來流暢、連貫並扣合作品命題與演出場域，全面性的觀演體驗。當觀眾不只是觀者，更是投身並交融於演出中，與作品、與節慶、與環境同在的一分子，那麼從「移動」方方面面的布局來反思這類展演形式的現況，將可一探在各種創作路徑下，藝術家究竟如何連結，並回應空間、命題與觀眾三者交互作用的關聯，以重新定義三者合而為一的整體經驗。 路徑一：玩味稀鬆平常的空間 由空間出發，是此類創作常見的起心動念。也許是深耕地方的團隊邀請，或源自創作者長期經營的形式與主題。對焦空間與人的關係，於某特定場域進行文史踏查、住民訪談，或可能在一定時間內蹲點生活，進而轉化當地風土與生活空間為創作文本，部署一道看似尋常卻耐人尋味的遊走路線展演作品。此路徑的曖昧之處，正在於路線沿途可能蘊含演出，更多的是非經排練的日常景觀也將一併納入。 近年活躍南部的「斜槓青年創作體」可謂此路徑代表。2019至2021年間，受屏東縣政府主辦「
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戲劇走出彩樓．打開鏡框
台灣布袋戲歷經不同時期發展，形成各具特色的表現形式與風格。以舞台形式來說，早期的傳統彩樓與鏡框式繪景舞台，一直是布袋戲主要的舞台形式。然而近年來，除了一般外台民戲和公演外，進入現代劇場，也成為各團在規劃演出時的選項之一。當布袋戲進入現代劇場，傳統彩樓與鏡框式舞台已無法滿足觀眾的審美需求。劇評人紀慧玲便認為：「今天新形式的布袋戲顯然超越了過去規範，觀眾的欣賞方式向現代劇場靠攏，必須閱取『舞台』全部空間裡更多訊息，組構觀賞美感。」（註1）換言之，如何藉由現代劇場敘事轉化布袋戲傳統，連結現代觀眾的審美習慣，或許是每個布袋戲團在進入現代劇場時，必須要思考的問題。 目前布袋戲在劇場中，最常見到的舞台形式，主要是以黑色平台為主。舞台上通常會有兩個以上的黑色平台，連接的平台會與兩側、上方的布幕，形成一大型鏡框，上舞台則會懸掛布幕或布景。此種舞台的好處在於，平台至上舞台間，能保有較大的表演空間，演師可在此空間來回穿梭、走動，呈現精采的武打戲和複雜的特效場面，或是利用布景、道具台車，在畫面上製造出景深的效果。值得一提，此類平台多為可移動式，依劇情需要進行翻轉或移動，在表現形式上更為多樣開放（註2），也讓整體舞台畫面更具流動感。 當布袋戲離開傳統彩樓，打破鏡框式舞台後，表演空間的擴大，為當代布袋戲迎來豐富的表現形式，但同時也衍伸出值得思考的問題：傳統的小戲偶如何在偌大的劇場裡被看見？在打開舞台空間後，如何建構布袋戲的表演邏輯？當演師走到觀眾面前時，如何與戲偶、觀眾建立非傳統單一的觀演關係？而在表演空間的運用上，是否有其他的可能？當然，這些問題並非本文所能全面回答。以下，試著聚焦臺北木偶劇團《水鬼請戲》、同黨劇團《上帝公的香火袋》，以及不貳偶劇《戲頭》，透過不同劇團推出的布袋戲作品，或許能開始思考上述問題，一窺布袋戲在現代劇場裡的舞台風景。 舞台風景第一景：有限空間創造多重視角《水鬼請戲》 臺北木偶劇團於今年推出的《水鬼請戲》，編劇周玉軒以嘉義大莆林水鬼傳說為本，藉由蒐集當地民間傳說，轉化為劇中角色人物。劇中人物眾多，主要人物江一泉與藝妓清子的愛情故事，以及小孩水鬼甘蔗對母親的思念，是全劇情感描寫的核心。《水鬼請戲》的導演伍姍姍，長期投入光影劇場和偶戲的創作，這也是繼《白賊燈猴天借膽》
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特別企畫 Feature鏡頭下的2022
當我們回顧這一年，除了以文字梳理種種現象與觀察，也能透過長年透過相機鏡頭、為流轉時光定格的攝影師，探看那些吉光片羽。這回，我們邀請了李佳曄、李欣哲、唐健哲、徐欽敏、劉振祥與蔡詩凡這6位常為表演藝術留下記錄與創作的攝影師，選出自己今年作品中可代表這一年的寫真，並告訴我們，為何那些是令其難忘的一刻
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戲劇 同黨劇團《星期十，猴子死翹翹》
從極端裡釋放 夢境寫作暗黑家庭戲
同黨劇團《星期十，猴子死翹翹》來自兩廳院駐館藝術家、編劇吳明倫大學一年級時一場詭譎、離奇與瘋狂的夢，「這是想家的夢。」吳明倫說，她將這個故事寫成小說、化為劇本，敘述窮鄉僻壤小鎮裡的一對母子，以愛為名成就控制之下的家庭倫理。導演黃郁晴則將拋開寫實框架，「偏激到底，然後大爆發，不再有任何救贖、或改變。」在極端到極致的情境裡，釋放日常的壓抑
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特別企畫 Feature 臺北市立交響樂團
以在地呼喊國際 聆聽這片土地的新聲音
二○二○下半年的新樂季，北市交將以「大地新聲」為主題，尋求與國際級台灣音樂家和其他藝術家共同演出，以大地回應世界、以在地呼喊國際，推出包含音樂劇場、大師系列、名家系列、附設團星光系列和室內沙龍等豐富多樣的演出。開季重頭戲是音樂劇場「燈．影」，新生代指揮家吳曜宇將和北市交合作，首演潘皇龍的管絃交響協奏曲《大燈對》，並邀請丞舞製作團隊一起隨音樂起舞。雖然國際疫情嚴峻，北市交仍將力邀首席指揮殷巴爾大師與長號暨指揮家林柏格來台，一解樂迷之渴。
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戲劇
喚醒歷史的聲音
台上以白熾的燈光、充滿迴音的音場，接連充斥著槍聲、齒輪聲、腳步聲等各種聲響，混合一體，建立起審訊現場的詭譎氣氛，同時彷彿直觀地讓觀眾從聽覺的路徑，進入了受審當下渾沌且迷離的狀態。此戲不藉由打造寫實情境來讓觀眾旁觀，看似抽離，但事實上是更直接地浸入觀眾感官，不僅讓這場白色夢魘侵入人心，如此不斷迴盪的共感更進一步地讓聲音成了串合各零散故事、記憶碎片的主線。
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戲劇
活在過去的歷史幽魂
戲偶的多元呈現，確實將整段歷史呈現的相當精采，但連續下來，表演性過強，甚至某種程度上，作品內裡似乎隱隱顯露出了不得不讓每個片刻都得充滿趣味的焦慮。好在這樣的趣味呈現，是表現在戲偶身上，精巧地帶出人物生活的種種片段。然而，如此間接而幽微的手法，有時卻接著演員直接而滿溢的情感投射，使得偶的冷靜與人的激昂並置一起，形成對比，略顯扞格。
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戲劇
不只是說一個動人的故事
《白色說書人》說了一個動人的親子故事，但對於作品主題的表現╱論述：白色恐怖下的人性真實，卻因為它所採用的表演形式，而少了更進一步的辯證思考，真人表演與戲偶操演的結合，應該是相互闡明的，我看到的卻是他們的彼此消弭，終究無法共同建立起更有辯證價值的論述。
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企畫特輯 Special
下定義之前，我們以身體提問 2018 新人新視野
走入第十一個年頭，國藝會「新人新視野」專案演出將在十一月登場，三位創作者林修瑜、王甯、張靜如分別推出《是日》、《丨丨》與《我們》，對「 時間」、「觀看」、 「分隔」等不同的概念加以探問。今年的「新人新視野」除了在台北、高雄演出，也到彰化呈現，期待讓更多人能看到新萌發的創作力量。
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戲劇
集體病症的難解《病號》
從過程中一直到了最後，不只一組出現了性愛的需求和死亡的結局，崩毀抑鬱的氣氛籠罩著各個角色，「病情」相互傳染、瀰漫渲染，一方面來看，形成了共同的主題，將這個小社群愈扣愈緊；但另一方面來看，形成了齊聲而單音的共鳴，影響到了整體敘事從頭到尾的音樂性。這樣多段一致的同向，呈現出了一種虛無感，讓人玩味的是這些不同的角色們所面對如此巨大虛無感的生命態度，連帶地可能影響到全戲的調性，甚至格局
