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少年往事 為年少負責，在苦悶與撒野之後導演黎煥雄的年少回憶
1987年的黎煥雄，我們大致熟悉那年台灣宣布解嚴，國家兩廳院落成，而黎煥雄領軍的河左岸劇團接連推出了《兀自照耀的太陽》及《拾月》，慢慢找到自己的劇場位置。許多人談到他的年少，都是那樣風風火火的記憶，好像人生走的每一步都是踩在一個關鍵的點上。 黎煥雄說：「我不介意一直談80年代，其實也不太介意少年的定義。」雖然如此，他說仔細想想，那些年發生的事情，其實是落在大學中堅時期，藝術的灌輸與覺醒都非常明確。可是，若真的想聊年少時期的曖昧含混，得把時序往前拉一點：「那是70年代末期，我真正的少年時期。而且剛好蠻符合歷史對於那個時代的印象：苦悶。」
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腦海裡的旋律透視歌劇演唱家的大腦
卡門都唱完〈愛情像隻自由的小鳥〉了，我的反應卻慢半拍，沒跟著現場觀眾一起拍手叫好。一但進入科學家的思維，開始分析歌劇演唱家的大腦，我便忘了自己在劇院欣賞歌劇，常常分心。 舞台上的歌劇演唱家是一心多用的最好範例音樂本身就超級複雜，他們還要背歌詞（外語機率偏高），同時兼顧表演、舞蹈，時不時得用眼神餘光關注樂團指揮，並跟同台其他演員配合，更不能忘記和觀眾互動；有時身上穿的戲服重達10多公斤，體力需求不難想像同時間成功處理上述任務，短期間如此多工，從大腦科學角度分析是非常驚人的：詠歎調固然精采，歌唱家的大腦其實也完成一場無聲無形卻極致華麗的演出！ 「曾經有個學生，學唱初期，10分鐘台詞要兩個月才學得起來，歌劇專業訓練幾年後，學習效率進步神速，一齣現代歌劇的主角唱詞，現在的她兩週就可以勝任。大家要知道，要掌握現代歌劇，難度其實更高。」加拿大英屬哥倫比亞大學（University of British Columbia）音樂系系主任南西．赫米斯頓（Nancy Hermiston）有超過20年演唱教學經驗，長期在第一線觀察歌劇演唱者，她認為歌劇訓練好處多多，甚至可能對大腦結構產生永久性的改變。教授指出，聽歌劇、唱歌劇不但能提升學習效率、增強記憶，還能幫助失能長者提高記憶力，治療阿茲海默症、帕金森氏症、多發性硬化症、中風歌劇不僅有藝術價值，從增進人體健康角度來說更有無限正向可能。 跨領域研究團隊根據赫米斯頓教授的觀察提出假設：歌劇訓練增加了大腦的可塑性，歌者與單獨接受語言或運動訓練的人相比，牽涉的大腦關鍵區域會更廣泛。在一個實驗中，科學家網羅3組大學生音樂系歌劇專修生、普通語言學系的學生、體育系學生並在大學的第2、第3和第4年結束時對他們施行神經心理學測驗；3組受試者接受功能性核磁共振造影（fMRI）和腦電圖（EEG）掃描，以評估神經認知功能以及大腦結構的變化。另一個實驗則是比較有學習困難與沒有學習困難的歌劇專修學生，並評估他們在整個課程中的進步情形。 人類的大腦很神奇！打從娘胎，我們的大腦就不斷透過分裂，繁衍出難以計量的「神經元」（大腦細胞的單位）；受到各種環境因子刺激
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跨界對談謝明諺X廖偉棠
即興演出，最美的時刻就在於未知。沒有預設的安排在剎那間擊出的電光火石，充滿了能量，卻也難以複製。可喜的是，今年5月，由爵士薩克斯風手謝明諺領軍下，以詩人鴻鴻2020年所出版的《爵士詩選》詩作為基底，重現了樂手與詩人在台北詩歌節、南國漫讀節及人權藝術生活節等演出的絢爛，錄製在《爵士詩靈魂夜》專輯中，以黑膠的模式將聲音立體化。 作為聽眾的我們，聽得見成果，卻更好奇於過程。因為樂手謝明諺感受到文字的無限空間，參與本輯製作的詩人廖偉棠則表白：「鍵盤就是我的樂器」。抽象與具象的兩端，就像唱片的一體兩面。音樂與詩作如何競合？樂手與詩人如是說。
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關於戲劇的五四三台灣、歷史、創作
前日我與編劇、作家盧慧心在《Openbook閱讀誌》上的對談，其實已經是數個月前錄的了，彼時討論到了《茶金》4萬換1元的爭議，我提出「我們到底需要『好看』的歷史劇？還是『正確』的歷史劇？說實在，日本也已經發展到正史不一定重要，有很多變化跟二創，織田信長都可以變成女性了。但我認為，其實台灣對歷史的共識還沒有建立，在這個情況下，要生產歷史劇是困難的。困難在於：我們對歷史沒有共通的想像，沒有一個想像的共同體，就不會有二創、三創，光要建立共同體就是困難的。」我並不是說史實不重要，史實當然重要，而且要愈多的史實，我們才更有養分去明確共同的想像，以及設計出情理之內意料之外、富有衝突的戲劇行動，克羅齊說所有的歷史都是當代史，對歷史的回望，來自我們對自己的困惑，我是誰？我們是誰？台灣是什麼？我們的過去有什麼？ 對我而言，戲劇，特別是劇集，因為長度跟成本，勞師動眾，絕對是所有產業的最後一環，沒有足夠多優秀的歷史小說，是不會有優秀的歷史劇產生的，沒有司馬遼太郎、吉川英治、山岡莊八等人的長篇歷史小說，不會有大河劇，而沒有擅寫英國王室、做過多部女王主題舞台劇的Peter Morgan（Nt Live：《the Audience》），不會有後來橫掃艾美獎的《王冠》。小說永遠是最前端、也最需要大量人力投入，好故事難得，需要考據又能從考據中提出新意，賦予歷史人物當代詮釋的好故事，更加難得。 這篇對談得到作家朱和之（著有《樂土》、《逐鹿之海一六六一台灣之戰》等長篇歷史小說）的回應，他說近5年有一股台灣歷史小說爆發的風潮，就算遠也不超過10年這當然是官方獎勵補助與民間自發性的成果，我當過兩屆文化部青年創作補助的評審，歷史小說明顯增加，這的的確確已經是個方興未艾的風潮。朱和之認為，「所有的歷史創作（小說╱戲劇╱漫畫）都是當代創作，反映人們當下關心的主題及想像。當下台灣歷史創作遭遇到的最大挑戰是『內容是否符合史實』的論戰歷史創作就正是在做這件事提出不同的歷史敘事、重新進行思考，在這過程中也會逐漸浮現出共同的想像。這也是近5年台灣歷史小說、戲劇爆發潮的背景，台灣社會需要一番新的自我敘事，重新定義我們是一群什麼樣的人，有什麼樣的過去，藉此錨定當下、眺望未來。」「當然，每
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舞蹈以身體作為情動力樞紐
將注意力放在當代舞蹈、劇場或藝術發展久了，會將美學形式的發展應該具備某種「進步」節奏視為基本。這裡指的進步不是現代化意義下的前進式與線性發展；而是在創作意識中需要具備某種「挑戰」學科內外美學慣例、「批判」產業生態模式、或「回應」社會與政治發展的意識或觀點存在，這的確是創作中的現代性而非現代化的精神所在，也是被評論者或研究者指出為「新」形式的可能過程。於是，我們看到現代舞先鋒對於古典芭蕾的反叛、後現代藝術家們對於現代舞蹈作品的批評、當代舞蹈中的當代性，則叩問藝術生態、美學建構與產業機構的共構關係。不過，這種對於美學形式發展的理所當然期待，有沒有可能也逐漸固化為某種在藝術市場上流動的通行證？ 上述現象有待觀察，也並非本文要討論的重點。不過在此背景下，我好奇的是，若看到光譜的另一端，那些在專注於「編舞」、或「以肢體作為主要表達媒介」的工藝品式編創手法，在強調觀念、批判性的當代劇場舞蹈領域中，還具有什麼樣的意義呢？雲門舞集藝術總監鄭宗龍新作《霞》，以及翃舞製作年輕創作者賴翃中編創的《嶙峋》可作為此討論的例子之二，其中《霞》的創作意念與途徑尤具啟發性。 身體、編舞、情動力場的織構 將《霞》與《嶙峋》置放於同一脈絡討論，無非是兩者共通點皆落在以「以肢體作為主要表達媒介」的工藝品式編創手法，於是兩齣作品的最大亮點，即是將舞動中身體的情動力推向極致，進而感染演出場域。就此而言，《霞》與《嶙峋》幾乎是在站同一個出發點上。《嶙峋》的主要舞者鄭伊涵在賴翃中幾年前的短作呈現如《Birdy》中，已顯現其精湛的身體表達能力；而雲門舞者的身體能力更是有目共睹。不過，這個推向極致的過程，除了有賴於舞者身體能力與表達力之外，「編舞」作為一種突顯身體情動力的結構更是隱藏關鍵。 「編舞」在不同的語境中有其不斷被擴延與重新定義的內涵。而此處所指的，即是上述工藝品式的編創手法，考慮到不依賴文本、語言的舞動中身體，如何在限定的時間與空間中make sense。我們常常會看到一齣僅15至20分鐘的小品，因為舞者的身體能力與表達力極好，而獲得不錯的評價。不過，當同樣的作品拉長到50至60分鐘的長度，就不只是舞者身體能力與表達力可以完全支撐的，若作品僅仰賴舞者的舞台魅力而未意識到編舞的問題，則過了30分鐘就可能顯
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檳城「曇花堂」與創意比賽讓劇場再度熱鬧
9月的檳城劇場再度熱鬧起來，除了有馬來西亞舞蹈家李瑞強與各界藝術家合作的「曇花堂」之檳榔嶼人文雅集，還有因疫情暌違兩年再度舉辦的「全國青少年戲劇DIY觀摩賽」。 「曇花堂」是李瑞強發起的平台，讓來自不同領域的藝術家和文人聚首，共同探索如何通過正念進行表演與藝術創作。相關計畫並非從打造1個最終成品的概念出發，而是透過參與者不斷討論與交流，在李瑞強的指引下逐步形成，並且一直處於發展中的狀態。整個過程以正念為核心，通過感受、靜思、聆聽來覺察當下，作為創作的技巧使用。 經過兩次和吉隆坡劇場人的合作後，李瑞強決定北上檳城拓展理念，召集了8位來自不同領域的藝術家，於8月19日至21日醞釀了3場別開生面，打破觀眾與表演界限的「曇花堂」之檳榔嶼人文雅集，由壽板舞踏聯合文化綠洲牽線，邀請茶藝和陶藝家黃緯良、建築師梅志雄、制香人黃劍明、頌缽音療師陳漢豪、攝影師古鵔睿、文字工作者陳偉光、劇場導演朱錫添、劇場演員曾福明等人進行跨界合作，在喬治市內一座百年英殖民建築改造的Mano Plus人文空間裡，共聚一堂與觀眾分享生命中的奧妙。 而「全國青少年戲劇DIY觀摩賽」將在9月10日正式回歸，共有12個單位報名參與，以每組10人的組隊方式，利用5樣指定的物件和20分鐘呈現比賽主題，相關使用道具在比賽前10天才會正式揭曉，藉此考驗參賽單位的創意和默契。這個獨樹一幟的觀摩賽早於2007年由ASLI戲劇聯盟發起，2012年移師檳城，今年再度由Noise Performance House和剃刀實驗劇場聯辦，主題分別為探討疫情管制令的「MCO」和年輕人現象的「我紅了」。
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曼谷藝術結合數位科技打造觀者感官新體驗
現代科技的發達讓藝術的展演形式更加多樣化，藝術不再只是單純的靜態展覽或是動態演出，而可以和科技結合呈現出超過過往感官的觀賞經驗。 泰國當代編舞師皮歇．克朗淳（Pichet Klunchun）成立的皮歇．克朗淳舞蹈公司（Pichet Klunchun Dance Company）今年就做了一個創新的嘗試，將過去的4支舞碼與新科技結合成為一個新的表演，稱之為《進化》（Evolution），4月到8月在曼谷展出。除了利用雕塑和皮偶呈現創新過後的泰國傳統文化和舞蹈，也利用擴增實境（AR）和虛擬實境（VR）的技術，讓觀眾和舞者互動。例如讓舞者以立體虛擬的方式跳躍在觀眾眼前，或者觀眾戴上穿戴裝置後，眼前的世界就是一個小小的祭壇，可以獻上虛擬的花或貢品。皮歇．克朗淳希望透過新科技賦予泰國傳統文化新的生命。 泰國藝文界近幾年對AR或VR結合藝文作品充滿濃厚興趣，無獨有偶，朱拉隆功大學（Chulalongkom University）數位藝術中心和文化部在今年6月和7月共同合作策畫「數位藝術概念美術館『WITHIN台灣VR作品選集』巡展」 。展覽透過虛擬實境呈現台灣數位藝術創作者的跨領域作品，作品包含導演陳芯宜與編舞家周書毅共同創作的《留給未來的殘影》、聲音藝術家王福瑞的《 悸動響》以及編舞家何曉玫的《肉身到虛擬極相林》 。觀眾戴上穿戴裝置後，透過聲音和影像搭配，讓觀影者直接置身於作品的虛擬實境中，觀眾不再是隔著一段距離欣賞藝術作品或展演，表演更為多元立體，且刺激觀眾的感官有嶄新的體驗。朱拉隆功大學的策展團隊希望透過數位科技這個表現工具，讓藝術混合不同的元素，能給予曼谷藝術界的新生代更多靈感。
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新加坡多元戲劇內容刺激觀眾獨立思考
2022年下半年，新加坡劇場保持活躍，以英語劇居多，題材與種類紛呈，為觀眾呈現多樣的戲劇演出。 7月至9月間，TOY肥料廠與新加坡專業劇場分別呈現了獨角戲《柯玉芝》和《光耀建國路》。前者講述新加坡建國總理夫人柯玉芝的人生故事，後者則是於2015年首演，聚焦在李光耀政治生涯初期的歷史故事，如今是二次上演。事有湊巧，兩部戲剛好在同一年上演，觀眾也有機會從不同角度回顧新加坡歷史。 也是湊巧，十指幫與戲劇盒分別呈現了與青少年議題相關的演出《少年Jun與八爪魚》*與《集會》*。十指幫的《少》劇改編自同名繪本，以偶戲呈現，邀請學生們思考兒童性侵害的艱難課題。戲劇盒的《集會》是原創劇，以沉浸式劇場的形式，邀請學生們在劇場內自由跟隨劇中人物反思霸凌與自殺課題。8月，必要劇場呈現《戲子．瘋子》*，探討劇場演員的心理健康；年輕藝術組織「所謂工作室」則透過8部原創短劇，探索與心理健康相關的故事。 8月至9月期間，野米劇場呈現《動物農莊》與原創劇《蒲羅中》*。世界各地戰亂紛爭升溫，劇團再度把《動物農莊》搬上舞台，透過喬治．歐威爾的經典作品，探討革命、霸權和政治的本質。《蒲羅中》追溯還未被殖民者開發的蒲羅中（蒲羅中即新加坡最古老的名字），藉由與植物學家、動物學家、歷史學家、活動分子等相關人士進行的訪問，探索全球暖化的議題，刺激觀眾思考地球的未來。 世界動盪，新加坡劇場繼續為觀眾開啟獨立思考的珍貴空間。 註：*作品為英語劇，劇名由筆者自行翻譯成中文。
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特別企畫 Feature 社會動態篇時間跨度中的瘟疫之眼，從SARS到COVID-19的忠實記錄
總說表演藝術是當下，以此特性，記錄稍縱即逝的時間切片總是困難。2020年春，新冠肺炎使得人心惶惶，勾起眾人2003年面對SARS的回憶。「當初是怎樣走過來的？」近20年前新聞資料庫發展未比今日，谷歌收穫有限。所幸仍有當年雜誌的典藏，始能得知圖文記載及綜合報導；而後又有《表演藝術年鑑》的統整，為當年產業挑戰留下記錄。 回頭看，月刊或雙月刊都提供了有別於日報或週刊的跨距，讓各方資訊得以沉澱再現，卻又不覺落伍。迥異於學術研究較為漫長的審查出版歷程，或是強調總體趨勢型的分析；雜誌有更多的寫作自由，也能藉由顯微鏡般的個體切片，呈現多種樣貌，同時它也面向大眾，也能有更廣大的讀者群。
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特別企畫 Feature 時代眼淚篇先別說這個了，你聽過Netscape、MSN嗎？
今年6月，微軟終止支援網頁瀏覽器IE，數位劇烈加速度的時代眼淚又+1。在跨入千禧年的1月號特別企畫「耳目藝新2000藝網打盡表演新視界」中，美術設計採曾占市占率首位的Netscape網景瀏覽器為主視覺（但網景在1998年的瀏覽器大戰中，被IE擊敗），探索「藝術」與「網路」之間的關係。專題除了討論至今已是日常生活一部分的線上購票、資訊搜索，也點名了幾件受限於頻寬而在當年被歸類為「非主流」的少數「創意演出」。21世紀初的技術障礙，20年過去，並經歷了COVID-19後，可見「新視界」有飛躍性的進展。
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職人的圖鑑讀譜員：讓音樂與影像落在同一脈動中
你一定看過那種影片鏡頭原來聚焦某個畫面，但螢幕外有了風吹草動，於是迅速橫掃找到目標，不料事情已經結束，只好又掃回來，卻連原本發生的也沒看到由此，我們知道有計畫的拍攝極為重要，尤其是音樂會錄影，如何不發生激昂的小提琴獨奏樂段配到沒有動作的長笛家身上，靠的就是縝密的安排。在這之中，要讓團隊所有人確認音樂走到哪裡？「讀譜員」，是個不容忽視的角色。
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特別企畫 Feature關於那些文字的重量
「在浮華的世界裡，自己心裡有一片執著的天空，是一份珍貴的禮物。」這是已故音樂家也是好友黃瑞芬（ZOE）恆常的信仰，她的文字感既口語又輕盈，但是背後是她對文章主題的再三咀嚼，承載的是她對這個世界的極度眷戀。 ZOE是台灣唯一得過比利時伊莉莎白國際聲樂大賽銅牌獎得主，演唱機會減少之後，她以文字取代聲音，書寫她對藝術、經典、人文的品味。每一個篇章都是一個個精巧優雅的音樂盒，或有小小芭蕾舞者在旋轉，或是小鋼琴閃著金光，那些文字背後的世界，是ZOE對美的堅持。 ZOE驟逝之後，《PAR》的編輯群們很快地整理集結ZOE曾經在雜誌中發表的25篇文章，就像是25個造型不同，材質不同的音樂盒，每個都讓人愛不忍釋。 她說舒伯特的音樂就像是「清澈的小溪」，有時旁邊有著死神與少女手牽手在散步；荀貝格的音樂像是一位穿著老式西裝的紳士，但他說的每一句話都讓人驚奇。是的，她像個嚮導，用她滿滿的想像力帶著我們穿越重重門檻，自然進入古典音樂神奇的世界，認識人生，體會美。 《PAR》是老朋友，翻之閱之樂之，為我多年的新聞工作帶來許多硬知識；《PAR》也是新朋友，常常給我極度不可思議的奇想世界。 謝謝ZOE跟《PAR》，我們得以看見那些表演藝術的重量。
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特別企畫 Feature面向世界的窺孔
自小在基隆長大，年少搭火車去台北，都覺得是進城大事，彷彿是搭新幹線去東京。這樣的我，人生第一齣舞台劇要遲至大學生涯在台南誠品，第一次感受在黑暗裡期待一齣戲的揭幕。為了要更接近表演藝術，每個月的《PAR》雜誌，都像是一本情報饗宴，繁花似錦地報導著世界上不同地方正上演的新戲，發生的各種大小事情，成了我那時的認知養成。 其後人生兜兜轉轉，意外進了劇本創作研究所，開始執筆書寫故事，在那個劇本出版徹底匱乏的年代，2015年5月號的雜誌製作了劇作新文本專題，很大程度打開了我對劇本形式的認識。英國劇作家馬克．瑞文希爾的《Shopping and F**king》尖銳回應社會議題；德國劇作家羅蘭．希梅芬尼的《金龍》、《阿拉伯之夜》，在敘事上的輕盈魔幻遊走；法國劇作家米歇．維納韋爾劇作《求職》採用的複聲合調手法。那時真是一篇篇作筆記、寫小抄，記錄下那些我其實很陌生的劇本創作者，然後自己開始上網查詢，一個人接著一個人，累積對各國劇場編劇的認識，時不時有，哇，這樣也是劇本，或者這樣寫也太有趣的讚嘆。 2018年我前往紐約進行駐村交流，帶著那份小抄去了專賣二手書的書店Strand Bookstore，衝往戲劇專區真是失心瘋買起來，橫掃一陣去到收銀饋台前已經是一大疊書快兩萬元，可以繼續深入這些傑出創作者！期待《PAR》雜誌在多元媒體大風潮之中，可以持續帶給下個世代的創作者養分，千萬不要停！
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特別企畫 Feature我，決定做自己！
剛開始接觸《PAR表演藝術》雜誌大概是3年前，我開始對當代馬戲的創作或相關的歷史感到好奇，於是在網路上搜尋相關資料時才與《PAR》相遇，才發現裡頭也有不少書寫當代馬戲的相關文章，與此同時也在思考台灣馬戲在表演藝術圈內的討論度，是否因為作品數量不高而無法深入討論呢？總之，那是我第一次認識線上的《PAR》。 在網路上閱讀一段時間後決定來場相見歡。2021年的自己已經經歷了艋舺國際舞蹈節和北藝中心馬戲棚計畫的呈現，正在為自己長篇作品的下一階段苦惱，尤其自己後來得知第一次嘗試創作就被台新藝術獎提名，原來是件不容易的事（以前沒聽過台新藝術獎，到底要多LOW，哈哈哈哈），因此一直想著下個階段要打鐵趁熱，在戲台咖遇見了《PAR》本人，當時在翻閱時看見孫平的一篇文章標題寫著「勇敢一點，拋開『一定要成功』的偶包吧！」裡頭最後一段文字深深影響著我對表演藝術的看法。 「你的成功跟這世界沒太大關係，最重要的是，做自己。」孫平 我發現過去自己常用一些看起來很學術的術語來包裝自己的計畫，到後來發現這些形式都只是形式，與自己想做的東西並沒有太直接的關係，或許就如上述文字所說，過於擔心自己會劣於其他表演藝術工作者，才將其武裝，但更應該回到自己身上，拿出自己擁有的、喜歡的方式去表現，流於形式或隨波逐流得不到真正的累積，畢竟能長遠的走下去比成功來得更重要。
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特別企畫 Feature人是不斷在改變的，今天吃什麼？
從哲學踏入舞蹈創作時，有些很大的難關，需要將語言思考的方式，轉化成舞蹈邏輯，那些用文字表達很合理的話語，原則上用身體來表現幾乎是行不通的，諸如：「媽媽，可以寄家裡種的火龍果給我朋友嗎？」誤以為舞蹈僅是語言的延展工具，可以逐字翻譯，忽略了舞蹈有自身獨立的語言方式；身邊的舞蹈人似乎一個比一個更擅長用動作來表述自己，如果可以的話，舞蹈人大概會選擇無止盡地跳舞，一句話也不要講。 也因此，古名伸老師長達7年之久的專欄，讓我這個卡在文字跟動作之間還沒找到頭緒的人，不時能有一絲精神上的慰藉。 讀字裡行間、看標點符號，反而文字不必然是唯一、至高的溝通方法，閱讀舞蹈書寫時，呼吸好像會跟著文字內容有所變化，不會死氣沉沉，就是那個讓讀者自身也感覺到變化的當下，實在很舞蹈，實在很身體，我很喜歡這些關乎身體的各種變化，變化讓我覺得自己還活著、還健在。 似乎，身為一位舞蹈人可以在非舞蹈的場域中，持續性地發作身體所帶來的影響力，這樣的意識，身體的連續性存在，引著我在文字裡繼續跨步，讓身體的氣息散發在文字之餘「且就安心地面對自己吧，人是不斷改變的。」引自古名伸〈藏不住的秘密〉。
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香港香港資深戲劇人古天農辭世
香港劇壇近年痛失不少優秀的劇場工作者，令人深感惋惜。如年輕編劇鍾燕詩、資深配音前輩和演員謝月美、資深製作經理張向明；而6月底中英劇團前任藝術總監古天農先生在睡夢中離世，也令劇場人難過不已。 古天農在中學時已參與話劇創作，是校園中的活躍分子。在「香港戲劇資料庫暨口述歷史計畫」的訪問中，他提及了參與「校協戲劇社」對他在戲劇發展的影響，這也是當年很多香港年輕人追尋劇場夢想的創作和交流空間。在香港尚未有專業化訓練前，這裡可說是醞釀劇場種子的重要場域，包括吸收來自外國當代戲劇文本的養分。 而古天農對戲劇的熱愛，也讓他從業餘轉向專業，在1983年加入香港話劇團成為全職演員，後來他在1980年代末獲亞洲文化協會獎學金赴美國紐約研習，也在當地觀察到當地最前沿的實驗劇場發展，並把這些經驗轉化於香港。他曾任香港話劇團室助理藝術總監，除了是創作人外，也是香港教育和應用劇場重要的推動者之一。 作為中英劇團的首位華人藝術總監，他秉承了劇團在戲劇教育方面的開創性發展。在古天農的追思會上，分享者特別提及香港目前不少活躍的劇團的藝術總監，都出身中英劇團；他們多元的創作身分，多與劇團鼓勵團員創作探索的文化有關。古天農也製作了許多為人津津樂道的作品，觀眾較為熟悉的應該是《我和春天有個約會》及《南海十三郎》等。中英劇團將在香港大會堂舉辦「永遠的新青年」紀念展，回顧古天農的戲劇人生。
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澳門劇場「清零」暫停卻頻傳域外喜訊
澳門文化中心、舊法院大樓及海事工房等表演場地門外人潮洶湧，市民魚貫而進，可是他們卻並非為了觀看演出，而是來接受全民核酸檢測。6月19日澳門爆發新一波疫情，由於涉及源頭不明的社區傳播，政府在1個月多裡進行了10幾輪全民核檢，上述3個澳門最主要的表演場地都先後變成了臨時核檢站，全澳官方文化場館關閉、受資助活動不能舉行。1個多月的「動態清零」後，場館逐一重開、活動在遵守防疫指引下再度開展，可是在1個多月的劇場「清零」期裡，到底有多少演出、課程因此延期、取消仍未有確切統計，但已肯定不少劇團的演出延後至明年1至6月，場地有限、演出量增，場地爭奪戰馬上展開。 可是，在這段無法演出、排練期間，海內外卻頻頻傳來澳門劇場的好消息。先是澳門編劇、劇評人鄒景峰的劇本《極樂》在台灣獲得「第二屆姚一葦劇本獎」首獎；由澳門奇蹟創造製作的沉浸式劇場《脫單電影院》入選中國江蘇省文化和旅遊廳10部「2021年江蘇省小劇場精品」之一，該劇由台灣明日和合製作所黃鼎云編導，2020年於澳門城市藝穗節首演。另一方面，WSD 世界劇場設計展 8 月6日於加拿大開幕，劇場設計師梁順裕的燈光及舞台設計作品《烏托邦壹號》入選專業設計師組，丁加敏以布景設計作品《流刑》入選新銳設計師組，兩人均在疫情爆發之初已飛往加拿大參與盛會。 從3年前新冠疫情爆發至今，澳門對外劇場交流幾乎都只能線上進行，在這一波疫情下，城內劇場奄奄一息，可喜的是一些澳門劇場創作終可走到城外，與不同城市及國家的劇場藝術家交流、互動。
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上海演藝產業紛紛投入發行NFT
上海上半年度爆發疫情，讓經濟遭受重創，但另一方面卻使表演藝術行業拓展了新賽道，呈現出風生水起的新景象。隨著元宇宙概念興起，以京滬為核心的NFT市場日益升溫，傳統演藝行業也在後疫情時代展開相關嘗試。 打頭陣的是東方演藝集團舞劇《只此青綠》，發售了6款NFT，每款限量4,000份，定價人民幣19.9元，迅速售罄。上海交響樂團旋即推出第1款NFT1段2分21秒的「中國最早的交響樂唱片」，由德國高亭公司於1929年為上海工部局樂隊（上海交響樂團前身）錄製的西班牙作曲家法雅的《魔法師之戀》組曲，也是19.9元，限量發行1萬份，也被秒殺。接著上海話劇藝術中心發行了話劇《紅樓夢》人物的Q版形象，這些3D圖像可在手機上多角度展示，同樣限量發行。據悉目前全國已有近10家表演藝術單位嘗試發行了NFT，定價都在幾十元至百元之間。 表演藝術的NFT除了是新的收藏載體，也被開發出多種線上、線下結合的使用可能，除了收藏價值外也連結了一定的福利券、演出票券兌換等會員權益，比如購買了NFT的觀眾，在未來購買票券或參與院團活動時，都會被賦予一定的權益。個別NFT也會以隱藏款盲盒形式上線，提高粉絲購買收藏的意願，甚至在未來開發的「元宇宙」劇院內，還會成為觀眾和購買者專屬的有價資產。據演出行業協會預測，包括表演藝術在內的NFT交易市場有望在2至3年間達到500億到800億元。 不過專家也提醒， NFT存在著炒作、洗錢、非法金融活動等潛在風險，亦存在版權、品質、定價等問題。因此對傳統表演藝術行業來說，發行NFT能否成為現有線上表演、演出錄影播映兩類數位化發展路徑之外的第3種玩法，還有待檢驗。
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特別企畫 Feature 文化生態篇從公共到分眾、從多元而偏激
2001年4月，雜誌第100期曾辦過1場針對台灣表演藝術類雜誌未來的公開座談，我還真不記得自己曾在現場，也不記得自己當時是否真心關注過雜誌存廢問題。21年過去了，新興表演空間的確如1992年試刊號中諸多呼籲，而變得愈來愈多，但表演藝術類別的雜誌卻急遽減少；剩下的唯一一本，也已經喪失圈內的專業代表性。今天的我的見證，對21年前對《表演藝術》雜誌編輯充滿熱情的我而言，是徹底的諷刺。
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特別企畫 Feature 評論環境篇十年有成，還是十年現形？
從《民生報》「民生劇評」（1997-2006）、《PAR表演藝術》雜誌（1992年創刊，最初名為《表演藝術》，並於2002年成立網站），到國家文化藝術基金會「表演藝術評論台」（2011-）、台新銀行文化藝術基金會「ARTalks」（2013-），台灣的表演藝術評論擁有專屬欄位或平台，歷經平面到網路媒體的轉變，也呈現評論的另一世代、生態與風氣。（註1）《PAR表演藝術》曾三度以專題形式討論台灣的表演藝術評論，前兩次分別於1998年6月的「評論藝術的藝術」、2002年10月的「十週年專題╱2002演評面面觀」，最近則是第257期（2014年5月），時間點便落在「表演藝術評論人專案」的啟動，面對到評論人才的培育、世代與風氣的養成。以將近10年後的今日回看，到底是後繼有成，還是讓更多問題逐一現形？