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特別企畫 Feature 2024年度現象：01．長銷劇大增，劇場景氣亮綠燈？借桃太郎的組隊策略，打造長銷作品從創作到行銷的商業模型
破題之前，我們先來回顧桃太郎：一位從桃子中出生的男孩，因家人和村民的控訴得知遠方有一座鬼島，害人無數。於是，他踏上了討伐之路。途中，桃太郎靠著糯米糰子招攬了白狗、山猴與雉雞，攜手向未知冒險，最終成功打倒鬼王，也順便奪回了村民的金銀財寶。 近年，儘管團隊都有意識到，若要做出一定量級的作品，單週的演出已經不敷成本，低席次更不符經濟效應，因此都希望好作品要讓更多觀眾看見，方能換回更多票房。但回頭看桃太郎這個家喻戶曉的故事其實隱藏了一個值得深思的細節，也值得在討論長銷主題時作為引子：「為什麼是這3隻動物？他們各自發揮了甚麼作用呢？」 疫情後第二年，各行各業開始亮起景氣綠燈，但娛樂產業還在等著浮出水面，似乎市場快要變了一個模樣，只要是廳院，不論表演或電影都在找觀眾，因為觀眾「觀看的地方」已經鬆動質變。白狗，山猴，雉雞知道自己要去打哪種鬼嗎？我們擅長的創作，製作和行銷方法能經得起鬼王考驗嗎？ 隨著去年國立臺灣大學遊心劇場竣工，空總劇場、三重一村等場地啟用，大台北地區更多了一些非典型演出空間，商業劇團能夠有多出一些選擇暫時解決「作品通路」的煩惱，更陸續有團隊推出超過3週的「長銷式」作品：僅算空總劇場於2024一整年度便都是超過3週的演出：《文雄與秀英》、《沒有人想交作業》、《百舌沒有英雄的國度》、《妳歌》、《五木大学夜の女王櫻子媽媽》、《戲啊！出包惹》等作品輪番上演（註），而2024年底公布《悲慘世界》40周年音樂劇演唱會將於國家戲劇院連演一個月，共30場，也可視為檔期可能性增加的指標。
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特別企畫 Feature 2024年度現象：02．演出取消直指票房慘淡？無關疫情？依舊疫情？台灣劇場面對成本、行銷與天災的多重考驗
自2020年起，劇場演出取消的原因近乎都與COVID-19疫情有關，舉凡因應不同階段的防疫策略，而被迫調整的各種演出規範，包含演出團隊人員確診、染疫者足跡而有清消需求、國外創作團隊的隔離天數等。 但在2021年7月後，隨著三級警戒的管制逐漸鬆綁，時而升溫、時而穩定的疫情也因確診數、疫苗覆蓋率、防疫疲勞等指標，讓防疫慢慢回到日常，而劇場再次開放，甚至因疫情間相繼取消的演出陸續重返，導致場館、演藝團隊、觀眾等都開始難以消化整體量能。2022上半年，瘋戲樂工作室在臺中國家歌劇院巡演的《當金蓮成熟時》宣告：「離《當金蓮成熟時》台中首演剩下10天不到，我們的票房只有一成，加上疫情持續擴散風險益增，在這劇團從未面臨過的壓力與困境下，為了及時停損與止血，我們必須取消在臺中歌劇院3場的演出。」除疫情之外，「票房」成為壓垮這場演出的最後一根稻草，似乎也撕開了探討台灣劇場票房結構的一條縫隙。 直至2024年，「演出爆量與票房慘淡」始終是近幾年台灣劇場的年度現象，特別是《PAR表演藝術》在2022年雖歸結出兩則年度現象〈全球通膨危機，觀眾荷包空票房也空〉、〈難敵本土疫情驟升，表演藝術票房一片慘澹〉，但其實是從不同因素來探究台灣的劇場票房。而近期則是在資深媒體人江昭倫寫下〈台灣劇場出大事了！〉（註）一文後，聳動標題助燃了業界對此現象的焦慮與恐慌，甚至是無助與無奈。 整體來說，近兩年（2023-2024）因票房慘淡而取消演出場次的比例其實並不高，卻顯而易見地呈現於售票系統、劇團公告裡，是有別於過往的。同時，也愈來愈難以完全歸咎於疫情，探究背後成因的必要性與日俱增，進而成為現今觀察劇場的重要指標。
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焦點人物B.DANCE 蔡博丞：以品牌為經營策略，成為需求、創造需求
「我認為創作者要具有一定的敏銳度。」創團10年，丞舞製作團隊（B.DANCE）如今不僅以作品站穩歐陸市場，更以「B.DANCE」為品牌，在台灣發展出橫跨各種領域的舞台，開創無數合作機會。而這不僅是他們從創團第一年就定下的策略，也是一路走來始終不移的方向。 科班出身，藉著參賽國際編舞比賽打下知名度，藝術總監蔡博丞對團隊的經營策略，從創團前兩年就開始醞釀。創團那年，他創作的《浮花》備受國際矚目，海外邀演不斷，而B.DANCE已然將自己的機動性開到最大值，以最大的彈性符合各種邀演需求，「我不追求殿堂，我只希望讓更多人看見我們，認識B.DANCE。」 如同精品，除了品牌名字盡人皆知，與跨域合作發展的可能性亦是極廣；這個時代的舞團如果也能成為一個品牌，市場對它的需求，也將不再只有表演這件事。
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話題追蹤 Follow-ups從池塘到湖泊──文策院的表演藝術突圍策略
文化內容策進院（簡稱文策院）是推動台灣內容產業商業化和國際化的重要機構，透過投資運用與跨界合作強化作品效益與市場規模，協助創作者在現今變化迅速的新娛樂時代中突圍。本次和院長盧俊偉的專訪中，「投資」、「市場」、「產業」是不斷出現的三大關鍵詞，明確指出文策院與國藝會、國表藝中心等中介單位不同的核心任務。以此定位國內各文化內容產業的發展，現狀顯示三者成正比，即市場大、投資多，產業也相對健全。 文策院負責影視、流行音樂、出版、漫畫、動畫、遊戲、表演藝術、視覺藝術、時尚設計與文化科技等10個產業別，自2019年6月成立到2024年9月止通過投審會的產業比例中，影視類共123案，為總案件數76.88%，占比最高；表演藝術為12案，占總案件數7.5%，占整體投資4.97%，資金規模約2.5億新台幣。其中，包含以股權或有限合夥的方式投資公司，或專案投資，前者如大清華傳媒、華文音樂劇，後者如《西門町一番地》、《一村喜事》等。懸殊的投資比例反映產業自身的市場規模，盧俊偉表示，文策院以「投資」為主力，案件的選擇仰賴其「市場潛力」，並不預設方向或進行資源的平均分配。影視產業在台灣的市場規模，在這10個產業中相對較大，使得其投資案更具市場潛力和報酬率。 從演藝團體轉向公司化經營 根據台灣文化政策長年發展模式，表演藝術團隊熟悉補助機制，對於「投資」形式相對陌生，盧俊偉指出，「補助」側重作品製作面，評估其品質與完整性，補助成本面，但「投資」不僅考慮這些因素，還重視商業市場性，「投資一定講求回報，我們的目標是協助表演藝術界走向商業化。」 盧俊偉比喻，表演藝術現在是一座池塘，如今要讓它變大成一座湖泊，需要注入源源不絕的活水，因此除了政府投資額，還須引入民間其他產業的資金。跨產業投資看重作品潛力，也考量團隊能否長期穩定經營，然而，國內表演藝術團隊目前多為演藝團體，投資方更傾向投資公司，因此「從演藝團體走向公司化經營」是實現商業化的第一步。為此，文策院規畫「文化創業加速器」，若團隊有意朝公司化經營，擬定組織架構與商業計畫後可申請加入。入選者除獲得培訓資源，文策院亦將媒合天使投資人，「初期金額一定不會高，因為資本規模不大，但我們至少讓新公司進入種子輪、天使輪的成長軌道，前提是團隊本身要有事業長期經營的概
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特別企畫 Feature 難題 01AI什麼都能做，我們還需要創作藝術嗎？
自計算機時代以來，程式碼不斷打破人類的想像。這不僅僅是指程式碼不斷做到過去做不到的事，也是指程式碼不斷做到過去的人類認為程式碼「就算在未來也不可能做到」的事。 深藍在1997年打敗世界西洋棋王卡斯帕洛夫，當時人們認為，就算AI能稱霸西洋棋，也無法應付更複雜的圍棋。然而在2016年，AlphaGo又擊敗了世界圍棋冠軍李世乭。即便如此，還是有人認為，就算AI能應付純粹邏輯規則的棋類競賽，恐怕還是無法發展出需要類比和模糊判定的認知能力，例如辨認圖片裡的東西是貓還是狗。 近幾年人類對AI的眼界有劇烈變化，我們已經相信AI能認貓和畫貓，而且都做得比我更準確、快速、便宜。到了這時代，還有什麼事情讓我們認為AI在將來也不可能辦到呢？若你真的列出了一兩項，並且相當有自信，或許可以想想，1990年代的人對於AI在圍棋上不可能擊敗人類，是否也跟現在的你一樣有自信。 考慮上述，我們似乎可以建立某種「悲觀預測論證」：過去人類對於AI能力極限的判斷全都被推翻了，所以若今天你對於AI的能力極限有什麼判斷，這判斷大概也是錯的，遲早會被推翻。 然而，就算AI技術上什麼都能辦到，人類有理由因此把所有事情都交給AI做嗎？這問題乍看之下很傻：如果AI什麼事情都做得比你好又比你便宜，那你還有理由做任何事嗎？但這種問法其實是把對於「事情」的想像，劃定在「瑣事和工作」的範圍內：這些事情本身我們並不想做，只是想要它們做了之後的成果，既然AI能替我們做並產生成果，那我們就沒必要自己做。 值得自己做的事 資本主義鼓勵人把注意力放在瑣事和工作上，並且填滿行事曆，但人的生活當然不只有這些事情。有些事情對人來說的意義不只在於產生成果，也在於體驗過程。從簡單的例子開始：你不會讓機器人代替你出國玩、給人按摩、看電影或打電動。進一步來說，有些人會分享，自己跟家中長輩感情最好的一段，恰好是長輩年邁生病，自己回家擔起照護工作時。人是社會的動物，生命當中的許多意義來自互相幫助與扶持。考慮到這一點，就算未來的AI機器人在照護工作上表現得比我更好，我可能依然有理由親自上場。 我相信上述這些理由也適用於藝術創作。我們容易把注意力集中在藝術創作的成果上，但對於創作者而言，創作的過程體驗往往珍
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特別企畫 Feature 謝杰樺X蔡宏賢在一片混沌中，重新建立世界的框架（上）
發展超過半世紀的AI，在2023年有了飛躍性的發展，於是許多人稱之為「AI元年」，許多藝術家也嘗試使用AI進行創作。不過，AI藝術的發生並非天外飛來一筆，而是在科技藝術領域，電腦早已介入人類的創造行為，從機器與人的關係、自動控制，再到生成式藝術（generative art）、資料餵養與機器學習，接著才是AI藝術。 AI無疑對於人、身體、生命，都產生了具顛覆性且令人不安的重新定義，對於何謂藝術與藝術家，也有著新的理解。本次對談便邀請到長期耕耘科技藝術領域的編舞家謝杰樺與策展人蔡宏賢，與讀者們分享他們認為AI帶給人類的美好與威脅、身體的存續與變種、AI的世界觀及其偏見，以及AI藝術的產製關係與處境。
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特別企畫 Feature Q5：能賺錢的文化，就俗氣嗎？從社會學觀點，拆解消費的認同想像
2023上半年的誠品華語創作排行榜裡，主打正能量和勵志的作家黃山料占據前4名，引來許多嘲諷與鄙視，有些人強調「我不會看這種書」，有些人因此擔憂當代人閱讀素養。暢銷書並不是頭一次帶來焦慮，過去肆一和Peter Su等作者都引發過類似的驚恐與討論。 對一些人來說，勵志書不算文學。文字要成為文學，似乎得先跨過一個門檻。社會學者李令儀對台灣出版業有深入研究，他曾指出，編輯、行銷等從業人員往往必須面對文學與商業的「雙重邏輯」。這個概念來自法國文化社會學者布赫迪厄（Pierre Bourdieu），強調文化人一方面身處「倒轉的經濟世界」，要為了藝術而藝術，去否定世俗的經濟邏輯，另一方面又要以主流價值來界定商業的成功，不能不在乎排行榜。 「雙重邏輯」不只影響業者。之前MOMO購物網把書大打折，影響獨立書店運行，引起「圖書統一定價制」的討論，在這裡，消費者也被捲入價值戰爭，光是選擇跟誰買書，都面對雙重邏輯：你選擇活在市場世界，把書僅僅當成商品、便宜就好嗎？還是選擇活在倒轉世界，用其他資格衡量書的價值？ 不過不管你怎麼選，這選擇算是自由的嗎？ 衝突背後的自由假象 當然不是。 首先，我們要看到這場神仙打架背後的某種神秘價值。 跟我同齡的聽團仔們，時常有人強調自己只聽五月天「地下樂團時期」的作品，強調現在的五月天「太商業化了」。顯然現在的五月天已經是某種商品，而不是純粹的藝術品。藝術品所需的「某種價值」，好像反而會隨著經濟資本的累積而減少。 照布赫迪厄的說法，這種價值其實也是一種資本，在其理論中，除了經濟資本外，尚有「社會資本」和「文化資本」，前者是你當前社會地位擁有的社會網絡，也就是人際關係，後者是你在當前社會因為具備特定能力，而被認為有品味、有教養。 然而，哪些社會網絡值得注意？哪些能力算是有品味、有教養？判斷的標準，就看這些東西可以換成多少「象徵資本」。 在一個社會場域裡，粗略來說，主流地位的價值體系覺得哪些東西好，哪些東西就有象徵資本。這些東西可以是什麼，很難說清楚，可能是聲譽、名望或品味，例如什麼樣的音樂能登大雅之堂、哪一本小說是現代主義文學哪一本是寫實主義的作品等。不同的場域有不
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特別企畫 Feature Q1：藝術的自由到底涉及哪些東西？反思藝術的「預設」，打開更有趣的世代
若你想像一個適合創作、欣賞和討論藝術的社會，並且列舉這社會的特色，寫成清單，清單上應該會有一行是關於「自由」。如果我們連自由的思考和表達都無法，那藝術恐怕只是奢求。 藝術需要自由，直接了當。在過去兩三百年，人類才剛走出專制時代，而許多台灣人經歷過言論自由相當受限的日子。關於自由，要負面表列很容易，我們隨手就能描述，缺乏自由的不理想的藝術環境長得如何如何。然而反過來說，若要正面表列理想的藝術環境需要的理想的自由到底長怎樣，這好像困難許多。 直覺上，自由的創作就是不受限制的創作，如果你會因為作品內容涉及政治或宗教而受到國家的處罰，那你顯然缺乏足夠的創作自由。然而，只有公權力帶來的禁令會構成限制嗎？想像一下： 你喜歡的藝術類型或風格在社會上受到污名化：其深度受到低估（例如台語文學），不被認真看待或者僅會招引獵奇式的眼光（例如原住民族傳統藝術），或者被認為只適合小朋友（例如20世紀末的動漫電玩）。 在這些例子裡，國家並沒有使用法律禁止你創作，你也不會因為創作受到懲罰，但你的創作基於某些不合理的原因，不會受到社會上多數人的公平看待，許多人不但鄙視你創作的作品，甚至鄙視你，而當中哪個是原因哪個是結果，有時候挺難說的。 在上述情況中，你當然有創作那些藝術的自由，但這自由合理足夠嗎？你會說你能自由地以台語創作，就如同那些用國語創作的人一樣自由嗎？當我們探索這些問題，並不是在單純地向社會抱怨和索討關注，而是退後一步來觀察和思考：那些「讓藝術成為可能」的預設條件和資源，是如何對不同的人造成不同影響呢？ 創作自由需要「文化基礎」 追求自由並不是追求我想怎樣就怎樣，畢竟宇宙不是繞著我轉。若我跟幾個同好一起發展了全新的藝術類型，我們要挑起社會大眾興趣、體驗其深度，總是需要一段時間。然而其他人沒興趣體驗是一回事，懷抱偏見並投射污名是另外一回事，我相信這就是上個世紀發生在動漫身上的事情。 進一步思考，當上述偏見和污名奠基在更基礎和廣泛的歧視和不正義上，又是完全不同的一回事了。有時候一個文化不自由，並不是因為這個文化剛剛才出現因此不受待見，而是因為這個文化過去受到虧待，而此虧待的遺毒綿延至今。有些人相當不幸，屬於曾受殖民壓迫的族群，
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跨界對談 王嘉明X李銘宸X高翊愷是我們生產過量，還是市場尚未打開？
劇場演出的數量與密度飆高，其實是2022年下半年最為明顯的寫照。疫情政策走向持續開放、臺北表演藝術中心啟用等因素，導致往年在補助機制與預算消耗下都會有大量演出的秋、冬兩季，無疑是錦上添花（或許是火上加油？），甚至，這種從製作數量出發的觀看，往往也被連結到「觀眾數量」、「作品品質」等疑問；於是，我們也會想像，怎樣才是優良的創作頻率與市場？ 從「創作的過度生產」開始思考，這次對談邀請了今年可以說是創作量最多、領域也最廣的導演王嘉明，以及睽違3年終於推出劇場創作《超級市場Supermarket》的李銘宸，企圖作為對照組，窺視劇場導演的不同創作節奏；同時也邀請表演藝術製作人、經理人高翊愷，嘗試在製作內部與觀察外部的位置，檢視今年的特殊狀況，如何延續著過去，然後回應未來的台灣劇場趨勢。
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特別企畫（二） Feature 創作、經營者╱全民大劇團導演、團長謝念祖
閃開，讓專業的來
我不太懂什麼是大劇院時代。劇院對於我們創作者來說只是建築物，不代表什麼指標意義，重點還是得回歸到作品，要看藝文活動有沒有因為大劇院變多而更加地蓬勃。當然也許建築物變多，一些大型的表演或許能因此走出台北，去到台中、高雄，達到推廣藝術的效益。關鍵仍是創作者與觀眾的關係如何在大劇院中發生？並不是每齣戲都適合大劇院。 第一個，需要思考市場。我們的市場是否能吸引那麼多的觀眾？大劇院兩千人的座位，要是觀眾沒坐滿會很慘。在大劇院中，從舞台布景到人員編制，各方面都需要擴大，更要考慮背後的資金運作，製作上需要不同的思考邏輯。所以第二要思考商業機制。大劇院時代要找出能運行的商業機制，讓觀眾買票看戲，不能單寄望政府補助。但是大劇院有檔期問題與審查機制，沒有改變這些限制，可能性仍令人擔憂。此外，舊有場地會不會變成蚊子館也是問題。公營限制太多，政府應該獎助民營劇場，活化創作和市場。 這幾年表演藝術最有活力的應該是台北辦的「藝穗節」，牽涉到人的部分。也許裡頭作品不是最好，但沒有了大劇場那種說不出一套標準的審查，亂七八糟的活力展現非常棒，表現出台灣的自由。不過說到跟世界對話，若不再提「雲門舞集」，可能比較難想到具體團體。國際劇場藝術節邀團隊來台演出算是文化交流，然而由兩廳院官方主導的交流仍是菁英文化。這也沒什麼不好，只是對於處在那圈子外，眾多實際在台灣創作作品的眾多團隊幫助有限。所以真要推薦，我想還是藝穗節那種活力。 劇院與創作者、觀眾的理想關係是什麼？基本上就是看創作者和觀眾的關係。劇場的珍貴處在於由舞台上的創作者和台下的觀眾一起完成演出，所以必須要有流動和理解。劇院只是殼而已，它提供了創作者和觀眾在一個空間當中，去理解作品呈現。在那段時間過程中，觀眾有理解、有感動、有憤怒、有喜愛。所以劇院不應該自己做節目，那是「假會」（台語，不懂裝懂之意）。 大劇院時代對我的工作沒有造成改變，我們劇團本來就是做大戲。也許日後可能的改變在於，若一次申請就能訂下台、中、南三地檔期，工作上會方便點。但至少場地變多，仍舊很棒。大劇院演一場，可能就抵其他地方兩場，可以把經費做更妥善的運用。像我們今年就開始巡迴，去台中演《當岳母刺字時媳婦是不贊成的！》，票房全滿。你說有沒有市場？有的。 最想給年輕的劇場
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特別企畫（二） Feature 現象觀察之六：小劇場的重演與加演
小劇場拉長戰線 在創作與市場間拔河？
小劇場的特色除了規模小，另外就是內容的實驗性和創意性高，是劇場藝術生態不可或缺的一塊。可是這門創意成本高、觀眾少的藝術，如何能夠在「將本求利」的世界中生存？而增加場次、拉長戰線，果然是小劇場發展的必然出路嗎？
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特別企畫 Feature
在表達與生存間尋找平衡點
創作是爲了表達，重點在創作者所思所想；行銷關乎劇團生存，重點在觀衆之所欲。兩者之間未必對立，但總是會見到微妙的拉扯互動、時合時分，各劇團在此中如何求取自我安適的平衡點，同時考驗著創作者與行銷者的智慧，讓我們來看看，國內這些大型劇團如何面對這個問題。
