「我認為創作者要具有一定的敏銳度。」創團10年，丞舞製作團隊（B.DANCE）如今不僅以作品站穩歐陸市場，更以「B.DANCE」為品牌，在台灣發展出橫跨各種領域的舞台，開創無數合作機會。而這不僅是他們從創團第一年就定下的策略，也是一路走來始終不移的方向。
科班出身，藉著參賽國際編舞比賽打下知名度，藝術總監蔡博丞對團隊的經營策略，從創團前兩年就開始醞釀。創團那年，他創作的《浮花》備受國際矚目，海外邀演不斷，而B.DANCE已然將自己的機動性開到最大值，以最大的彈性符合各種邀演需求，「我不追求殿堂，我只希望讓更多人看見我們，認識B.DANCE。」
如同精品，除了品牌名字盡人皆知，與跨域合作發展的可能性亦是極廣；這個時代的舞團如果也能成為一個品牌，市場對它的需求，也將不再只有表演這件事。
應對生態困境，品牌化是首要任務
「流行是先被某個人創造出來，才會有其他人去追隨。」熟諳流行文化的七年級生蔡博丞，早年就常觀察精品與流行品牌的操作模式，他認為，藝術創作者理所當然可以成為創造流行的人。他以台灣1990年代出現的葡式蛋塔風潮為例，「創造出蛋塔的人不會知道後續會爆紅，也是要紅了才有人找主創者加盟，販售到更多地方。而我在做的事，就是用藝術的能量創造流行，擴散發展到世界各地。」
B.DANCE從創團首年就以「品牌化」為經營導向，不特別迎合舞蹈與表演藝術產業的創作趨勢，而是從世界關注的議題、文化與流行趨勢，連結到自身有興趣的主題來取材，透過製作能力，打造出兼具藝術性與潮流質感的作品。
創作者需要具備一定的敏感度。蔡博丞再三強調，「你也許無法預測觀眾的口味，也不能預估端出來的菜可以吸到多少人買單；但創作者必須要知道，他端出來的這盤菜要達到的觀眾層是誰，需要的質感到哪裡、要準備什麼樣的材料。」
成團10年來，B.DANCE從最初就穿在身上的品牌黑T恤、黑帆布袋，再到小至品牌面紙、品牌筆，大至任何開放合作的聯名商品，甚至是工作室樓梯間的指示牌「Not Your B.USINESS」，消光黑與「B」Logo早已成為具識別度的品牌特色，不但鋪天蓋地的出現在各種演出現場、成為觀眾想收藏、甚至留在記憶中的小物。最重要的是，成為團隊打開跨領域合作的品牌基石。
「很多人以為我是為了創造市場，才特別編一支舞來製造市場。其實不是的，我是先了解市場，再來思考如何把我的作品放進去、放到我想要的位置。我要讓作品可以賣、可以在市場占有一席之地，讓更多的觀眾認識B.DANCE。」蔡博丞分享，確定觸及的觀眾層與質感的位置後，接下來就是將作品的受眾提升到最廣，成為人們一聽到品牌名稱，就願意買單的選擇。
不同於多數創作者糾結於評論的好壞，蔡博丞追求的是，透過穩定的質感、長期的口碑累積，讓團隊成為一個令人記得、令人有所期待，只要一推出新作，觀眾就會願意買票進來試試看的「品牌」。
表演品牌的擴散，機動性是關鍵
作為表演團隊，品牌的主要產品是藝術表演，要想擴大品牌能見度，就必須盡可能地讓更多人看到作品的演出。2019年下半，法國表演藝術經紀公司DELTA DANSE前來亞維儂藝術節看B.DANCE的作品《怒》，非常喜歡，馬上就談定簽約，開啟歐陸巡演的規劃。
蔡博丞認為除了作品好、團隊氣氛佳，最關鍵的因素，是B.DANCE強大的機動性。「機動性反應了這個團隊能不能跟著環境與市場流動的速度，即時跟上、銜接，並維持穩定的表演品質。是這世代表演團隊不可或缺的關鍵。」採訪這天，才剛完成年度雙舞作《拆╱裂》在城市舞台的首演，團隊已開始打包，準備即將到來的冬季歐陸巡演。為期1個月，要走遍8個城市，完成17場演出。這也是當年經紀公司看好他們的原因之一，精準、快速、充滿彈性，非常適合安排長期與多點的巡迴演出，出發一趟就能推廣到最大量的觀眾數。
蔡博丞從來不會因為劇院比較邊緣、或比較小就拒絕，只要邀請，B.DANCE就出發。「我拼的是量，我要讓更多人看見我的作品，認識B.DANCE這個品牌。」不同於許多藝術團隊畢生追求最高殿堂，他們反其道而行，從首都的二、三線劇院與地方城市進攻。有如每個舞團到英國都想擠進沙德勒之井劇院（Sadler's Wells Theatre），但蔡博丞不強求，直接改變策略將重心轉移到南岸中心（Southbank Centre）；前者是英國藝文產業最高殿堂，後者則是倫敦最大的商業園區。藝術的本質不變，但舞團的普及與大眾化，讓更多人看見B.DANCE，也記住了。
也許不是每個人都買得起CHANEL，但一塊錢的可頌總是吃得起，蔡博丞笑說：「最終當然也想成為精品，但在成為精品之前，要先讓更多人認識並記得我們才行。」
全力塑造的「品牌化」在第5年巡演開始發酵，所到之處的回頭客開始增加，人們未必知道B.DANCE這次帶來什麼，但總會因為是B.DANCE而買票進劇院。觀眾知道，這個品牌帶來的作品不會讓人失望。
在國際市場占有一席之地了，然後呢？
睽違4年才又再推出雙舞作，《拆╱裂》從發想到製作，都以符合當前國際需求的規格與規模來打造，預計在巡演多年的經典長篇《浮花》之後，再次打入國際市場。而《拆╱裂》更以全球暖化作為主題，探索往後20年將持續占據全球關注的永續議題。
因應作品而生的周邊文宣「種籽卡」，以特殊紙材夾入種籽，上頭印著節目單QR Code，噴上聯名合作的香氛，每個需要展現和露出的元素都到位了，觀眾拿回家還能澆水種植，紙材更能自然分解，與《拆╱裂》試圖用舞蹈傳達的永續概念緊密扣合。如果說製作演出是B.DANCE最主要的產品，向外延伸的服務還包括發想設計、製作影片、動作設計，甚至是服裝設計⋯⋯可以做的事多了，發展的路就變寬了。
而根據團隊多年的觀察和理解，知道國際市場與政治有著緊密的關聯，有如近期法國選舉帶來的政策改變、讓當地文化預算大力縮減。在這個狀態下，蔡博丞認為，若非B.DANCE多年的巡迴深耕，往後3至5年都很難踩進現有的市場卡位。此外他也觀察到，歐陸各地劇院的選擇趨於保守，全新的大型製作變少了，取而代之的多為短時長、中小型規模，成本不高且適合移動的作品，甚至不乏口碑經典舊作。因此，全長60分鐘、還有短暫中場休息的小品雙舞作《拆╱裂》，正是從各方面都因應此刻國際市場需求而打造的作品。
「台灣不缺優秀的創作者，缺的是能夠換位思考的創作者。」蔡博丞深思，藝術家思考創作是本職，然而在面對這個時代的市場需求，與其強硬地開拓、培養接受自己作品的市場，他建議試著彈性地換位思考，深入了解市場狀態，盡可能地創造此刻市場需求可以容納的創作，才有機會發揮藝術家的影響力，最終也才能讓自己的理念被看見、被傳遞。
放眼未來，自己的觀眾自己培養
「下一代很重要。」蔡博丞語重心長。
近年開始關注藝術教育的 B.DANCE，有感於進劇院的年齡層漸長，開始在製作上思考親子族群，作品《愛麗絲》就是因應歐洲聖誕節全家大小進劇院看《胡桃鉗》的傳統而生。「現在不讓小小孩覺得看表演有趣，等他們再大一點就來不及了！」當前進入青少年的 Z 世代已然全面改變市場風向，劇場觀眾的年齡斷層愈來愈大。蔡博丞已經想好，趁著這次冬季巡演，他要更專心觀察與分析各地劇院的觀眾結構，以及最重要的，小孩的比例與喜好。
他始終記得有一次在國外做學校專場，小朋友用英文詢問他們從哪裡來，回答後，小朋友立刻轉頭請老師下次上課教導關於台灣的知識。「我當下覺得，這件事比我的作品被賣到什麼殿堂級劇院都還要重要！」蔡博丞激動地說，一場表演能讓不同文化的小孩對創作者、以及創作者來自的國家產生興趣，進而想要了解，這是多麼難能可貴的事情。自此之後，B.DANCE就將小朋友劃為重點TA（Target Audience，目標客群），不只是因為小孩是未來的社會主角，更是表演藝術未來的客群。透過藝術教育的養成，努力縮短走進劇場的觀眾年齡斷層。
如今的表演藝術產業，團隊因應不同作品風格，衍生出不同的發展策略與生存模式。有如蔡博丞與丞舞製作團隊這樣的創作者，深耕藝術創作之餘，也始終積極培養對市場的敏銳度，化被動為主動，主動在市場中尋找自己的容身之處，再傾注團隊的能力，創造更多的需求。品牌化讓團隊不僅能在表演藝術產業占有一席之地，還能橫跨不同產業、領域，在各處找到可容身的位置。待品牌累積的聲量與能量達到一定的高度，到時，就是創作者發揮藝術影響力的時刻。
