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Stella Tsai
发表文章 38 篇
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舞蹈凝视怪诞，你看见的是表象还是焦虑？
当我们走在街头、被路上奇装异服的人吸住目光；滑著手机上的社群贴文、短影音，为了奇怪的行为停下手指，好奇地看完。我们看见不符合常规的外观与奇异的行径，当下的凝视，究竟是旁观别人的怪异，还是映照自己内心的焦虑？ 赖翠霜舞创剧场于2018年启动「双年计划」，以两年为一个循环，第一年针对议题研究、场域实验，次年再推进完整的剧场制作。透过深度的创作研究与舞作发展，持续拉近舞团与社会的距离，至今已触及家暴、环保与乐龄等当代议题。舞团的初衷除了拉近大众与舞蹈的距离，更希望透过舞蹈的连结，让大家一起关注身边的人、社会与世界。身兼编舞与创作的艺术总监赖翠霜，本身热爱电影，经常为影视作品中展现的幽微人性著迷，也总是试著放进创作里，用身体来叙说那些难以言述但值得众人关注的事情。她在生活中寻找创作灵感，也经常运用声音、影像、服装等多元媒材和元素，丰富舞作的叙事性与艺术性。
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话题追踪 Follow-ups策展制造对话空间 创作进行身体艺术实验
没有英雄式的单打独斗，也没有卖弄技巧的危险制造，5位表演者在宛如阅兵与伸展台的走秀展演中，开启一场关于重力的身体探索，以及关于限制、脆弱与彼此照顾的身体对话。由德国马戏艺术家提姆．贝伦（Tim Behren）编创，2021年首演的《What is Left》是他「几何与政治三部曲」（Trilogy Geometry and Politics）系列作品的最终章，借由精采的动作技巧与张力十足的编舞，将人与人对彼此的依赖，赤裸地呈现在观众眼前。作品巡演多年，今年5月再度于「科隆马戏舞蹈节」（CircusDance Festival）演出，概念更回扣艺术节的中心主旨打破马戏与舞蹈的二元划分，创造一个关于舞蹈、马戏，与介于之间的对话空间。
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四界看表演 Stage Viewer以身体作为活档案库 自己的故事自己说
赶在欧洲热浪来袭前，源自过往德国舞蹈年会（Tanzkongress）的「德国舞蹈三年展」（Tanztriennale）以盛大的舞蹈游行于6月中的汉堡街头热闹展开。为期8天的艺术节囊括超过20支舞作展演、4天的论坛与身体工作坊、为期3个月的跨舞风驻村合作短篇呈现。以及为了让三年展深入地方，早在去年6月就在汉堡启动一系列舞蹈活动，包括提供舞蹈从业人员参与的「Moving Meetings」；以及引领当地的民众与舞蹈爱好者认识不同舞蹈类型、体验跳舞乐趣的「All Moves」，以每月一场不同舞风的工作坊，引领当地的民众与爱好者认识不同舞蹈类型、体验跳舞的乐趣，最终一步步在汉堡建立舞蹈社群。而这一切，就在6月14日开幕当天的封街大游行「City Parade」 开花结果。 从汉堡劳动博物馆（Museum der Arbeit）一路游行至汉堡市立公园（Hamburg Stadtpark），多元舞风团体接力演出、边走边跳，沿途引来大量市民停留与围观，最终更在地方舞团「MAI:COMPANY」的引领下，集体在公园内共舞，正式揭开第一届舞蹈三年展的序幕。
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焦点专题 Focus以设计融入香港印象 让芭蕾成为城市风景
对于多数亚洲城市而言，芭蕾是一种外来的艺术，有既定的美学、叙事与观看方式，即便在不同文化中落地生根，芭蕾也鲜少改变自己的标准。8年前，一支由美国设计团队 Design Army 操刀的「Hong Kong Ballet 40 周年」形象影片，以一系列芭蕾舞者在茶餐厅、港边，庙口与高楼之间翩然起舞的视觉影像，重新定义了人们对芭蕾的想像。 高雅与市井并置，冲突却令人耳目一新，大胆的尝试让香港芭蕾舞团（Hong Kong Ballet，后简称港芭）撕掉传统芭蕾的标签，翻新舞团的品牌形象，更展现了港芭不再只是传承经典的野心，而是准备汲取香港这座城市的气味与风格，长出自己的模样。
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话题追踪 Follow-ups当舞作落幕，书写如何延长舞作生命？
在舞蹈产业的生态系中，我们习惯讨论编舞家与制作人的创意、舞者的表现，以至策展人的视野，却经常忽略一个能让作品活得比演出更久的媒介。如果创作是发声，演出是回响，那舞蹈书写就是那个将余温捕捉、转译，并在档案库中留下记录的最后一片拼图。少了书写，这个生态系终究是缺了一角。
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特别企画 Feature从舞蹈到策展，构作一场带领众人集体抵达的行动
构作（dramaturg）既是源自西方剧场的词汇，也是德国多数市立剧院内建的职位之一。同样发源于德国的舞蹈剧场（Tanztheatre），也在多位现代舞大师如拉邦（Rudolf von Laban）、碧娜．鲍许（Pina Bausch）的发扬下，在纯舞蹈编排中融入戏剧、语言、歌唱甚至日常动作等元素，将编舞家脑中的想法、对社会与人类的观察，透过构作的脉络梳理，化为舞作中清晰可阅的叙事回路。 2024年9月底，德国舞蹈三年展（Tanztriennale）宣布由独立策展人张欣怡（Gwen Hsin-Yi Chang），与舞蹈构作Monica Gillette担任联合艺术总监暨策展人。9年前带著旅居德国累积的巡演经验，张欣怡回到高雄卫武营国家艺术文化中心，从最初的营运推动小组国际事务主任，到场馆成立后的节目部组长，陆续参与策划了台湾舞蹈平台、卫武营马戏平台，串起在地与国际的交流，直到2021年返欧至今，依然是Aerowaves欧陆舞蹈平台、Circus Asia Network（CAN）等国际组织成员，并持续担任独立策展人、舞蹈构作与制作人。而现任苏黎世舞蹈中心（Tanzhaus Zrich）舞蹈构作的Monica Gillette，有著12年的专业舞者与编舞创作经历，也曾担任过纪录片剪辑，培养出独特的文本与构作思考逻辑。 她们没有选择以艺术节的策展思维来想像节目组成，而是带著这些年累积的产业经历，共同擘划并思考，将单一舞作的沟通扩大至一座城市的可能性，试著在汉堡建立社群（community），带著众人一步步抵达舞蹈三年展。
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舞蹈 在动荡的世界里重新练习连结蔡博丞《网》 映照世界的残破与重织
「建立一个文明需要几千年的时间，摧毁它却只需要一颗飞弹。」 说来轻描淡写，却是编舞家蔡博丞始终放在心上的一根针，随著他过去10多年奔走欧陆，与战火蔓延的区域擦身，那些在电影、小说与新闻画面中描绘的情景，随著近年的恐攻、俄乌战争与中东冲突逐渐显影，对蔡博丞而言，战争就像是在一张无形的网上掀起震荡，即使身处遥远亚洲的我们，也无法不受波动。 走访艺术节的这些年，奖项与肯定接踵而来，舞团的高度持续攀升，蔡博丞选择将视线留在地面，直视土地的震荡，以舞蹈回应世界的声音。2026年全新舞作《网》的概念已酝酿多年，那些飞弹落下的影像、炸毁的大楼，与落难的脸庞，逐渐在他脑中织成一张无形的网，在今年正式升华成舞作的创作命题。延续丞舞制作团队过去对社会事件与世界议题的关注，再一次，他要用艺术唤醒公众的感知。
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焦点专题 Focus王宇光Ｘ李尹樱：持续进化，打磨一只会呼吸的舞
创作的起点很多，有些舞来自一个故事、一个念想，《捺撇》的开头始于一张纸，以及从一张纸延伸而出的「关系」。2020年编舞家王宇光与搭档李尹樱发表了这支双人舞，宣纸既薄又滑，充满变动，两名舞者必须在上面稳住自己、关照彼此；湿度会改变纸的硬度，踩踏也会留下折痕，一不小心更会撕裂纸张。这些不可控的变数，恰恰成为关系存在的证明。 一支舞跳了7年，王宇光总是不安于现况，始终在想新的可能。当多数舞团选择以年轻卡司延续巡演的活力，他打破传统，邀来熟识多年的舞蹈恩师苏安莉，以及老师的老师古名伸，推出《捺撇duo》，为舞作引入另一段关系的诠释与倾注。 在排练开始之后、编舞完成之前，我们邀请4位舞者坐下来，聊聊各自对纸、对双人舞的解读。当同一组问题平等地抛向4位成熟的舞者时，他们就像是4张不同质地的纸，给出了充满自己模样的答复。允许我们在他们的想法中，想像在这充满变动的舞台上，各自将如何交织、显影。
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焦点专题 Focus古名伸X苏安莉：提问、挑战、接招，「我们明显不是来学舞步的！」
2020年完成的舞作《捺撇》，一跳7年，国际巡演不断，终于在今年回到台湾，创作开始的地方。编舞家王宇光总是不安于现况，在多数舞团选择以年轻卡司延续巡演的活力时，他调皮地反过来，邀请熟识多年的舞蹈恩师苏安莉与古名伸，用一组成熟且身体经验极为丰富的身体，推出两支双人舞的版本《捺撇duo》，带来另一段关系的诠释。 不同于新组合的试探与紧张，多年的身体表演经验让两位舞者从容入场，坐等王宇光出招。她们不怕接招，也不怕过招，只怕编舞家拿现成的舞步叫她们照跳。随著纸张将她们从地板与身体的依靠中抽离，30分钟的舞作延展成另一段30分钟的关系，形成相互映照的两组双人舞。 在排练开始之后、编舞完成之前，我们邀请4位舞者坐下来，聊聊各自对纸、对双人舞的解读。当同一组问题平等地抛向4位成熟的舞者时，他们就像是4张不同质地的纸，给出了充满自己模样的答复。允许我们在他们的想法中，想像在这充满变动的舞台上，各自将如何交织、显影。
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焦点专题 Focus 舞台之外，生活之中区秀诒 X 瓦旦．督喜 X 桑布伊：艺术，会在生命的长河里静静涌现
「题外话」讲座向来是国家两厅院秋天艺术节介绍创作者的方式，试著让创作者关注的主题与创作核心，成为有机会被脉络化理解的分享。今年邀请了3位台湾创作者，包括长期关注身分流变与历史档案转化的区秀诒，以及从日常生活经验到原住民当代身分思考，关注土地、祖先的连结与记忆的TAI身体剧场编舞家瓦旦．督喜与音乐家桑布伊。 讲座的重点不在于作品本身，而是请他们从成长过程中选取印象深刻的片段开启分享，也许是说不清的裂缝、或是当时不知道会这么有意义的时刻，透过分享与重新理解，让这些时刻有了更多的意义，也让大家可以用不同的角度来认识或接近他们。
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焦点专题 Focus 放大幽微情绪，打开感知边界谢筱玮、谢筱婷《The Awake》 从女性视角重塑身体叙事
如果说剧场是一种探索与创造感官对话的艺术形式，那打破观演界线的虚拟实境（Virtual Reality），无疑是近年最贴近观众身体、甚至最能引导观众「进入」作品的数位媒材之一。随著许多跨领域创作者投入VR创作，台湾的VR作品也逐渐走出技术展示的层面，开启多元的叙事；而愈来愈多剧场工作者的投入，也让表演艺术的切角为作品带来突破感官经验的尝试，重新定义表演与观众的界线。 在这之中，舞蹈工作者对身体的熟悉度，为VR的观演带来更丰富的体感；而女性创作者的视角与感官建立，更是透过VR的延展打开了身体叙事的可能性。由两位女性编舞家谢筱玮、谢筱婷组成的「InTW舞影工作室」，VR作品《The Awake》计划从2018年启动至今，从女性的视角切入渐冻人主题，也在认识渐冻人的过程中，同步摸索以VR重现体感的可能性，作品一磨7年，今年初终于完成最后的拍摄、进入后制，来到完成的最后一哩路。
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艺号人物 People 以色列旅英编舞家雅丝敏．瓦迪蒙 非线性诠释童话经典 述说女性成长经验
《爱丽丝书中奇幻冒险》（ALiCE）并不是英国编舞家雅丝敏．瓦迪蒙（Jasmin Vardimon）第一次改编经典童话，她早在2016年就曾经挑战过《皮诺丘》（Pinocchio）。从1997年创立舞团至今，她始终以创作直面当代社会、历史与文化的反思，雅丝敏认为，选择经典改编，是让艺术与人产生共鸣最直接的方式。 1971年出生成长于以色列，雅丝敏儿时曾经是体操运动员，14岁开始跳舞，后加入以色列奇布兹现代舞团（Kibbutz Contemporary Dance Company），直到1995年搬至欧洲开启舞蹈职涯，不到25岁就获得第一座编舞奖项。1997年创立了以自己为名的雅丝敏．瓦迪蒙舞团（The Jasmin Vardimon Company）。她擅于运用多重媒材，在舞台上打造充满层次的视觉意象，除了细腻扣合原始文本探讨的议题，也不乏以当代日常为主题所进行的创作。她以舞者身体为媒介，结合动态身体与剧场的叙事，让观众得以在演出中重新感知自己的处境，看见人类对事物的理解是如何随著视角与情境而转变。
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焦点专题 Focus 艺术家的移动日志坚守艺术话语权，回应世界变动──专访聚合舞制作团队罗芳芸Ｘ陈成婷
若以疫情作为分水岭，全球艺术的发展正随著疫后各国文化政策的走向开启新纪元，连带著牵动了艺术家与团队的创作思考，以及作品在全球巡演移动、网络连结的策略布局。而以德国、台湾两地为核心，长期与欧陆艺术机构进行交流与合作的「聚合舞制作团队」（Polymer DMT），正处于全球趋势变动的体感第一排。
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舞蹈 杨乃璇《沤 少年 àu siàu-liân》中年危机是转机 陪舞者找到自己的声音
「比起动作的雕琢，我更在乎舞者精神与肉体的展现，以及如何在舞台上被阅读。」杨乃璇说。 在音乐抢走空间之前，排练场上充斥著舞者间的嬉笑互损，编舞家杨乃璇一脸严肃，在空间中游走比划动作，嘴上也没闲著，隔三差五地加入舞者的调笑对话。随性的肢体与轻松的气息是排练场多数时候的状态，也总在音乐落下的瞬间，画风一转。火花在5位舞者间喷溅、弹跳，也融入连结彼此，与此同时，每个舞者都立体到无法被忽视，或看作一体。 走过15年的舞蹈岁月，《沤 少年 u siu-lin》是杨乃璇第一次入选两厅院「新点子实验场」的编舞作品，尽管创作以「中年危机」为概念，但坚守整个年少的真实，是杨乃璇到中年也不曾放下的坚持。因此她的中年危机跟别人不太一样，危归危，在她眼里却是满满的生机。
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艺次元曼波 HEART to HEART 蒂摩尔古薪舞集舞蹈总监Ｘ云门资深舞者巴鲁．玛迪霖Ｘ黄媺雅 再一起跳一次，我们都准备好了
科班出身的巴鲁．玛迪霖（Baru Madiljin），年少时期都在台北渡过，在北艺大建立西方身体与舞蹈的认知，也是在这里认识了舞者黄媺雅。他忆起第一次见到媺雅的那天，笑说脑中直接浮现高手，「我对高手的定义是，有一种线条跟狠劲，就是我对媺雅的第一印象。」而媺雅回忆起巴鲁，直言他就是个小钢炮，「个子小小，弹跳力超好，又很会带动气氛。」两人既是舞蹈系4年的同学，也是室友，更是毕业舞展合作的编舞与舞者，有著一个眼神就能get到彼此的默契。
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特别企画 Feature跨领域复刻赛事的体感——专访陈彦斌 Fangas Nayaw，纵横赛场见招拆招
「当所有人都安静下来，专注在眼前那一球，看运动员如何发挥他的极限，那是所有人心中最满的一刻，也是球赛中最精采的一刻。」 从小接受高强度网球训练的剧场导演陈彦斌 Fangas Nayaw，在跨进剧场之前，网球是人生的重心。为了输赢用尽全力拼搏、享受胜负的掌声，他很喜欢。然而如此的情怀却在走进剧场后，成为心情上难以调适的落差。比赛的句点是一方获得胜利，而剧场却是在设定好的时间与故事线中完结。即便都有掌声，陈彦斌 Fangas Nayaw坦言，终究不及拼尽全力获得胜利的鼓励来得畅快淋漓。 「我想要在冲刺的时候全力奔跑，回应的时候用力挥拍，但舞台就这么小，剧场并不允许我的身体用尽全力。」他花了很长的时间去消化这个现实，带著这具不满足的身体与渴望的脑袋，持续移动、探索身体极限，同时挑战跨领域、跨媒材，开发更多观看可能性的剧场创作之路。
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特别企画 Feature竞技训练刻在身体里的事——专访陈履欢，跆拳道选手成为剧场导演之后
那是一次排练结束的午后，陈履欢一如往常骑著车，等著红灯跳转，此时出现一位步履蹒跚的老太太正要过马路。随著秒数逐渐归零，老妇急欲加速，双脚却跟不上心急的速度。陈履欢看在眼里，为她心急，也为了眼前的状态全神贯注。这不是一场比赛，而是真实人生中的一场日常竞赛。 寻常的长者过马路，竟能让面前的机车骑士看得全神贯注，同感过程的紧张。陈履欢归纳出三大原因有限的时间，身体的限制，以及无法预期的结果。而这恰巧也是竞技运动吸引人观看的主要因素。从长年热门的棒球比赛，到近年勾起台湾民众热情的国际运动赛事，场上的魅力有如一股狂潮，吸住众人的目光。 从青少年时期的跆拳道选手，到如今身兼剧场导演与表演者，那个寻常的午后观察唤醒了陈履欢对融合己身竞技背景与表演创作有了新的想法，也进一步催生了2022年新点子实验场的作品《困兽》，将日常生活中的小事，对比竞技的比拼与争取，化为剧场中的表演概念。而她也一次次透过竞技创作，回望并重新梳理自己中途转弯的创作人生。
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特别企画 Feature创作是有机的，跟赛事一样——专访张汶皓，网球教练的A面与B面
身为欧洲四大贵族运动之一的「网球」，除了争输赢的运动本质，更多是展现参与者品味与地位的象征。然而来到2020台北白昼之夜《台北室外网球公开赛》演出现场，长官与部分观众受邀坐上的VIP观众席，复刻的贵族长桌不仅附餐，更直接取代球网置身赛场正中间。标榜的超近距离临场感受，实则是随著球在头顶来回凌空飞过的沉浸式惊险体感，谁都说不准下一秒球会不会往自己身上扑来，直接从观赏式的刺激升级为触身的紧张感。 这场带点荒谬喜剧成分的演出，延伸自舞者张汶皓的影像作品《最后的晚餐》，除了复刻真实的网球公开赛，注入剧场手法扭转表演性，创造新的观赏性，更放大赛事专属的有机与不可预期，成功地碰撞出独特的观赏模式。
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舞蹈或许抽象，却能诱引脑中的想像流转
「芭蕾对他来说，可以是任何样子。」在苏威嘉的观察中，艾略特．费尔德（Eliot Feld）的编舞不但富有芭蕾的精神，单纯的举手投足就充满滋味，即便是抽象的肢体运行，依旧能在观众的脑中长出故事。 舞者出身的苏威嘉，2013年前往美国随芭蕾大师艾略特跳舞。近距离的跟随，让他得以好好观察舞作中身体与音乐的关系、身体的使用方法，以及不分东西、不管派别，单纯就身体表演引发观者脑内风暴的纯粹能量。他醉心此道，也进一步催生了回台第一支编舞作品《自由步》，透过线条的雕琢、有脉络的舞步，律动与音乐、灯光的搭配，如此生出的一支「好看」的独舞，正是他对纯粹的极致追求。 当年的苏威嘉没有选择自己跳舞，而是退到后方，以舞者为材料，试著雕出他心目中美的轮廓。以跨越文化、风格与时代为前提，让身体诱引观众脑中的想像流转。「那时候的我单纯只想编出一支舞，让我稍微靠近艾略特一点点。」 大师启发所催生的《自由步》不只是一支舞，更是一场10年计划。苏威嘉从一开始就打算用10年来雕琢这支舞，也看看这支舞可以带著自己走多远。当年发下的豪语，还包括不同阶段的目标，有如走出剧场、加入素人，也包括了要在10年后的最后一版，亲自跳舞。
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聚光灯下 In the Spotlight 维德角共和国编舞家玛琳．蒙泰罗．弗雷塔斯 粉碎你的预设立场 浸入她的脑内风暴
作为一个走遍世界各地、有驻村也有演出的艺术家，玛琳．蒙泰罗．弗雷塔斯（Marlene Monteiro Freitas）最喜欢观察的就是人。每每来到陌生的城市，她会从各种面向来观察当地的人，从脸孔、眼睛与嘴巴，到由人所建构的各式文化载体：影像、音乐、建筑等等。 在她编创的《酒神有没有派对》（Bacchae Prelude to a Purge）中，观众即将「遇见」的，将不是既定印象中的脸孔、物件、音乐或舞蹈，而是各种被编舞家玛琳吸收、咀嚼、转换与支解，最终蜕变而成的一幅「动态轮廓」。透过这个轮廓，观众将深入感受欧里庇得斯（Euripides）《酒神的女信徒》（Bacchae）中，各种冲突、混乱的文本脉络，以及满到天灵盖的情绪能量。