「我认为创作者要具有一定的敏锐度。」创团10年，丞舞制作团队（B.DANCE）如今不仅以作品站稳欧陆市场，更以「B.DANCE」为品牌，在台湾发展出横跨各种领域的舞台，开创无数合作机会。而这不仅是他们从创团第一年就定下的策略，也是一路走来始终不移的方向。
科班出身，藉著参赛国际编舞比赛打下知名度，艺术总监蔡博丞对团队的经营策略，从创团前两年就开始酝酿。创团那年，他创作的《浮花》备受国际瞩目，海外邀演不断，而B.DANCE已然将自己的机动性开到最大值，以最大的弹性符合各种邀演需求，「我不追求殿堂，我只希望让更多人看见我们，认识B.DANCE。」
如同精品，除了品牌名字尽人皆知，与跨域合作发展的可能性亦是极广；这个时代的舞团如果也能成为一个品牌，市场对它的需求，也将不再只有表演这件事。
应对生态困境，品牌化是首要任务
「流行是先被某个人创造出来，才会有其他人去追随。」熟谙流行文化的七年级生蔡博丞，早年就常观察精品与流行品牌的操作模式，他认为，艺术创作者理所当然可以成为创造流行的人。他以台湾1990年代出现的葡式蛋塔风潮为例，「创造出蛋塔的人不会知道后续会爆红，也是要红了才有人找主创者加盟，贩售到更多地方。而我在做的事，就是用艺术的能量创造流行，扩散发展到世界各地。」
B.DANCE从创团首年就以「品牌化」为经营导向，不特别迎合舞蹈与表演艺术产业的创作趋势，而是从世界关注的议题、文化与流行趋势，连结到自身有兴趣的主题来取材，透过制作能力，打造出兼具艺术性与潮流质感的作品。
创作者需要具备一定的敏感度。蔡博丞再三强调，「你也许无法预测观众的口味，也不能预估端出来的菜可以吸到多少人买单；但创作者必须要知道，他端出来的这盘菜要达到的观众层是谁，需要的质感到哪里、要准备什么样的材料。」
成团10年来，B.DANCE从最初就穿在身上的品牌黑T恤、黑帆布袋，再到小至品牌面纸、品牌笔，大至任何开放合作的联名商品，甚至是工作室楼梯间的指示牌「Not Your B.USINESS」，消光黑与「B」Logo早已成为具识别度的品牌特色，不但铺天盖地的出现在各种演出现场、成为观众想收藏、甚至留在记忆中的小物。最重要的是，成为团队打开跨领域合作的品牌基石。
「很多人以为我是为了创造市场，才特别编一支舞来制造市场。其实不是的，我是先了解市场，再来思考如何把我的作品放进去、放到我想要的位置。我要让作品可以卖、可以在市场占有一席之地，让更多的观众认识B.DANCE。」蔡博丞分享，确定触及的观众层与质感的位置后，接下来就是将作品的受众提升到最广，成为人们一听到品牌名称，就愿意买单的选择。
不同于多数创作者纠结于评论的好坏，蔡博丞追求的是，透过稳定的质感、长期的口碑累积，让团队成为一个令人记得、令人有所期待，只要一推出新作，观众就会愿意买票进来试试看的「品牌」。
表演品牌的扩散，机动性是关键
作为表演团队，品牌的主要产品是艺术表演，要想扩大品牌能见度，就必须尽可能地让更多人看到作品的演出。2019年下半，法国表演艺术经纪公司DELTA DANSE前来亚维侬艺术节看B.DANCE的作品《怒》，非常喜欢，马上就谈定签约，开启欧陆巡演的规划。
蔡博丞认为除了作品好、团队气氛佳，最关键的因素，是B.DANCE强大的机动性。「机动性反应了这个团队能不能跟著环境与市场流动的速度，即时跟上、衔接，并维持稳定的表演品质。是这世代表演团队不可或缺的关键。」采访这天，才刚完成年度双舞作《拆╱裂》在城市舞台的首演，团队已开始打包，准备即将到来的冬季欧陆巡演。为期1个月，要走遍8个城市，完成17场演出。这也是当年经纪公司看好他们的原因之一，精准、快速、充满弹性，非常适合安排长期与多点的巡回演出，出发一趟就能推广到最大量的观众数。
蔡博丞从来不会因为剧院比较边缘、或比较小就拒绝，只要邀请，B.DANCE就出发。「我拼的是量，我要让更多人看见我的作品，认识B.DANCE这个品牌。」不同于许多艺术团队毕生追求最高殿堂，他们反其道而行，从首都的二、三线剧院与地方城市进攻。有如每个舞团到英国都想挤进沙德勒之井剧院（Sadler's Wells Theatre），但蔡博丞不强求，直接改变策略将重心转移到南岸中心（Southbank Centre）；前者是英国艺文产业最高殿堂，后者则是伦敦最大的商业园区。艺术的本质不变，但舞团的普及与大众化，让更多人看见B.DANCE，也记住了。
也许不是每个人都买得起CHANEL，但一块钱的可颂总是吃得起，蔡博丞笑说：「最终当然也想成为精品，但在成为精品之前，要先让更多人认识并记得我们才行。」
全力塑造的「品牌化」在第5年巡演开始发酵，所到之处的回头客开始增加，人们未必知道B.DANCE这次带来什么，但总会因为是B.DANCE而买票进剧院。观众知道，这个品牌带来的作品不会让人失望。
在国际市场占有一席之地了，然后呢？
睽违4年才又再推出双舞作，《拆╱裂》从发想到制作，都以符合当前国际需求的规格与规模来打造，预计在巡演多年的经典长篇《浮花》之后，再次打入国际市场。而《拆╱裂》更以全球暖化作为主题，探索往后20年将持续占据全球关注的永续议题。
因应作品而生的周边文宣「种籽卡」，以特殊纸材夹入种籽，上头印著节目单QR Code，喷上联名合作的香氛，每个需要展现和露出的元素都到位了，观众拿回家还能浇水种植，纸材更能自然分解，与《拆╱裂》试图用舞蹈传达的永续概念紧密扣合。如果说制作演出是B.DANCE最主要的产品，向外延伸的服务还包括发想设计、制作影片、动作设计，甚至是服装设计⋯⋯可以做的事多了，发展的路就变宽了。
而根据团队多年的观察和理解，知道国际市场与政治有著紧密的关联，有如近期法国选举带来的政策改变、让当地文化预算大力缩减。在这个状态下，蔡博丞认为，若非B.DANCE多年的巡回深耕，往后3至5年都很难踩进现有的市场卡位。此外他也观察到，欧陆各地剧院的选择趋于保守，全新的大型制作变少了，取而代之的多为短时长、中小型规模，成本不高且适合移动的作品，甚至不乏口碑经典旧作。因此，全长60分钟、还有短暂中场休息的小品双舞作《拆╱裂》，正是从各方面都因应此刻国际市场需求而打造的作品。
「台湾不缺优秀的创作者，缺的是能够换位思考的创作者。」蔡博丞深思，艺术家思考创作是本职，然而在面对这个时代的市场需求，与其强硬地开拓、培养接受自己作品的市场，他建议试著弹性地换位思考，深入了解市场状态，尽可能地创造此刻市场需求可以容纳的创作，才有机会发挥艺术家的影响力，最终也才能让自己的理念被看见、被传递。
放眼未来，自己的观众自己培养
「下一代很重要。」蔡博丞语重心长。
近年开始关注艺术教育的 B.DANCE，有感于进剧院的年龄层渐长，开始在制作上思考亲子族群，作品《爱丽丝》就是因应欧洲圣诞节全家大小进剧院看《胡桃钳》的传统而生。「现在不让小小孩觉得看表演有趣，等他们再大一点就来不及了！」当前进入青少年的 Z 世代已然全面改变市场风向，剧场观众的年龄断层愈来愈大。蔡博丞已经想好，趁著这次冬季巡演，他要更专心观察与分析各地剧院的观众结构，以及最重要的，小孩的比例与喜好。
他始终记得有一次在国外做学校专场，小朋友用英文询问他们从哪里来，回答后，小朋友立刻转头请老师下次上课教导关于台湾的知识。「我当下觉得，这件事比我的作品被卖到什么殿堂级剧院都还要重要！」蔡博丞激动地说，一场表演能让不同文化的小孩对创作者、以及创作者来自的国家产生兴趣，进而想要了解，这是多么难能可贵的事情。自此之后，B.DANCE就将小朋友划为重点TA（Target Audience，目标客群），不只是因为小孩是未来的社会主角，更是表演艺术未来的客群。透过艺术教育的养成，努力缩短走进剧场的观众年龄断层。
如今的表演艺术产业，团队因应不同作品风格，衍生出不同的发展策略与生存模式。有如蔡博丞与丞舞制作团队这样的创作者，深耕艺术创作之余，也始终积极培养对市场的敏锐度，化被动为主动，主动在市场中寻找自己的容身之处，再倾注团队的能力，创造更多的需求。品牌化让团队不仅能在表演艺术产业占有一席之地，还能横跨不同产业、领域，在各处找到可容身的位置。待品牌累积的声量与能量达到一定的高度，到时，就是创作者发挥艺术影响力的时刻。
