很难想像需要一个团队的表演艺术，在没有任何支持下存在。这是很多国家都以纳税人的钱来赞助演艺团体的原因。可是以艺术经济的角度来看，公部门在演艺上的投资，必须能对社会大众有所贡献才是。他们要如何使社会上更多的人可能并欣赏他们的产品，实在是非常重要的努力方向。
表演艺术，尤其是艺术的、实验性的表演艺术，可能是艺术中最脆弱的一支，最需要呵护与支持。可是他们的需要，外界几无所知，也不关心。这是我在国家文艺基金会所体会到的。
不利于表演艺术生存的两个特点
任何前卫性的艺术都难于为社会所支持，视觉艺术也不例外。可是表演艺术有两个特点，使它格外不利于生存，其一是团体性。它的产生常常需要一组人马的配合，因此要花费相当的人力与物力，在固定的场所，经过多次演练后才能呈现。其二是时间性，表演是在一定时间内完成，完成后就消失了。除非再做一次表演，它不可能再现。虽然今天有了精密的录影技术，可是越有实验性的表演，越无法呈现在影片上。
由于这两个特点，表演艺术的成败与它的大众性特别有关。表演的意义只有一个标准可以衡量，那就是观众。到场的观众多，作品的影响力大，才能达到创作的目的。而观众越多，表演者与创作者的名声越响亮，艺术家个人的成就也因此被肯定。作品可以因受到支持而再三地演出，得到更多人的欣赏。外国有些戏剧，在同一个舞台上表演数年，甚至数十年，就是因为观众不想让它消失。一旦停演，这个作品就永远消失了。
视觉艺术，不论是绘画还是雕刻，还是当代的装置艺术，其创作的过程是个人的，大多是一个人在不受干扰的情形下的产物。而其产品是空间的，如果善加保护，可以永远存在。有价値的作品，可以在创作者死亡后继续受到喜爱。视觉艺术家不可能有表演艺术家一时的光环，却可以寻求永恒。洪通这样一位素人画家，饿死在小屋里，可是留下的作品却成为收藏家高价搜求的对象。
在过去流传一种观念，就是「文穷而后工」。扩大的解释，就是艺术家要有伟大的作品产生，必须在很艰苦的环境中创作。这是认为艺术家的境界要靠精神力量，而伟大的精神力量必须经过痛苦的磨练才能成熟。持有这种观念的人，认为艺术家是不必帮助的，在优渥的环境中反而失去了创作的动机，爱之适足以害之了。美国人在传统上就大多抱持这样的观念。这其实是不一定正确的。西方的大艺术家都是在赞助者的支持下创作出传世的作品。近代的大画家，如毕加索、张大千，都过著非常富裕的生活，仍能创造出为世人传颂的作品。
利用情势，加强与大众沟通
即使承认艰困的生活可以磨练出有深度的艺术，也只能使用在视觉艺术上，很难想像需要一个团队的表演艺术，在没有任何支持下存在。这是很多国家都以纳税人的钱来赞助演艺团体的原因。可是以艺术经济的角度来看，公部门在演艺上的投资，必须能对社会大众有所贡献才是。他们要如何使社会上更多的人可能并欣赏他们的产品，实在是非常重要的努力方向。
要大众了解艺术不是容易的事。但比起往日，今天与未来的大众都具备了较有利的了解艺术的条件与好奇心。艺术界应该掌握到这一有利的情势，尽其所能，把艺术与观众连结起来。
文字｜汉宝德 建筑者、国家文化艺术基金会董事长
