PAR 表演艺术杂志

「在未来的日子里，也许我们再也留不住安东尼．汉密顿（Antony Hamilton）这位优秀的编舞家，从此只能在国际艺术节看到他的踪影了。」这是《澳洲人报》The Australian资深评论人克里斯．波依德（Chris Boyd）在看完汉密顿作品后的感叹，不舍之中却带著更多期许，相信终有一天，这位立足于墨尔本的编舞家能在国际舞台大放异彩。而那一天，或许早就来临了。

在艺术创作中  保持高度求知欲

自小接受芭蕾训练，对于汉密顿来说，他的艺术生涯却更像一连串水到渠成的巧合：「我从不『计划』任何事情，而是让这些事自己来找上我，虽然常在意料之外，却也充满期待。」八岁时因缘际会参加了芭蕾舞课程，但直到十八岁，才开始对舞蹈产生热情，决定要好好跳舞。如何能让一切巧合产生最好的结果？汉密顿的人生哲学在于：「有时候你要让自己处在『对的地方』，像是那间舞蹈教室，让『事情』能够发生在你身上；更重要的是，你还要让自己专注于当下，去关心你周遭所发生的事。」就是这股对于外在世界永不停息的好奇心，让汉密顿始终在艺术创作中保持高度求知欲。

在「机会」的引领下，汉密顿接续来到雪梨、伯斯、纽约等地接受舞蹈训练，并以舞蹈家的身分来到柏林驻村。远离了熟悉的家乡，接触了陌生的异国文化，对于汉密顿来说，驻村经验与其是场文化交流，反倒更像是挑战既有生活方式、思维模式的锻炼。当他脱离自己建构的小小舒适圈，更能彻底倒空自己，一切从零开始，时时刻刻反思己身，「当你心中的旧有真理消退时，才有机会重新发掘生命与艺术的新方向。」汉密顿说。

顺其自然  为作品服务

在编舞的过程中，汉密顿同样退位于作品之后，不愿强加过多创作理念，宁愿让作品自然而然地长出自己的样貌：「我的角色比较像是为作品服务，而不是像个『作者』一样掌控全局，才能为作品提供更多发展空间。」不过，汉密顿也坦言如何拿捏其中分寸并不容易：「到最后还是得有人站出来决定事情、为作品最终的样貌拍板定案，但我依然深信创作过程应被赋予更多的自由度，创作者也不该局限作品最后该有的样貌。」

至于同时身为舞者与编舞家，这两种身分对汉密顿而言是否有任何差异？汉密顿的回答是：「有，但也没有。」这个看似矛盾的答案，端看你从哪个角度解读。这位作品横跨实验运动、视觉艺术、声音艺术、影像艺术等领域的前卫创作者，却拒绝任何形式的「分类」。在他的作品中，没有舞者与编舞家的主从区别，舞蹈更不是等待被灯光、声音、影像成就的创作核心。他为这些元素提供可以彼此交融、自然发展的场域，正如在《暗黑计划I》Black Project 1中，与汉密顿共舞的舞者梅兰妮．兰恩（Melanie Lane）对于周遭环境、各式媒材的高度敏锐，形成了作品独特的身体语汇，也与其他剧场环节共同铺陈了错综复杂的繁复结构。

汉密顿在成长背景中所接触的流行文化，也不知不觉成了其舞蹈作品援引、借用的创作灵感。若对流行音乐稍微有点接触，观众或许不难在其作品中，发现麦可．杰克森与嘻哈节奏的痕迹：「在一九八○、九○年代长大的我曾经是个『嘻哈男孩』（b-boy），当然更和其他小孩一样，深深热爱著麦可．杰克森的音乐与舞蹈，虽非刻意，这些元素日后却深刻影响著我的身体律动、编舞语汇。」自认身处于后现代年代，一切文化、艺术（无论「流行」与否）早已脱离任何脉络可循，每个人都是东沾一点西沾一点，要说汉密顿作品反映了整个「大社会」，以各式琐碎零散的细节为灵感，倒也贴切。

在「不存在」中  创造「存在」

汉密顿作品中最令人印象深刻的，也许是舞者身体无止尽的「重复动作」。透过「重复」，汉密顿更希望我们看见「不可能的重复性」。他说：「在这些重复动作中，每一次却都有所不同，我们对于时间流逝的感受、身体逐渐累积的疲惫感等，也让我们体会了事物的循环本质，没有开头、没有结尾。」正如在《暗黑计划I》，身体与空间合而为一，有形与无形的边境消融退去；《暗黑计划II》更进一步抹去身体与身体之间的疆界，将六位舞者视为容器，在服装设计的辅助下，每具身体的终点成了另一具身体的起点。

为了要强化「观看」的本质，汉密顿特地在《暗黑计划》中降低了视觉光源之干扰：「我不是刻意要让舞者『在黑暗中漫舞』，但当我用『黑色』来呈现舞台上所有元素时，反而更可以专注在细节上。黑暗让一切变得更清晰。」舞台上仅有的白色光源，借由投影打上舞台，纯粹的色调确立了空间基底，投影光线的变化，更让空间环境随时处在变动状态中，突显了能量的「不稳定性」，与舞者身体共同上演一出即时对手戏。

在汉密顿多次「是或不是」、「有也没有」看似相互矛盾却颇富哲思的答复中，也让我们一窥编舞家独特的生命哲思。消融的疆界让一切事物无法被归类，在当下、身体、环境间，舞者「不存在」（absence）中创造「存在」（presence）。也许生命存有的最高境界，正在于：「在黑暗中，我们才能看见更多。」