音乐家哪时候可以说自己成功？就是当我们让别人快乐的时候。
——大卫．盖瑞
自20世纪以来，西方学院派音乐家走出古典框架，发展出无调性音乐 （Atonality music）、序列主义 （Serialism）、爵士乐等新形式音乐后，随著电子科技的发明，新素材与新技术也开始应用在作曲里。1950年开始，具象音乐 （Musique concrete）、拼贴音乐 （Collage music）、电子音乐 （Electronic music），电子原音音乐 （Musique acousmatique） 等因应而生，尤其是后两者的发明更助长了大众音乐如摇滚乐、流行乐等流传，音乐多元化因此成为后现代主义的特色。1980年代，庞克摇滚开始吸收其他音乐元素如爵士、雷鬼、蓝调等，让自身音乐更加丰富；而爵士乐方面也尝试融合西方圣乐，因此产生了crossover（跨界风格）现象。此潮流逐渐影响了部分古典演奏家，开始将古典音乐流行化，为古典乐开创新风貌，如现年44岁德美混血小提琴家大卫．盖瑞（David Garrett）。
创新又熟悉的音乐会 无拘束的体验
2020年3月，大卫．盖瑞在欧洲疫情期间创作了《活著》（Alive, My Soundtrack） 原声带。该专辑不仅呈现了他在不同乐种的跨界改编外，如电影配乐、流行乐、摇滚乐与古典乐，每首乐曲对他也别具意义。疫情过后，感于生命的可贵，就如同该专辑名称「活著」，2022年，大卫．盖瑞与他的Alive乐团在全球11个国家巡回演出，希望借由音乐向乐迷传达生命的喜悦。今年7月，他再次以相同曲目于德国、法国、荷兰、西班牙等巡回演出。在欧洲之外，他也安排唯一一场的亚洲场次，9月19、20日在台北流行音乐中心演出。
有别于传统古典音乐会，crossover演出场地通常选在流行音乐厅或是户外，参与音乐会的观众穿著不拘。舞台设计充满了五光十色，展现出现代摇滚乐团的风格：一组爵士鼓、钢琴、音响扩大机。9月15日在巴黎天顶流行音乐厅 （La Zenith）的演出，首先由乐团成员演奏改编自美国重金属乐团《金属制品》（Metallica）的经典名曲〈睡魔来了Enter Sandman〉 震撼开场。除了鼓手，键盘手也将钢琴当打击乐器使用，强烈地在琴键上拍打，再加上使用扩音器的电吉他与电贝斯，强大的演奏音量与舞台上炫蓝的灯光，立即吸引了全场观众的目光，小提琴家随后出奇不意地出现在观众席里，一路演奏登上舞台，开始了crossover音乐会。
此场音乐会没有印制节目单，也不贩售CD唱片，观众可以录影与拍照。听众年龄层从7岁的小学生到70多岁的年长者皆有，除了电影配乐如《美女与野兽》、《神鬼奇航》、流行乐如约翰．蓝侬的〈Imagine〉（想像）、披头四的〈Come together〉（一起来）、麦克．杰克森的名曲〈Smooth criminal〉（犯罪高手）、滚石乐团的〈Paint it black〉（漆成黑色），与雷．查理斯 （Ray Charles，1930-2004） 的爵士经典名曲〈Hit the road Jack〉（上路吧杰克）等，也有将两首风格不同的曲子串成一首，如威尔第歌剧《命运之力》慢板主题结合义大利快板民谣〈Bella Ciao〉（再见，美人）。
就像流行音乐会，主奏者大卫．盖瑞负责节目介绍，也像爵士音乐会般，他会让每个团员都有独奏的机会。小提琴家有时走下舞台邀请女观众上台聆听他演奏女神卡卡（Lady Gaga） 与布莱德利．库柏 （Bradly Cooper）对唱的〈Shallow〉（一个巨星的诞生），此时小提琴声不断地在高音与低音间变换，像是两位爱人的对唱；或时而在人群里演奏活力十足的比吉斯合唱团 （Bee Gees） 的热门歌曲〈Stay’in Alive 〉（好好活著），借此拉近与观众的距离。
古典音乐曲目再诠释
尽管蓄著长发，一副庞克造型，大卫．盖瑞从小接受严谨古典音乐教育，年少时曾与著名指挥家阿巴多（Claudio Abbado，1933-2014）一起录制过唱片。在茱莉亚音乐院求学时期，他是著名小提琴家帕尔曼（Itzhak Perlman）的学生，但也是在此时，他经历生命中的转折点。纽约开放自由的多元化艺术，与舞蹈及表演同侪的切磋，让他发现小提琴的表演艺术并不仅限于古典，而是可以延伸到当代音乐。为了伴奏舞蹈学生，他开始创作与改编乐曲，也因此得过茱莉亚音乐院作曲奖。
如此才能，再加上机缘，2002年大卫．盖瑞在比利时安特卫普（Antwerp）的「逍遥音乐节」（Night of the Proms）认识了该音乐节总监冯．德．海登（Franck van der Heijden）。当时两人对音乐的理念一拍即合，海登后来成为他乐团里的电吉他手与乐曲改编者。安特卫普音乐节让大卫．盖瑞发现交响乐团与摇滚乐团的结合是可以如此完美，用摇滚乐团来演奏古典乐曲更是迷人。从此两人共同合作编写出多首跨界风格的曲子，Alive专辑即是两人合作下的成果。
在这样crossover的音乐会里，值得一提的是古典曲目再诠释的方式，如浦罗柯菲夫的芭蕾舞剧《罗密欧与茱丽叶》中的〈骑士之舞〉。原作4/4拍的节奏，一来符合传统摇滚音乐的节奏，二来小鼓在第二拍与第4拍上重复打击，与每4拍出现钹的声响，瞬间增强原作的节奏感。同样的手法也运用在贝多芬《命运交响曲》的第1乐章里，爵士鼓节奏持续伴随著小提琴的主要命运动机，而电吉他时而与小提琴以摇滚乐对唱，时而以同节奏伴奏，产生一种奇妙的声响组合，加上改编曲速度比原曲快，节奏也因此显得更为紧凑与强烈，尤其在扬声器的增强下，让人觉得贝多芬的交响曲原来是可以像邦．乔飞（Bon Jovi）一样摇滚的，这当中爵士鼓的运用是一个重要因素。
任何声响都可能成为音乐
大卫．盖瑞在跨界作品中其实使用了不少现代主义手法，除了运用电子音乐与电子原音音乐外，他在改编莫札特《安魂曲—恶人受审》（Confutatis）中，应用了极简主义手法（Minimalism）。小提琴以独奏（A cappella）开始，演奏原作的顽固低音音型，3小节之后，电吉他、电贝斯、爵士鼓、钢琴陆续以同样的顽固低音进入，声音也随著增强，之后将录制好的男声混音与女声混音加进，整首曲子此刻达到高潮，小提琴则是始终演奏顽固低音或是重复音直到曲末。虽然在莫札特原作里，弦乐器在大部分时间即是以这种方式伴奏人声，但在大卫．盖瑞的改编里，主从易位，他让小提琴的顽固低音成为主角，人声成为配角甚至是背景音乐，旋律已不再是音乐里最重要的元素，短小且反复性的节奏才是诉求的重点，可说是充分发挥极简主义的音乐特色。
如此强调节奏的手法也出现在改编美国歌手法瑞尔．威廉 （Pharrell Wiliams）的著名歌曲〈Happy〉里。首先，大卫．盖瑞将一个录制好的顽固节奏不断地重复拨放，跟著这个节奏，他陆续加入敲打小提琴声、拍手声、拍嘴声、脚踏声等。这样的导奏持续了几个小节。之后，他踢了一脚让电子取样机（Simpler）发出〈Happy〉中的音乐动机，开始了小提琴演奏。这期间，乐团成员与现场观众的特殊节奏或是规律的拍手声，还有大卫．盖瑞不时从取样机「踢」出的音乐动机，都成为音乐会表演的一部分，颇有美国作曲家约翰．凯吉（Joha Cage，1912-1992） 对现代音乐创作的理念——任何环境下的声音都可以成为音乐。
在这些crossover跨界作品里，我们看到大卫．盖瑞不仅精通现代音乐创作的手法，更察觉出每首原作的音乐特质，并加以发挥与突显。就如同他说的：「不论什么乐种，人声或器乐，不论什么风格，流行乐、古典乐或是摇滚乐等，所有音乐的结合都是令人惊奇的，而且它们只有一种语言，那就是『音乐』。」21世纪音乐的未来，在大卫．盖瑞的演出里，让人看到无限可能。
