收到编辑部邀请书写一篇我们为什么需要表演艺术时，我想了想，为什么需要特地谈论「表演」？今天全球化数位时代里，我们人类有没在表演的时刻吗？表演研究学者泰勒（Diana Taylor）2016年写了一本小书：《表演》（Performance）。在书里，她谈论表演的内涵指涉。如泰勒所言，狭义的表演是发生于特定时空的行动进程，透过行为重复（repetition）创造改革与创新的可能。
泰勒另外提到，表演预设了有观众存在，哪怕观众只是镜头（camera），也算在内。这逻辑是对的，但推论程度还不够逺。由此衍生，这里感兴趣是广义有关表演的思考。想一想，假设今天你／妳一个人在房间内，拿出手机上Threads、IG、TikTok闲晃，发自拍、废文，或留言跟人笔战，那个形象真的就是「自己」吗？所谓「线上重拳出击，线下唯唯诺诺」，这网路流行语其实已经说明，数位时代的人类无时无刻都处于表演状态当中。哪怕自己是在物理独处状态中，媒介装置仍然会让人类处于特定角色扮演里。当今书市一堆教人做自己的心灵鸡汤书籍、自我成长课程热卖，如此情况正好折射出，真正的「我」难以捕捉的现实，突显了在数位时代中「真实自我」的模糊界限。简单说，我们都活在表演中的角色里。
如果接受这个逻辑，再看看台湾当代过于饱和，每周让人疲于奔命的表演艺术市场，现状其实很值得玩味。
假设1990年代小剧场运动时期，很多艺术创作者以狭义表演作为发声管道，是为了冲撞众多社会禁忌。至于当代的表演艺术生产，则有国家补助机制、新自由主义强力主导的市场、媒体科技飞快进展等各种元素多管齐下。创作者拥有充沛、乃至于可能过剩的资源刺激，表现他们偏好表演的角色与故事，在展演中活出他们想像的样子。而观众则以追星、追梦的角度，每周去不同场域，期待看到能震撼自己的表演。这样是一个正向循环吗？不好说，取决于我们观众怎么看待自己的表演的关系。但是，不管愿不愿意，当代人类都已是表演者。亦是在这样的命题下，当代应该怎么思考表演艺术跟人类的关联，就成为关键课题。
作为沟通实践的表演场域
在此不妨先正视一个事实，表演艺术相关门票钱比起电影等其他媒介的费用贵上不少。其中问题不多说，亦不关一般观众的事。重点在于，为什么表演艺术作品票比较贵，踩到雷的机率比其他娱乐高上很多，观众还愿意付钱，难道真是为了艺术奉献？不能排除此原因；不过另一种可能，是演出作品里有自己的亲友、师长、或是「六度分离」内能连得上的人参与。花钱观看作品，醉翁之意不在酒，看戏也是去social（社交）的。
请别误会，这不是坏事。
如同胡伊青加（Johan Huizinga）在经典著作《游戏人》（Homo Ludens）提出的，游戏（play）本来就是人类本能之一。表演自然也有游戏的成分在内，表演艺术正是这种游戏本能的精致化表现。不管是怎样的演出场域，观众为作品付钱时，其实也是付费购买了那一个演出构成的特殊时空里，人与人之间沟通的机会。正是这个互动的现场性与随机性（不知道会遇到表演者之外的谁），让人愿意负担相对高昂的票价。
无意否定表演的艺术价值，只是想讲，艺术本身的内涵不见得比人跟人的网络连结来得重要。在表演艺术共享的时空中，观众不只是被动的接收者，而是表演事件的共同参与者。即使是静默的观赏，也是一种积极的参与状态。这种独特的互动性，让表演艺术得以突破日常生活的惯性思维，创造出新的感知与理解可能。正是这种深刻的人我互相体验，使表演艺术在各种艺术形式中保有不可替代的地位。
表演与文化传承的纠缠
不知道大家有没有看过一个梗图？这个梗图整理了日本动画中重病快要死亡的女性角色，指出她们都有同一形象：头发会绑成一束，前垂在肩膀一侧。据学者指出，这个打扮的样式来自歌舞伎的「病钵卷」（やまいはちまき），也就是用特定发饰（如紫色）来表现人患重病的样子。这样的文化符码由传统走到现代，构成了日本次文化的角色代表姿态。
很多学者提出过类似看法，即表演是文化符码、叙事的反复回收与运用。由此角度来看表演艺术时，作品好不好看是另一回事；更重要的关键，在于一个文化群体能够透过表演艺术去活化、转译与传承固有的非文字记忆。在台湾，传统表演艺术如歌仔戏、布袋戏，也不断与当代元素对话，创造出新的表现形式。
话虽如此，在各式理论与美学名词大字面前，表演与文化传承的关系显得极为微妙。建立在表演传统的样态之上，打出种种名号的「创新」实验不断出现。偶尔确实会见到出色作品。但是更多时候，有些演出让人怀疑创作者有没有好好思考过，创新与传统的关连是什么？
另一方面，坚守特定传统的表演又未必能获得当代观众青睐，因而面临消失的危险。在光谱左右两极之间，成功的案例往往建立在创作者对自我有深刻理解，并且能将所想之事传达给观众上。是的，又回到沟通的问题上了。成功的作品有多少，又有几出曾经重演过，这些是更大的产业问题。无论如何，在可以预见的将来，表演与文化传承的纠葛会持续下去。
表演的未来该怎么看
表演不仅是一种艺术形式，更是人类在当代社会中的生存状态。广义来讲，人类时时都在表演的状态内。狭义的表演，在作为艺术之外，还有著不同的实用方面的考量与价值。
进入大AI科技主导时代之后，创作者有更多工具可以使用，不过未必能因此吸引更多观众来欣赏作品。有关表演艺术的挑战，或许是观众在哪里。观众生活中同样多出不少以往没有的装置，可以体验更多表演的可能性。例如，VRChat、Roblox等平台的兴起，展现了表演结合科技的无限演绎方式；而AI生成技术则为传统人类意义上的「创作」带来新的想像空间。
在这个科技层面上，狭义的表演艺术必须和众多其他媒介竞争，因为人类的注意力与金钱都有限。与此同时，一个人有意愿的话，他╱她能利用不同媒介公开演出，每个人都可以是字面意义上的表演者。方方面面加总起来，专业表演艺术的吸引力变得更加薄弱。
对当前或未来人类来说，与表演艺术建立关系的重点，是什么样的形式与内容能带来自我认知的另类可能性。简言之，表演与科技或其他艺术形式不应是竞合关系。表演艺术的核心价值并非取决于技术的先进程度，而在于它能否为观众、为「我」带来未知的体验与反思。在人人都可能成为表演者的时代，专业表演艺术的价值或许就在提供一个深度对话的场域和契机。观众透过共同参与（拜托，坐著动脑也算，别再一直叫人走路了）表演事件的过程，得以重新审视自我与他人、社会、世界关连的多样性。这种深层的沟通体验功能，应是表演艺术在数位时代得以永续发展的基础。
