這個暑假，湯瑪斯．奧伯恩德與提諾．塞格爾策劃的展覽「無外之境——六○年代至今的沉浸式空間」正在舉行，展出自六○年代末至今的沉浸式空間藝術作品。展覽以六○年代後期一系列經典作品開場，後半段觀眾則會隨機經歷到較為當代、不同定義上所謂的「沉浸式」作品，「無外之境」的策展策略意圖要整理這尚在定義中的藝術命題，及其發展脈絡的時間軸。
每逢酷夏的七、八月初，是德國大多公立劇院的休館期，為下一個演出季準備，柏林諾大一個城市，除了零星的民營劇場，幾乎無戲可看。
與此同時，博物館與當代美術館卻正值旺季，除了兩年一次的柏林雙年展外，由湯瑪斯．奧伯恩德（Thomas Oberender）和提諾．塞格爾（Tino Sehgal）策展的「無外之境——六○年代至今的沉浸式空間」（Welt ohne Außen. Immersive Räume seit den 60er Jahren），在柏林極具代表性的馬丁葛羅皮亞斯展覽館（Martin-Gropius-Bau）展出自六○年代末至今的沉浸式空間藝術作品，並同時在近兩個月的展期中，策劃一系列每日╱每週輪替的現場表演與工作坊。觀眾可自行選擇購買一日或通用票券，在展期間無限制進出展區，讓美術館能夠更像自家後院般自在親近。
以一系列經典作品開場
策展概念以六○年代後期一系列經典作品開場，步入展區的前半段旅程，觀眾必須遵循特定路線一一經歷：拉里．貝爾（Larry Bell）的《6 x 8：一場即興》6 x 8: An Improvisation、盧齊歐．封塔納（Lucio Fontana）的《烏托邦》Utopie、道格．维勒（Doug Wheeler）的《無題》Untitled和卡斯滕．霍勒（Carsten Höller）的《光牆》Light Wall，最後進入無路可出的空白展間，三個身著工作人員制服的表演者在完成塞格爾的情景藝術代表作《這真是太當代了》This is so contemporary之後，觀眾才被帶領穿過後台進出口，來到二樓的迴廊廳，尋找每一道門後面的作品現場。
後半段的旅程，觀眾會隨機經歷到較為當代、不同定義上所謂的「沉浸式」作品，諸如：戴上3D眼鏡觀看西普里安．蓋拉德（Cyprien Gaillard）二○○○年的影像作品《夜生活》NIGHTLIFE、正襟危坐地面對格奧爾格斯多夫（Wolfgang Georgsdorf）形似巨型武器的味覺裝置，感受其發射出的各種氣味、由身兼舞者、藝術家及DJ多重身分同時為工作坊項目策展人的伊莎貝爾．路易斯（Isabel Lewis）每日開放的《茶室》Tea Room，邀請觀眾同桌品茶賞樂、致力於虛擬社會現實的娜妮．德拉潘亞（Nonny de la Peña）的VR作品《監禁之後》After Solitary。
穿梭於展覽和現實經驗之間、可變的作品和社會歷程之間、藝術和非藝術之間，也是策展意圖之一。
值得一提的是，平時緊閉的施里曼大廳巨門之後，原來只在特定時間規劃現場演出，包括薩維耶．勒華（Xavier Le Roy）為展覽量身編排的《春之祭》Le Sacre du Printemps，及佛斯特與女人團（Peter Frost und die Gruppe Le Frau）演出《來自被柏林和世界遺忘的母權制度的報導》Berichten aus vergessenen Matriarchaten Berlins und der Welt。
整理尚在定義中的「沉浸式」藝術
而關於近期來在台灣無論是劇場或視覺藝術界都討論度頗高的「沉浸式」主題，「無外之境」的策展策略也意圖要整理這尚在定義中的藝術命題，以及其發展脈絡的時間軸。不禁讓人重新思考：我們如何去看待「沉浸式」的展演方式？是否藝術家各自陳述的感官世界、藝術家自訂的遊戲規則，確實能夠穿越人群的多樣性，而真正地被如實接收？我們又該如何看待諸如文化語境差異的尷尬、新媒體時代的無感、難以理解跟隨的複雜遊戲規則與藝術家的哲思？
這是否也反映歷史上眾多藝術家的盲點或抵抗：我們何曾能夠真的忘卻外在的世界，而只被眼前暫時隔離的感官經驗說服？
在偌大展區中各自獨立的作品，彼此沒有對話，僅僅被一個尚未能完整入史的、正待成形的藝術脈絡串聯著，就像電視頻道般五花八門，中間穿場的，是新文藝復興風格的華麗建築。策展理念勾起了期待，似乎還未能真正超脫於美術館展演的既有模式，馴服於展館既有的空間架構與系統之下。
