PAR 表演藝術雜誌

YiLab一當代舞團小檔案

• 2005年成立，藝術家蘇文琪為負責人，致力於科技與表演的結合。
• 團隊理念：一個作品中沒有導演，只有相同的概念，每個參與的藝術家皆是一個獨立的個體，皆可獨立創作。
• 作品包括2009年於牿嶺街國際劇場藝術節發表的《Loop Me》；2010年《ReMove Me》，同年受邀參與廣藝科技表演藝術節科技表演劇場《萬有引力的下午》肢體設計，比利時STUK當代藝術中心Monsoon歐亞洲藝術家交流平台紀錄片製作；2011年發表《W.A.V.E.—城市微幅》。

凡看過由編舞者蘇文琪主導的YiLab一當代舞團最新製作《W.A.V.E.—城市微幅》的觀眾，大概第一眼就會被布滿舞台上方的上百個小黑盒裝置驚豔；接著，演出期間機械裝置的運動、光影及聲音設計，還有那好長時間幾乎緊貼地面的舞者，緩慢蜷曲移動，忽地又充滿張力的肌肉與身體……無論觀眾對於整體畫面與氣氛有著如何不同的感受與觀點，不可否認的是，都留下十足深刻的印象。《W.A.V.E.—城市微幅》是由蘇文琪編舞、聲音藝術家張永達負責聲音設計、何理互動設計葉彥伯負責裝置，共同實驗的一個作品。

接近或離開地面的過程

一切要從一片反光舞蹈地板的樣本說起。訪問那天請創作者們帶上各自創作時必要的物件，蘇文琪第一個拿出來的，是一片黑色反光舞蹈地板樣本。這就是《W.A.V.E.—城市微幅》的舞台地板，像上了層油般滑亮，舞者舞動的身體和裝置移動狀態全被映射在這片黑色反光地板中。

問及為什麼使用反光地板，蘇文琪從電腦找出一張參照圖片，是卡拉瓦喬（Caravaggio）的《納西斯》Narcissus畫作。畫中納西斯被黑暗包圍，有的僅是他看著水中自身的倒影，就像進入深邃黑洞中，「和自己的形象成為封閉循迴的狀態。」蘇文琪說，希望藉由地板的鏡射討論鏡像的封閉狀態。

她提到，「新媒體」的論述中談及網路空間某種程度而言是身體的延伸，看得更遠、了解更多。人類以為在沒有限制的空間狀態，其實是自身的一種投射，某種慾望的延伸。或許存在於網路空間的我們，都在與自身的映像對話，重複不止。

另外她說道，新媒體的誕生或科技的工具都是人類離開地面的過程。譬如乘坐火車、飛機時，身體都是離開地板的，此時人就脫離了時空脈絡，遺忘了過去與未來，僅存在某種理性的當下。米蘭．昆德拉的《緩慢》一書中，就提到慢跑者和機車騎士身體狀態的不同。慢跑過程中，腳接觸地板，觀照的是自己身體的狀況，包括疲累、喘息等，人在此時存在於自己的時間支流中；但機車騎士急駛前進時，思考到的不是身體的狀態，加速中遺忘身體與地板的連結，忽略了周遭環境與身體的存在，反而是思考某些理性的事件，像是：待會兒要做什麼？而蘇文琪企圖回到與地面連結、某種動物生存本能的狀態：「我在探索過程中，很多時間是靠近地板的，專注的空間主要向內，當人的身分性別被抹滅，只剩下這個狀態本身的樣子。」

透過表演反思科技新媒體

蘇文琪二○○九年開始就讀臺北藝術大學新媒體研究所，新媒體理論中研討的哲學觀、世界觀與時間觀深深影響她的創作，「進去以後發現新媒體也在探討身體的概念，我對『身體』這兩個字特別敏感，但發現新媒體的定義和我的不同，所以也一直在摸索他們所謂的身體是什麼？」當然，不是舞者所指的肉體之身體，她認為新媒體指涉的是空間的存在、物件的體質。

因此，從第一個作品到現在，蘇文琪都在探討一種科技進步、人類「離開地面的過程」。二○○九年《Loop Me》欲探討影像的存在、真實與虛擬性；二○一○年的《ReMove Me》裡則探討何謂真實？何謂虛擬世界？到了二○一一年，《W.A.V.E.—城市微幅》一樣從新媒體理論的思索角度出發，針對進步、身體、消失等概念提出質疑。

蘇文琪以對新媒體的反思作為其創作主軸，科技媒體的應用成為作品中不可或缺的要素。她以舞者的身體與科技裝置對話、互動，企圖從中呈現並反芻整個思考歷程。在此前提下，燈光裝置、聲音、舞蹈是同等重要的。如蘇文琪所言：「這些元素不是一種整體演出的操作而已。將非物質東西視為一種存在的時候，某種程度就回到與整個環境相映的原始感官狀態。」某種程度而言，一當代舞團這三年來的作品本就不是純粹的舞蹈作品，反倒像是透過表演研討新媒體的過程。因而，每個作品概念擬定後，蘇文琪與合作夥伴便從不同的專業角度出發，探索、詮釋相同的主題，進而重新產生創作交集。

聲光舞動，表現文明進化

以《W.A.V.E.—城市微幅》而言，作品結構上，起初蘇文琪從人類進化和都市興衰的過程中建構，擬定了四個關鍵字：都市、文化、進步、物質性。由此著手，慢慢去發展、建構其內涵。而後又延展出一個關鍵字：消失。蘇文琪說，消失對應的是空間裡透明的存在，譬如Wifi、雲端技術等；這些網路空間以透明的姿態重新架構社會的權力結構，影響人們情緒轉變。

擬定大方向後，又從人類進化和都市興衰過程的概念，建構出各自獨立的段落，如森林、城市夢遊、機械城市、洞穴……等。不過，這些命名都不只是字面上的意義，有更深刻的引伸義。舞蹈素材和動作的選擇就在這些概念之下慢慢形成，同時間蘇文琪也和張永達與葉彥伯討論概念，再各自回去蒐集材料與發想。

聲音創作方面，張永達先從概念去思考聲音的調性，例如細碎的、片狀的、堆疊到飽滿而巨大的……等。舉例來說，「人工自然」的聲音是一種非自然但似曾相識的聲音，譬如聽起來像昆蟲的聲音，其實是電子或機械產生的。「城市」的聲音，不是交通或任何具象聲音，而是一種氛圍。張永達說：「我印象很深刻是剛到北藝大的時候，晚上可以看見整個台北市和關渡平原，其實在當下是非常安靜的，卻感覺城市有點悶和轟的聲響，是一種大氣的氛圍，低頻的聲音。」

一百個手工黑盒

張永達這次創造的聲音環境，除了從明顯可見的四支喇叭、四聲道傳送出來之外，還從舞台上那一百個小黑盒中發聲。大多數觀眾可能只注意到黑盒中的燈，卻未聽見黑盒也發出聲音。甚而，一百個小黑盒就有一百個獨立的聲音頻道——這一百個可移動的燈光／聲音黑盒裝置，讓許多國外數位藝術節策展人和國內劇場技術人員驚呼：「你們是怎麼辦到的？」

這些內含喇叭和LED燈的壓克力盒子，所有帶動機械轉動的輪盤和小黑盒中的線材、喇叭等，幾乎都只是機械玩具的素材成本，卻造就有如高科技精密裝置的演出，且完全是手工製成。小黑盒中所有的線材和螺絲釘，都是工作團隊一個個銲接出來的。

負責裝置設計的葉彥伯，小時候讀美術班，大學念資訊工程系，擁有撰寫程式的實力，難能的卻是他的應變能力。無論是黑盒的設計、接線、控制程式，或面對緊急突發狀況，都運用了巧思讓事情變得容易點。葉彥伯說：「其實這些程式都不是從基層寫起，沒有什麼很厲害的程式，但若會運用工具，便可以重新組合套用。未來還需要將程式模組化，以方便攜帶出國演出。」

張永達和葉彥伯各自以圖像化程式模擬、控制聲音及燈光的流動、範圍或形狀大小。黑盒掌控的燈光部分，是藉由光的移動架構出舞蹈區域來，舞者則試圖在光域的範圍限制中，重新找到身體自由和打開的空間；聲音部分，從小黑盒發出的聲音多與機械聲音有所呼應，例如有一段聲音其實是碎CD片的聲音，經由調變後形成像是機械升降的聲音，那段就僅從小黑盒中的喇叭出聲。

張永達說，混淆觀眾的聽覺是他這次想做的事之一，原本的四聲道音響系統加上舞台上一百支小喇叭，他考慮到聲音在空間中如何流動，並將作品段落間的特性和元素，穿插在不同地方，讓某些細節在不同段落中重複出現。他想同時帶給觀眾「有方向和沒有方向的聲音」，透過多聲道讓觀眾聚焦在聲音的細微變化上。張永達從《Loop Me》開始與蘇文琪合作至今，兩人有一定的默契。蘇文琪說，張永達這次的聲音讓作品的層次更豐富了；張永達則笑言，這是他們合作以來，他修改次數最少的一次。