PAR 表演藝術雜誌

「在未來的日子裡，也許我們再也留不住安東尼．漢密頓（Antony Hamilton）這位優秀的編舞家，從此只能在國際藝術節看到他的蹤影了。」這是《澳洲人報》The Australian資深評論人克里斯．波依德（Chris Boyd）在看完漢密頓作品後的感嘆，不捨之中卻帶著更多期許，相信終有一天，這位立足於墨爾本的編舞家能在國際舞台大放異彩。而那一天，或許早就來臨了。

在藝術創作中  保持高度求知慾

自小接受芭蕾訓練，對於漢密頓來說，他的藝術生涯卻更像一連串水到渠成的巧合：「我從不『計畫』任何事情，而是讓這些事自己來找上我，雖然常在意料之外，卻也充滿期待。」八歲時因緣際會參加了芭蕾舞課程，但直到十八歲，才開始對舞蹈產生熱情，決定要好好跳舞。如何能讓一切巧合產生最好的結果？漢密頓的人生哲學在於：「有時候你要讓自己處在『對的地方』，像是那間舞蹈教室，讓『事情』能夠發生在你身上；更重要的是，你還要讓自己專注於當下，去關心你周遭所發生的事。」就是這股對於外在世界永不停息的好奇心，讓漢密頓始終在藝術創作中保持高度求知慾。

在「機會」的引領下，漢密頓接續來到雪梨、伯斯、紐約等地接受舞蹈訓練，並以舞蹈家的身分來到柏林駐村。遠離了熟悉的家鄉，接觸了陌生的異國文化，對於漢密頓來說，駐村經驗與其是場文化交流，反倒更像是挑戰既有生活方式、思維模式的鍛鍊。當他脫離自己建構的小小舒適圈，更能徹底倒空自己，一切從零開始，時時刻刻反思己身，「當你心中的舊有真理消退時，才有機會重新發掘生命與藝術的新方向。」漢密頓說。

順其自然  為作品服務

在編舞的過程中，漢密頓同樣退位於作品之後，不願強加過多創作理念，寧願讓作品自然而然地長出自己的樣貌：「我的角色比較像是為作品服務，而不是像個『作者』一樣掌控全局，才能為作品提供更多發展空間。」不過，漢密頓也坦言如何拿捏其中分寸並不容易：「到最後還是得有人站出來決定事情、為作品最終的樣貌拍板定案，但我依然深信創作過程應被賦予更多的自由度，創作者也不該局限作品最後該有的樣貌。」

至於同時身為舞者與編舞家，這兩種身分對漢密頓而言是否有任何差異？漢密頓的回答是：「有，但也沒有。」這個看似矛盾的答案，端看你從哪個角度解讀。這位作品橫跨實驗運動、視覺藝術、聲音藝術、影像藝術等領域的前衛創作者，卻拒絕任何形式的「分類」。在他的作品中，沒有舞者與編舞家的主從區別，舞蹈更不是等待被燈光、聲音、影像成就的創作核心。他為這些元素提供可以彼此交融、自然發展的場域，正如在《暗黑計畫I》Black Project 1中，與漢密頓共舞的舞者梅蘭妮．蘭恩（Melanie Lane）對於周遭環境、各式媒材的高度敏銳，形成了作品獨特的身體語彙，也與其他劇場環節共同鋪陳了錯綜複雜的繁複結構。

漢密頓在成長背景中所接觸的流行文化，也不知不覺成了其舞蹈作品援引、借用的創作靈感。若對流行音樂稍微有點接觸，觀眾或許不難在其作品中，發現麥可．傑克森與嘻哈節奏的痕跡：「在一九八○、九○年代長大的我曾經是個『嘻哈男孩』（b-boy），當然更和其他小孩一樣，深深熱愛著麥可．傑克森的音樂與舞蹈，雖非刻意，這些元素日後卻深刻影響著我的身體律動、編舞語彙。」自認身處於後現代年代，一切文化、藝術（無論「流行」與否）早已脫離任何脈絡可循，每個人都是東沾一點西沾一點，要說漢密頓作品反映了整個「大社會」，以各式瑣碎零散的細節為靈感，倒也貼切。

在「不存在」中  創造「存在」

漢密頓作品中最令人印象深刻的，也許是舞者身體無止盡的「重複動作」。透過「重複」，漢密頓更希望我們看見「不可能的重複性」。他說：「在這些重複動作中，每一次卻都有所不同，我們對於時間流逝的感受、身體逐漸累積的疲憊感等，也讓我們體會了事物的循環本質，沒有開頭、沒有結尾。」正如在《暗黑計畫I》，身體與空間合而為一，有形與無形的邊境消融退去；《暗黑計畫II》更進一步抹去身體與身體之間的疆界，將六位舞者視為容器，在服裝設計的輔助下，每具身體的終點成了另一具身體的起點。

為了要強化「觀看」的本質，漢密頓特地在《暗黑計畫》中降低了視覺光源之干擾：「我不是刻意要讓舞者『在黑暗中漫舞』，但當我用『黑色』來呈現舞台上所有元素時，反而更可以專注在細節上。黑暗讓一切變得更清晰。」舞台上僅有的白色光源，藉由投影打上舞台，純粹的色調確立了空間基底，投影光線的變化，更讓空間環境隨時處在變動狀態中，突顯了能量的「不穩定性」，與舞者身體共同上演一齣即時對手戲。

在漢密頓多次「是或不是」、「有也沒有」看似相互矛盾卻頗富哲思的答覆中，也讓我們一窺編舞家獨特的生命哲思。消融的疆界讓一切事物無法被歸類，在當下、身體、環境間，舞者「不存在」（absence）中創造「存在」（presence）。也許生命存有的最高境界，正在於：「在黑暗中，我們才能看見更多。」