一場突如其來的疫情，打亂了依常規運行的世界，也迅速改變了人們的思維。防疫有成的台灣，在上半年的封閉警戒後，成為全球少數能回歸日常的國度。在回顧過往一年的此刻，我們也觀察到不同與往年的變化與發展——
二○一九年十一月，中國武漢爆出不明肺炎，有傳染的可能。在極短的時間內，迅速擴散至全球，這場全新冠狀病毒COVID-19引發的大瘟疫從二○二○年初燒至年末，截至本刊截稿前的十一月廿五日，全球已有一百九十一個國家和地區累計報告逾5,965.8萬名確診病例，其中逾一百四十六萬人因病毒而死亡（註），這場被多個國際組織及媒體形容為「自第二次世界大戰以來全球面臨的最嚴峻危機」，至今仍持續延燒中。
時序入冬，第二波疫情在多國野火燒不盡的此刻，幸運的是，台灣表演藝術圈像是處於平行時空，已走過三月初那場因澳洲音樂家與NSO在國家音樂廳的演出而全面癱瘓的危機。如今，觀眾們戴起口罩，入場前量額溫，票券採實名制，保持社交距離，「演出即將開始」聲已再度迴盪在劇場了。
上半年陷入停擺 藝文紓困協助度過難關
回顧這一年，武漢肺炎打亂了各行各業的運行節奏，幾乎成為理解全球脈動的唯一關鍵字。在瘟疫燃燒後的台灣表演藝術圈，有什麼新變化正在發生？
初始，從航空到百貨業，各大產業均遭受重擊，藝文圈當然也不例外，特別是需要觀眾親臨「現場」才得以體驗參與的表演藝術圈，可能更是產業復甦的末端——場所密閉、座位緊密，不便維持社交距離，體質上先天是防疫破口的表演產業，讓許多演出檔期無例外地被迫停演、取消或延期。一停演，團隊票房直接蒸發，現金流全斷。一年間，國際傳來太陽馬戲團聲請破產、百老匯取消二○二○年所有演出、紐約大都會歌劇院（Metropolitan Opera House）宣布取消二○二○至二○二一年九月前所有演出等消息，國內各大團體如果陀、綠光劇團等亦面臨經營困境，演員與工作人員上半年幾乎零收入，不少藝文工作者靠政府紓困度日，隔離、休團、停演成為新常態。
從劇院封館、團隊停演到解封的上半年，恰逢文化部長交接，從藝文紓困1.0到2.0方案，政府實際投入藝文產業紓困振興的總預算為 47.2 億元，意圖減輕公司、自由業者的工作營運所遭受的衝擊，但因台灣多數表演藝術團隊營運登記為演藝「團體」，非經濟部轄下的「公司」，故金融體制下難以申請企業貸款，部分銀行也不願比照一般中小企業提供「千億保計畫」貸款，以致團隊融資困難；亦有藝FUN券發放活絡藝文市場的各項舉措，但政府、表團與民間企業如何合作，創造更友善的產業鏈尚無解。
顛覆慣常模式 從中激發創作能量
除此之外，在上半年現實隔離的困頓恐慌中，我們也看見藝術家們重新思考「表演藝術是什麼？」「劇場如何與觀眾重新連結？」等創作基本問題的豐沛能量。
如何打破過去，重新想像表演藝術？劇場作為人類相遇與聚集的場所，「現場」依然是關鍵，危機讓團隊們藉此開展了多面向的解讀與技術的開展，也加速了各大場館的數位優化步調。從疫情高峰期，人們不在現場，而在「線上」工作、生活，表演藝術圈也不落人後地相繼釋出各式線上資源、無觀眾的劇場現場直播、虛擬實境線上展覽……歷經身體消失，近乎數位崩潰的過程，藝術家、演出團隊如今也開展出確知線上化並非劇場的簡單選項，進而思考現場／線上共存互補的可能之道。
「線上」同時帶起聲音的文藝復興，人們渴望共鳴與連結，Podcast的低門檻與個人化的主持風格，與有別於廣播，不受時間限制隨點隨聽的播放方式，成為台灣受眾的新寵兒，表演藝術從業者、愛好者亦投入經營，「個人即媒體」的社群時代進入再次進化的時局，媒體生產內容的權力下放，未來將如何影響場館、表團、藝術家與觀眾的溝通，值得關注。
回過頭來說，隔離規範雖讓表演藝術圈的國際交流密度降低，國際演出紛紛取消，但國際媒體盛讚台灣防疫模式為全球典範有目共睹，各國政府單位如美國疾病管制暨預防中心（Centers for Disease Control and Prevention，CDC）亦將我國定位為極度低風險區，讓長年旅外發展的藝術家們陸續回台，進行演出、交流；國旅夯起的同時，漫遊劇場也成為在地旅遊的選項之一，各大地方藝術節在下半年紛紛重振旗鼓，關注在地肌理，亦強化地方社群關係建立。
COVID-19劃出一條清楚的線，提醒各領域重新思考自身最重要的價值。感受故事更清晰的方式是體驗，是身體當下的感知與共鳴——這依然是表演藝術回應世界的最大武器。
註：根據約翰霍普金斯大學（Johns Hopkins University）統計資料：https://gisanddata.maps.arcgis.com/apps/opsdashboard/index.html#/bda7594740fd40299423467b48e9ecf6
