幾年前有機會接觸到有聲書《鬼地方》（小說作者陳思宏）的錄製，自此開啟我對聲音演繹的另一種想像。原以為讀有聲書跟劇場裡「讀劇」沒什麼兩樣，應該不是件太難的差事，殊不知整個錄製過程算是折騰（磨練）了許久。最主要的幾個原因在於：
聲音錄製的媒介與聽眾之間的關係
舞台劇的聲音訓練過程中，常被老師們提醒：不要因為過於仰賴麥克風，就沒有了投射，如果聲音本身是虛的，喇叭再怎麼擴大聽起來還是弱的。當時並沒有特別意識到，麥克風是雙面刃，它會放大優點，同時也會放大缺點。而且每支麥克風呈現出來的音色，以及與聲音演員之間的化學作用都是不同的。因此，朗讀者如何建立與麥克風之間的關係，會是有聲書聲音表演一個很重要的課題。
麥克風能夠放大你聲音裡面許多細緻的表現，即使只是輕輕的氣音，或者是呼吸聲，在只有聽覺的前提之下，都會有頗強烈的指涉性及戲劇效果。另一方面，麥克風也逼迫你去調整原本習慣的投射方式。簡單來說，如果用平常在舞台上習慣的投射方式錄製有聲書，結果可能會慘不忍睹，因為聽眾與聲音之間的關係，往往是極為親密的（尤其很多人都是帶著耳機聽），好似有人在你的耳朵旁說話一般。如何在這樣「親密的範圍」內，用適當的聲量，依舊呈現不同力道的起承轉合，是一個極大的挑戰。
在舞台上我們常說，演員內心糾結到無以復加，如果觀眾沒有感覺，這個表演就是沒有效果。在沒有視覺的輔助前提下，我們更要把聲音本身視為一個身體的行動、一個舞蹈的流動。我自己戲稱有聲書必須要建立一種「聽感」，雖說這個聽感的審美和標準因人而異，諸多眉角仍仰賴表演者重新去思考和定義；舉凡有些破音字到底該念「正確」的，還是念大家習慣聽的（念ㄞˊ症還是ㄧㄢˊ症呢？），也是我們常常陷入糾結的地方。
聲音掌控度的高度要求
錄製《鬼地方》的過程中，我最常被錄音師提醒的一件事就是「口水音」。這種聲音往往是表演者自身多年累積的舊習慣，也是我在錄製有聲書之前從未察覺到的。口水音在純然聽覺的環境下會被突顯出來，就像是一個不知道從哪裡冒出來的清脆響聲，雖說後製要修掉也不是不行，但出現太頻繁，還是會被要求避免。
其他例如送氣的爆破音及喉擦音（ㄆ、ㄊ、ㄎ、ㄏ）也是我的罩門之一。在舞台上，演員口水噴滿台或許會被視為情緒激昂的展現，但回到麥克風前，就必須打掉重練；我在使用聲音上偶而會因聲門緊繃，容易在高亢的時有很輕微的沙沙聲，這個過往在舞台上完全不用在意的事，放到有聲書的放大鏡底下，就很容易被解讀成「沙啞」和「聲音狀況不佳」。
此外，唸書的過程中，總會遇到某些段落表現得不夠到位，或在一週之後，檢查到有錯字必須重錄的狀況；問題來了，每個人每天的聲音狀態本就不同，有時候我們為了補錄一句，反而花了更多時間：如何承接上一句的情感，延續到下一句的感受，真的是一門大學問，更考驗演員聲音掌控的能力。尤其像《鬼地方》這樣的文本，1人分飾至少10幾個角色，我自己常常也會搞錯，到底誰是誰的聲音，更別說要在短時間內精準地還原並重現角色。舉凡書中父親的角色就讓我吃足了苦頭，我的表演選擇是一個語速慢、聲音低沉、會把ㄗ、ㄘ、ㄙ發得特別清楚的中老年人；但常常會因為發聲發得過開，無法回到那種剛睡醒的低音。
錄音的過程，其實跟拍電影很像，試過千萬個take，就為了追求那一道靈光；很多段落，無論我再怎麼錄，都逃不過錄音師的耳朵，他就是覺得第一個版本最好。因此，如何在情感表達及聲音高度掌控間找到平衡，是聲音表演者的首要任務。
閱讀文字的特殊性
有聲書大部分的題材是文學作品，大宗是小說。許多小說裡即使有對話，大部分還是偏敘述性的文字，有些極度詩意，有些甚至嗷口（但視覺上的閱讀完全沒有問題，甚至是應該要那樣寫才有fu）。因此在錄製有聲書時，如何掌握這類「用閱讀容易／合理，用聆聽困難／疏離」的文體，是一個很大的挑戰。
人類平日的聽覺感受，仰賴許多文學作品裡不需要的「贅字」，舉凡然後、但、可是、嗯、啊。當這些「生活化」的元素被抽走，往往會讓人瞬間抽離。到底我們該建立一個有聲文學書的「專有聽感」，還是要稍作調整，讓文字本身更接近「容易被聽懂」的方向，這當中的拉扯，往往是痛苦的。
以《鬼地方》為例，作者的文字富饒趣味，玩弄文字視覺與聽覺的重疊趣味，閱讀起來不僅感受更為深刻，也能讀出作者獨特的幽默感。但能否在純聽覺上達到同樣的感受？當初錄製時，我不斷與作者來回討論。即使被賦予全然的權力修改，我還是盡量以維持原著精神的前提來詮釋，因為我認為，不是所有的藝術形式都必須以「最容易聽懂」為首要目標。這樣聽起來可能過於驕傲了，但試想，如果我們處在一個所有電視劇情節都是最簡單好懂的世界，不是也頗為無趣？文明的發展史上，總是需要一些讓人必須停下來思考，再三咀嚼的文學藝術形式，整個創作生態才能更趨平衡。
聽見每個人獨一無二的聲音
近年來有聲書的需求與市場漸漸擴大，我更樂見其成的是，透過大量的需求及多樣性，打破一般社會大眾對聲音表演想像的局限；意即，沒有什麼聲音是「標準答案」或「好聽的聲音」。用外型來比喻，從前對於美的標準顯得較為單一，近年來我們好似能開始擁抱不同：胖的、矮的、老的、黑一點的、有雀斑的、單眼皮的等與過往不同的審美標準。回到聲音上，試問，文學性的聲音表演，與自然閒聊風格的Podcast是否有絕對的區隔？我們能否接受非典型大眾認為「漂亮的聲音」來演繹作品？又，過於修飾的聲音是否也會造成聽眾的疏離感？聽眾追求的究竟是一種陪伴，還是主播式播報的專業？我期待未來有聲書的聲音選擇，也能朝多元化的方向邁進。
事實上，我們被聲音下意識制約的現象是很驚人的，最明顯的例子莫過於電視廣告裡，不同產品搭配特定配音員的選擇：汽車或銀行廣告，往往是低沉的男聲，穩重、踏實，讓人有信任感；衛生棉廣告女聲絕對是清爽、乾淨，不會拖泥帶水。聲音操弄／感動人心的力量，著實不容忽視；撇除專業訓練的重要性，聲音是人與生俱來最獨特的工具。聲音訓練的優點，除了能克服聽自己錄音那種令人害羞、脆弱，甚至不習慣的恐懼，更能讓我們擁抱自己的本質，藉以創造出更多不同，如此也能間接對生活、社會產生更大的影響力。
錄製《鬼地方》的經驗，對我之後在臺中國家歌劇院Podcast《哇！挖藝術》，用聲音朗讀文學作品（如《複眼人》）及主持談天性節目《柏覽會離題》、《王大閎您哪位》都有很大的啟蒙作用。如果要給未來想嘗試聲音表演的人一些建議，那肯定是「要敢玩」以及「像運動員一樣自律地練習」，給自己3個月的時間，不要設限，把每個不小心發出來的怪聲音都當成自己的武器庫，反覆練習，訓練精準度，與麥克風培養感情，拿捏好力道，讓更多人聽見你獨一無二的聲音吧！
