PAR 表演藝術雜誌

Q：兩位似乎熟識已久，請談談之前的合作，以及參與文學與音樂的經驗？

廖偉棠（以下簡稱廖）：真正同台是2018年朗讀節的時候。 

謝明諺（以下簡稱謝）：節目名稱叫做「詩歌之夜」，是由鴻鴻策劃，他找了非常多詩人，搭配音樂家自由即興，輪番上陣，那次活動蠻有趣的。

我第一次參與是2011年鴻鴻的詩歌節。有的是搭配音樂，有的是劇場、舞蹈、裝置、工藝等等。後來我也跟阮丹青、夏宇，特別是跟羅思容，她整理她父親失語的一代，用台語、客家話念出來。

廖：那我比較早，我是2006年在挪威，那天是五一勞動節，我還教了樂手怎麼用爵士樂方式演奏《平湖秋月》，我當時讀的一首詩是〈我在巴黎夢見魯迅和周作人〉，所以配上這樣的演奏氣氛特別好。此外還有我的老朋友薩克斯風手李鐵橋和李增輝。

謝：我曾跟荷蘭聲音藝術家Jaap Blonk合作，他有個名曲是〈Ursonate〉像達達主義的作品，叫做聲音詩，其實字可能不太有意思，但聲音、節奏很特別。2015年第一屆台灣國際即興音樂節時邀請過他，在南海劇場有非常多即興音樂家跟他們一起表演。

Q：《爵士詩靈魂夜》專輯中提及美國Beat Generation（敲打的一代，或譯「垮世代」）爵士詩的實踐，讓詩人讀詩和爵士樂迸出火花的活動。請問兩位如何理解那個時代的創作？爵士樂又如何影響你們？

謝：我理解的爵士詩寫的是爵士音樂中發生的事情，如空間、音樂家，或是用文字模仿演奏中激烈的樂句、節奏感等，不一定很文學，而是偏向聲音效果。我比較在意整體的音樂性，所以演出時，是根據詩人們的唸法去反應。我在歐洲聽過蠻多聲音劇場，但做這張專輯我並沒有去參考以前的作品。

廖：爵士樂對我的影響是很清晰的，大約1998年時，我第一次知道爵士樂的妙處。那時我還是一個搖滾青年、開著書店，有一位客人借我3張很棒的CD，之後又跟我借4,000塊港幣，然後他就消失了。

這3張專輯中，影響我最大的就是Miles Davis的《Kind of Blue》，我因此慢慢不聽搖滾、不聽民謠，而是爵士。我認為爵士是很英文的，很難從節奏、韻律去學，因為華文對音樂、旋律、節奏的感覺是不一樣的。我思考的是學他的即興、自由的部分。60年代美國有個詩派很受音樂影響，他們是黑山音樂學院的一些老師，他們很強調詩的不斷變化，不會從一開頭就預設了結尾，可能寫著就會跑題。我因此也開始寫這種詩。

當時華文詩很少有這麼放任的，記得余光中先生還批評過我，認為我的詩太長，一不小心就會變成散文了。但我認為質地不一樣，只有這樣寫我才能意會到「不預設」思想是什麼，因為只要一預設，就會進到傳統了。華文詩太多大師在我前面了，這樣走我就可以拋開。所以我很感謝爵士樂，它等於解放了我。

Q：偉棠的詩作受爵士樂刺激，那麼明諺是否也受了詩作的影響呢？

謝：有的，例如在這張爵士詩專輯中，崔香蘭寫的「查特貝克的窗」，是種哀傷的感覺，她在寫的就是主角Chet Baker墜樓的那短短一瞬間，卻很像是電影，可以將3秒鐘的瞬間用音樂或是各種蒙太奇的手法拉得非常長。

廖：詩跟音樂是最接近的表演藝術類型，但音樂是線性的，詩卻可以重疊。因為讀一首詩，隨時都可以回到上一行，而且裡面的時間有變奏。在朗讀節上，我們可能會加一些句子，或是重複某些句子。這是自己即興，讀者也不知道，因為我用廣東話念（笑）！

謝：音樂是很線性的，過去就沒有了；但讀詩的時候，寫下來就是留住了。不過專輯就可以隨時再聽一次，2020詩歌節演完後我們就覺得真的蠻棒的，應該要好好記錄下來，做得精確一點。

其實我覺得讀詩很辛苦耶！雖然小說、散文字很長，但可以讀得很快，可是詩有時只有兩、三句，理解的時間卻需要很非常久。詩是精鍊的，但裡面的空間卻不可思議的大。所以我很喜歡這句話：「每一種藝術的邊界都是詩。」

廖：我常想我們進入寫詩的狀態，可能跟樂手的敏感度類似，對於下個樂句出現，很像我寫作的時候，經常下一句迫不急待地跳出來，那我就要抓住它！那是寫作的最佳狀態，而且整個人是很興奮的、是腎上腺素飆升的！

謝：就像在演奏的當下，你已經有一些感覺想表達，在輪到你的時候爆發，接著你的鋼琴手、你的鼓手怎麼回應，那是很棒的瞬間。