由波蘭導演盧卡斯．塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）執導的沉浸式長時劇場作品《共和國》（Respublika），將於6月4日至8日在臺北表演藝術中心超級大劇院登場。北藝中心首次於演出中開啟的超級大劇院，讓這齣結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧的作品首度走進劇場，以一場長達6小時的狂歡派對，邀請觀眾打破體制設限，在劇場中體驗「銳舞」（Rave）文化，並重新想像「參與」、「工作」與「自由」的可能性。
《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，觀眾不再只是坐在觀眾席上的旁觀者，而是被邀請穿梭其中，自由參與、探索。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅成為本作的精神核心，也象徵他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。
《共和國》部分創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國」（The Pavlov Republic）。這個由波蘭神父與800名農民，在18世紀末共同創建的小型共和國，曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。儘管它最終未能持久，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。
塔沃柯夫斯基說：「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」這個問題，開啟了《共和國》的創作概念。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此歷史案例重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。
塔沃柯夫斯基與來自各國的15位藝術家，其中包括演員、作曲家、DJ、服裝設計等，在2019年一同走入立陶宛森林，以僅有的房車與移動住宅，開始了共居和創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，設計了一套社會實驗的脈絡引導成員，例如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問──工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，「共和國」的成長成了一種宣告：我應得的，我需要它，剩下的都不重要。
將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由三個部分組成，一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，在其中的小街道迷路；一小時後開始進入表演，整場演出中將會不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是在電影片場，可以同時看到屏幕和現場正發生的事，編排著多層次又彼此交替的多重敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部分便剩下純粹的狂歡，演員、DJ將以舞蹈、音樂與觀眾共同投入狂歡體驗。
塔沃柯夫斯基讓電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno音樂誕生於1980年代美國底特律這座工業城市，成為都市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。塔沃柯夫斯基深受這段歷史的啟發，在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，使整場演出如同一場帶有社會意識的儀式，也像是一次個人心靈的逃逸旅程。
塔沃柯夫斯基認為電子音樂有種昇華人性的作用，他更指出：「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他視銳舞為宣言，「實在沒有足夠語彙得以形容，但至少有一件事是肯定的：這是非常重要的體驗。」希望觀眾感受大家跟著同樣的節奏跳舞，彼此成為一個群體，分享共同的喜悅。
塔沃柯夫斯基擅長運用多媒體裝置與去中心敘事手法，藉由視覺、聲音與身體交織，建立起一個去疆界、反制度的藝術空間。《共和國》沒有明確的舞台，也沒有明確的敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種共享經驗，是結合表演元素的音樂活動，而非結合音樂元素的表演。
「我無法忍受一直以來被稱作『劇場』的這個東西。」塔沃柯夫斯基認為時至今日，單靠劇場自身已然不足，而我們正處於影像的世界，且始終處於登入狀態中；因此，「我們必須要尋找正處於交叉路口的新形式」，他認為《共和國》可說是一個巨大裝置，讓人覺得彷彿處於行動的旋風之中。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」
在這個資訊爆炸與節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫時離開現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。
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