PAR 表演藝術雜誌

Q：當創作遇到瓶頸、現實又很殘酷的時候，是什麼讓你一次次選擇留下來、繼續做藝術？有沒有哪個具體的瞬間，讓你確定「我就是要走這條路」？

A：我常常把一段很長的生命經驗，濃縮成一個瞬間來理解。不是某一個戲劇性的「頓悟時刻」，而是很多個當下的累積。每一個殘酷與難關的當下，都在加深我「想要創作」的記憶。

有難度與限制，其實是好事。因為創造出來的事情，會因為這些條件而變得有趣；而這些被現實淬煉出來的生活片刻，往往會轉化成舞台上令人感動的瞬間。至少，當我成為自己作品的觀眾時，會不會被感動，是一個必須被檢視的要素。

我很清楚，如果我不經營舞團、只作為獨立藝術家，我的生活可能會更輕鬆，也可能過得更好。但我偏偏喜歡矛盾、喜歡衝突，也喜歡在制度與現實的縫隙中工作。對我來說，那是一個充滿張力的環境，而張力正是創作最需要的能量。

我也很享受從生活中提取靈感。不是偉大的題材，而是日常裡那些讓人感到不安、興奮、卡住，或突然被觸動的瞬間。當我還能對生命保持這種動能，我就知道自己會繼續創作下去。

Q：會想要再次成為舞者在台上跳舞嗎？

A：如果有編舞者願意找我演出，我很樂意。不過，應該沒有幾位編舞者真正看過我跳舞吧！對我來說，「站在台上跳舞」早已不只是身體的位置，而是一種狀態。有時我在排練場、有時在觀眾席、有時在行政會議裡，我仍然以舞者的感知在工作。舞者的身體沒有真的離開，只是轉換了存在的方式。

Q：什麼是推動你在舞蹈編創路上那怕遇到很多的困境，依然趨使你持續創作及推廣前行的最大動力？

A：我不是被某一個宏大的理想推動。有時候，這些動能其實很小、很微妙。

每一個作品都在成長，舞者在成長，合作的藝術家在成長，世界也在變。沒有一個作品是完成式的，它只是在某一個時間點暫時停下來。2025 年，《BIRDY》在北美巡演時，因為有連續演出10場的機會，我可以單純作為觀眾，反覆感受作品的能量。這讓作品產生了大幅度的改變與成長，也迫使我重新調整動作的詮釋方式，並引導舞者轉換思維，以回應不同的演出狀態。

這種「尚未結束」的狀態，反而成為我持續創作的最大動力。有時候，這些過程本身，也會成為下一個作品的起點。

Q：有沒有一個你覺得「做得太快」的作品？如果能重來，還需要多久？你會改什麼？

A：我其實不太相信「做得太快」一定是壞事，也不認為「做10年」就一定會更好。

如果真的要重來，我反而希望可以做得更快，但前提是有更充足的準備。希望能更省錢、省力、省時間，並把省下來的資源，拿去測試更多可能性。對我來說，速度本身不是問題，關鍵在於我們是否有能力留下足夠的空間，讓作品在不同階段被觀看、被修正，直到首演。

Q：如果今天經費一樣，只是沒有補助，不需要遞案結案，你的創作會長什麼樣？

A：其實會是一樣的。

即使沒有補助，我依然需要企劃書。企劃不只是為了制度，更是為了讓創作有結構、有方向。當創作牽涉到舞者、設計、技術、巡演與未來發展時，本身就需要被妥善規劃。

錢並不是創作品質的保證；沒有策略的創作，反而更容易耗損人與作品。

Q：有聽到謠言說翃舞從LOGO、行銷，基本上整個都是抄襲丞舞，請問是真的嗎？因為我也覺得真的很像！！！

A：如果兩個品牌會被拿來比較，某種程度上反而是一件好事。這代表台灣的舞團，開始形成可被辨識、可被討論的視覺語彙與美學系統。

我沒有特別追蹤 B.DANCE，也不太清楚他們的發展方向。有沒有可能我在抄襲國外舞團？有沒有可能別人也在參考我們？也有沒有可能，只是大家看到的舞團不夠多，所以把「相似」誤認為「抄襲」？

也有可能，其實我們本來就很像；或者，我更在意的是作品本身，而不是 LOGO、行銷。

有沒有可能是抄襲來自於謠言，而謠言來自於覺得很像的人？

Q：經營舞團是不是會有給外聘舞者比較少的費用，為了要補其他虧損或是給原本的團員的情況發生嗎？

A：在翃舞製作，兼職舞者的排練費用皆依合法時薪計算，演出費用則依經驗與能力調整。進入劇場週與巡演階段，則會依新舊作品而有所不同。

實際上，我們也有兼職夥伴的收入高於專職成員。是否成為專職，並不是能力高低，而是雙方在時間、責任與長期投入上的選擇。不過，專職成員所享有的獎金與福利，確實是兼職夥伴所沒有的。

Q：你覺得你是一個會用良心善待每個跟你合作的人，還是以自己利益為主呢？

A：能夠長期合作的人，通常是因為我們對彼此都很好，不只是在利益上，也包含心理層面。當合作關係成立，利益並不是零和，而是希望在形而上的理解、形而下的執行、質的成熟度，以及實際收益上，都能一起成長。不適合的人，就不勉強維持關係，誠實面對彼此，也誠實面對自己。

Q：請問對學現代舞初老初學者而言，即興教法的老師，都要學生即興跳舞，或是有編排好舞蹈的老師，那個適合？

A：其實取決於你喜歡哪一種學習方式。

如果要我給一個生活化的建議，我會說：週一到健身房練手腳、週二練核心與背、週三休息、週四練編排好的動作以提升精準度、週五練即興讓反應更自然、週六看演出、週日休息。

如果有機會，我會建議一定要學習與練習創作。

Q：能夠給學舞的孩子一些對未來規劃的建議嗎？

A：多即興、多創作，也多學習各種不同的設計領域，例如燈光、舞台、道具、服裝等。

我畢業於高雄左營高中舞蹈班。很幸運的是，高一開始接觸劇場與燈光，高二開始創作，同時需要思考舞台、燈光與道具，也在高中階段有機會與國內外知名編舞家合作。這並沒有讓我贏在起跑點，但確實讓我在未來某些時刻，能跑得比較快。

Q：好奇都怎麼跟服裝設計溝通，尤其在意象的過程中要具象詮釋？

A：我通常會先建立結構性的文字、動作素材、圖像與影片，製作成簡報，在會議中讓所有合作夥伴擁有足夠的想像空間，舞者也是如此。當方向明確、共同語言清楚，具象化就不會變成限制，而是延伸。

Q：為何國外能巡演這麼多場？如何讓未來台灣也有機會場次和觀眾數增加？台灣國內看舞蹈演出的觀眾組成？

A：關鍵在於投資拓展、尋求經紀人合作，以及主動敲門。

我們可以一次寄出上千封 E-mail 尋求機會，但對策展人或經紀人而言，一年可能會收到上百封類似信件，他們真的有時間打開、觀看內容嗎？

阿喀郎．汗（Akram Khan）的製作人法魯克．喬迪里（Farooq Chaudhr）曾經跟我說過：「如果你從台灣飛過去敲門，哪怕只是見面聊10分鐘，事情可能就會不一樣。」我想，這正是「見面三分情」的意思。

當然，同時也必須擁有清楚的作品發展藍圖，理解哪些作品適合巡演、哪些作品適合在台灣演出。有沒有標準答案不重要，但有規劃，總比沒有想法來得好。

至於增加演出場次與觀眾，我也正在思考演出形式的轉變：一個舞團是否能在同一檔期呈現3個作品？是否能重複演出相同作品？是否能縮短演出時長？如何讓觀眾願意再次走進劇場，讓進入劇場這件事變得更輕盈、更快速？這些都是近年在漂鳥舞蹈平台與舞團年度演出中，正在嘗試的方向。

關於台灣觀眾組成，我會推薦參考兩廳院OPENTIX 的年度數據報告。