Q：在這次與各團隊實際合作、排練的流程中，針對「智慧財產權」與「創作署名」兩點，廣藝內部或與創作者之間進行了哪些具體討論或辯論？
A：這是一個世界性問題，不可能透過一次活動解決。未來這個問題一定會透過各種案例磨合，逐漸形成新遊戲規則。所以這次活動並沒有把它當成主要討論重點。目前一方面要看業界如何形成共識，另一方面則觀察國際潮流，是否形成共通的解決方式。我們現在可以觀察到，一些西方大型影視、唱片公司與AI平台之間的協商。有些AI平台透過支付授權費取得原始素材使用權，再授權給它的付費用戶，可以商業使用平台的生成作品。真正困難的是，技術變化實在太快。這個月制定的規則，下個月可能因為新技術而不適用。以Suno為例，我使用它的這段時間，規則已經改變很多次。
創作署名也是一樣。未來作品可能要標示是否使用AI，就像食品必須標示成分，逐漸形成一套共同規範。署名權的規範也會形成，如同我上面所說，很多單位已經用「人為介入的比例」來判斷作品著作權。
權益分配也一定會改變，例如以前創作一整齣音樂劇可能要幾個月，現在使用AI可以迅速完成，費用如何計算？如果是多人合作或分階段進行，又如何界定？作者、素材原權利人、AI平台之間又如何分配？但有一點可以確定：新法律一定會形成。台灣現在也已經開始正視這些議題，今年應該會是一個重要的起點。
Q：《對愛沉默》著重「由AI參與剖析作品內涵並設定音樂創作細節」。在實際運作中，AI 對陳文茜文字與概念的剖析能力如何？這種「文學想像＋AI 剖析＋音樂轉換」會不會成為未來跨界創作的新常態？
A：這次我花了大量時間和AI討論陳文茜的文字，對話量遠超過今天的訪談。AI對作品的理解與分析能力，確實給我很多驚訝。所以現在，我已經不只把AI當成「工具」或「夥伴」，講得重一點，有時候我甚至把它當成一個「指導者」。我尊敬的不是技術本身，而是它背後連結的龐大知識庫。
我認為「文學想像＋AI＋音樂轉換」非常可能成為新的跨界創作模式，尤其會替不具音樂背景的作家、詩人打開一扇門。我自己就是一個例子。我在音樂界做過表演、評論、出版，幾乎什麼都做過， 就是沒有作曲。 以前我其實花過很長時間學電腦輔助音樂（Computer-Assisted Music），但作品我自己都覺得不敢稱為「作品」。現在不一樣了，AI生成音樂的品質已經讓我服氣，而且我真的可以更容易、更貼切地把自己的意念放進去。
所以這次實驗以後，我會願意說： 「這是我和AI協作的作品，也是我的作品。」我知道自己放進哪些想法、做了哪些決定、控制了哪些方向。就像我開車從基隆到恆春，真正跑的是車子，但方向是我決定的，路線是我選的，駕駛也是我完成的。所以我認為，這種創作模式極有可能成為未來的新常態。在此預告，我製作了12部音樂劇，下一部作品的音樂將由自己親自完成，讓作品從我的意念直通音樂。因為我對想塑造的音樂有明確的想像，我會肯定那就是我的作品。
Q：對於那些至今仍對AI音樂抱持觀望、甚至排斥態度的傳統音樂工作者，您希望這次「未成熟但充滿刺激」的發表，能帶給他們什麼啟發與心態轉變？
A：我很難斷言別人會產生什麼「心態轉變」。新技術出現，本來就一定會有支持與反對的聲音。不過我觀察到，很多成熟的專業創作者，反而很積極使用 AI。原因很簡單：他們熟悉自己的專業，也最清楚AI可以在哪裡幫助自己。原本在音樂創作上具有優勢的人，善用AI，往往是強上加強。
當然，如果一個人很清楚地定位自己：「我就是一個傳統原創作曲家。」那完全沒有問題。有人堅持用手繪圖、創作文案、用膠卷拍照……他們追求的是另一種價值。如前所述，人們還是會用不同的標準來審視。但如果純就「完成一段音樂」而言，AI 必然成為一個愈來愈重要的工具。它甚至可能重新設定起跑點和比賽規則。比如賽跑，跑得快的人占優勢；現在突然發給每個人一輛摩托車，那麼最懂得操控機車的人，反而跑到最前面。大環境必然會因此受到攪動，人類社會自古以來，不都是這樣？不過無論工具怎麼變，經典作品的要件不會消失：創意、天分、努力。那也是亙古不變。
Q：您在 2026 年 1 月 27 日於廣達電腦總部舉辦的「2026 Aizart音樂創研圓桌論壇」上，大膽創造的一個全新科技美學名詞「樂性元」（Musiconic Elements），在這次「愛札特」的實踐中，您也提到了這個計畫。能否請您簡介這個計畫的核心關切是什麼？在AI與計算科學愈發成熟的今日，它又可能為音樂的未來應用開創怎樣的新路徑？
A：這是伴隨這次AI音樂專案，發展出來的另一條研究軸線。它的核心問題是「探討音樂究竟透過哪些因素對人產生影響？」目前研究規模還小，但我認為未來可能產生很大的影響 。
例如，我們現在吃一包食品，包裝上都會標示成分、熱量。如果我們對音樂也能做到類似程度的分析呢？未來聽一首音樂，不只是感受它「抒情」或「振奮」，還可以進一步知道：我究竟「聽進去了」哪些音樂元素？它們又如何影響我的生理與心理？
研究音樂裡的各種元素，以及這些元素對人體的影響，我把它稱為「樂性元」計畫。分析音樂內部的元素，去對應心理學、生理學，逐漸變成可量化的公式，就可能進一步精準的運用音樂。如果未來能精確理解音樂元素與人體反應的關係，我們就有可能更有目的地設計音樂，用來調節情緒、甚至作為輔助治療。這會是現階段AI音樂實驗之後，進一步推動的新計畫。
Q：當AI成為音樂創作展演的「必備元件」時，您想像中表演藝術舞台上，人與機器最理想的「共生狀態」會是什麼模樣？
A：這個世界改變得非常快，但人類的適應力也非常強。當「人機共創」未來成為日常，我們再回頭看今天，也許會覺得那個舊時代怎麼那麼古老。所以我反而不太願意使用「最理想狀態」這個說法，因為技術會一直演進，人也會不斷找到新的平衡。
如果只談文化藝術，我認為AI最正面的意義之一，就是：平權與機會。人類文明長期以來，都在努力讓教育、知識與創作的機會更加公平。出身不好、沒有機會受專業訓練的人，都可以透過新技術實現創作的心願，很多過去存在的門檻會被打破。短期內可能生態會感受到一些攪動，但是如前所述，不管什麼環境，「創意、天分、努力」的成功原則是不變的。所以我對AI在文化藝術上的期待，其實很簡單：希望AI帶來的平權和機會，讓更多人的想像力有機會實現、發揮，也被分享。我們一起期待這個充滿驚奇的革命時代吧。
