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蒙特婁 2022加拿大國際表演藝術交流會（CINARS）現場報導（下）不只是藝術市集！國際藝術平台記錄時代、傳承經驗
CINARS的節目繽紛多元，涵蓋的項目龐大，分為音樂、古典音樂、舞蹈、戲劇、綜合多學科的藝術、馬戲等6個項目，包含由來以久的傳統，以及前衛創新的項目。有官方所選的節目（offical program），也有非官方節目（off-CINARS）的參與。有別於以往，今年最重要的一個創新是，這些表演節目首次以整體（不只是25分鐘）的形式呈現。創辦人Alain Par表示：「這是一種品質的變化，目的是不斷地改進雙年展。」 表現藝術家對於社會環境的關懷 官方節目首先上演的有加拿大團隊的《OKTOECHO》，表演靈感來自蘇菲派的音樂及神聖的旋轉舞蹈，加上加拿大原住民的音樂表演。24位藝術家包含了梅蒂斯（Mtis）歌手、因紐特（Inuit）喉音歌手 、蘇菲歌手、戰俘（pow wow）歌手 、苦行僧舞者、莫霍克族（Mohawk）舞者及打擊樂手等，共同吟詠生命的讚歌。來自西班牙的《The moon in a pot (A misunderstood show)》，有現場的音樂、舞蹈、戲劇及舞台技術等，透過節目表現穿越月亮最深情的旅行，傳達「幸福無疑是重新找到自己的工具」的意念。十字型的舞台，容許父母親帶著嬰幼兒在其中爬行、互動。而其潛在的意義，也是對於以往某些節目被專業人士批評為「不適合嬰兒和家庭」的溫柔示威，邀請公眾對於兒童節目進行批判性的反思。 《Action at a distance》是加拿大英屬哥倫比亞的作品，舞台上圍著一圈的矮檯燈，在氣氛濃烈的音樂中，舞者握著有線麥克風起舞，麥克風對著自己的手臂滑動像是要用身體說些什麼。長長的電線時而在旋轉中纏住身體，時而解開。各種敘述、扭曲意圖「將記憶視為一種重建過程，而不是對固定事件準確回憶」。同樣來自加拿大的《AALAAPI》是一個結合戲劇和廣播美學的集體創作，兩位住在努納維克（Nunavik）的婦女，將觀眾帶到北方生活。收音機是他們家庭環境的核心，透過這些紀錄式廣播，更跨越了年齡與種族界線，全劇只能透過窗子窺探他們，到最後邀請大家進入家裡，才把家門打開看見內部，就像走進屋子理解他們一般。另外還有加拿大知名編舞家瑪麗．舒娜（Marie Chouinard）完全由舞者的呼吸和聲音發展而來的編舞作品《M》、展現非洲青年傳
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入戲的觀眾比利時風味餐
按照2004年交通部台灣節慶活動補貼作業要點，「風味餐」的定義如下具地方特色之餐飲，如「客家菜」、「原住民餐」、「茶餐」、「花餐」、「紹興酒餐」等。 今年1月布魯塞爾的展覽開幕酒會結束後，好友、策展人克里斯多福揪人一起吃晚飯，他以不可撼動的語氣說：「任之難得來布魯塞爾，當然要嚐嚐道地的比利時風味餐 !」 我們隨著他在錢幣劇院（La Monnaie）也就是皇家歌劇院一帶拐來拐去，方向都搞糊塗了，只見克里斯多福推開一間店面不起眼的兩扇門，保暖的絨布門簾還沒拉開，炸物的氣味便撲鼻而來。挑高的餐館一派啤酒屋擺飾，菜單上的比利時風味餐從香腸、兔肉、啤酒燉牛肉到列日（Lige）甜醬燉肉丸一長串，及至菜餚端上桌，每個餐盆都浮著大塊的肉塊或肉丸，棕色的肉汁在昏黃的燈光下呈現一種像蜜蠟又似琥珀的神秘色彩，3位比利時朋友一致讚賞：「道地的比利時風味餐，就是法蘭西品質加上德意志的分量 !」 「法蘭西品質加德意志的分量」？這句話怎麼這麼熟悉？垂想了半天，突然想起這幾個月常在法國音樂台不同節目中聽到的一句話，每次播放這首d小調交響曲（編號FWV48），「法蘭西色彩加上德意志的結構」這句台辭就被拿出來重複一次。唉，法蘭西加德意志，這標籤在普法戰爭跟世界大戰期間隨便貼一下，管你美人明星知名作家通通抓去槍斃，就像你今天說某某作曲家兼具「烏克蘭的抒情跟俄羅斯的豪邁」，不被亂棒打死才怪。那麼，誰又是這個兩邊不是人的苦主呢？ 塞撒．法朗克（Csar Franck）是也。他1822年出生於比利時列日（當時由荷蘭王國統治），1873年歸化為法國籍，1890年過世於巴黎。法朗克先生生前備受敬重，兼具作曲家、鋼琴家、管風琴家、教師多重身分，即興演奏的才能更是高人一等。d小調交響曲是他完成於1880年代的晚期作品。 恕我斷章取義長年為紐約時報撰寫的樂評的H. C.荀貝格在《國民樂派》這本小書中說：「從現代人品味看來，法朗克的缺點在於太賣弄半音階，太自我陶醉，太膩人。」又評論法朗克跟他的門生：「他們的音樂有矛盾曖昧之處，儘管這些法國音樂家盡力避免華格納，作品中卻有著華格納作品的傾向。」至於d小調交響曲，H. C..荀
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練物闢無線
線材是將訊號透過實體的線路傳輸到線的另外一端，達到訊號傳遞的效果；隨著時代科技進步，在劇場演出中也開始有了無線傳輸，讓演出進行過程中可以不受到線路的影響，變得更為自由。無線傳輸是透過電磁波傳遞，隨著不同的頻率、強度就有不同的應用，例如手機行動設備、廣播、微波爐、無線電、Wi-Fi分享器甚至X光等。 還記得2000年時有一則新聞，一位來自中國的女士張穎，她自稱能隔空抓藥治病，在那個通訊科技還停留在B.B.Call、黑金剛的時代，她居然可以連線太乙真人，從空氣中的電磁波裡取得仙丹，讓信眾服用來醫病。雖然現在就像我們用筆電以 Wi-Fi 下載資料，然後就可以3D列印出一尊航海王玩偶一樣，但這在當年簡直神奇非常。隨著信眾愈來愈多，張穎竟然也成為像宗教一般、許多人趨之若鶩爭相拜訪的對象，直到最後被一位魔術師踢爆造假斂財，事件才告一段落。但這則新聞卻也同時將無線與中心化的概念，以非常生活的形式展現出來。 無線傳輸透過無所不在的電磁波作為介質傳遞訊息，除了接收與發送端，也需要對頻。可以如此想像：有一對小情侶在談戀愛，他們必須知道目前彼此正在談戀愛，所以要是沒有類似告白的舉動來調整頻道，就可能有一方還以為彼此只是朋友或同事，繼續以錯頻的方式相處；但若告白成功，調頻也就成功了，就可以正式取得連線。月老在他們小指上綁了一條看不見的紅線，兩個原本獨立封閉的個體，彼此將原本沒有意義的物件，透過自己將愛意傳遞給對方，也許是今天穿的衣服，說了一些濃郁情話，或是買了一朵花。同時彼此也開啟了感官接收，看到對方穿上自己喜愛的洋裝，聽到對方表示為什麼喜歡自己，或是收到那一朵玫瑰花。以上這些通訊雖然都看不到那一條紅線，兩人卻因此而更了解對方。 只是，雖然他們是用無線傳輸，但其中一邊背後所連接的，有可能是一排以線材連接的伺服器群。然而，讓更多的無線設備連接到自己的伺服器，將對方成為自己的一部分，也就是中心化。就好像臉書、Google，它們就是本體為伺服器，透過無線設備連接到自己。如此，即便說是無線，但嚴格來說，也只是有線的延伸。 在過去，中心就像是一座巨大的真空管電腦，人們必須到眼前這台電腦膜拜。隨著時代進步，巨大的電腦成為了一台台的桌上型電腦，但我們依舊到公司、機構去使用它們。現在，人人都有一支手機，透過無線網路連線到伺服器。其實，無
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曼谷「曼谷設計週」中，藝術家讓觀眾在老城區《尋找鄧麗君》
泰國藝文界的年度盛事「曼谷設計週」（Bangkok Design Week）今年重磅回歸，規模甚至比COVID-19疫情前更盛大。泰國藝文界蓄積了2年的能量，在這次的曼谷設計週活動大爆發，為期9天的展期邀請世界各地的設計師展出作品，有別於往年以靜態的展覽為主，今年曼谷設計週更加入了動態元素，邀請多個在地的工作室或旅行社舉辦主題式的社區漫步活動，讓民眾更深入了解曼谷各個社區的歷史和人文故事。 其中一個由Studio11206工作室製作的《尋找鄧麗君》算是相當新穎的嘗試，設計團隊以鄧麗君6首歌為主題，安排多名演員在曼谷老城區進行表演，這些演員以街頭為舞台，演出製作人設計好的故事並給出線索，讓參與民眾猜測每個故事對應的是鄧麗君的哪一首歌曲，這樣實驗性的表演讓演員不再只是停留在舞台上，還能跟觀眾互動，在尋找線索的過程中，參與民眾漫步和穿梭在曼谷老城區的耀華力路和松瓦路街區，感受老城的魅力。 泰國華裔年輕一代絕大多數已不會說華文，但華人文化在他們的生活中仍占有很大一部分，鄧麗君在泰國華人眼中更是華語音樂文化的代表。《尋找鄧麗君》創意總監瓦盧（Warut Wimolkunarak）就是在鄧麗君的歌聲中長大的，雖然聽不懂歌詞，但優美的旋律和鄧麗君歌聲中的情意深深鑲嵌在瓦盧的回憶裡，因此這次要在早年華人到曼谷聚集的老城區辦漫步活動，瓦盧就決定以鄧麗君為主軸設計這齣戲劇，並嘗試用街頭戲劇表演的方式，讓參與民眾有互動感和臨場感。
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檳城「檳城廟會」帶頭，啟動癸卯兔年演出
「檳城廟會」始於1999年的兔年新春，是檳城最大型的民間文化活動，24年內從未中斷，過去兩年因疫情轉為線上，今年回歸實體，繼續由檳州各姓氏宗祠聯委會主辦，大年初七在檳城喬治市古跡區多條歷史悠久的街道舉行，大大小小15個舞台，呈現各種戲曲、布袋戲、相聲等演出，重燃民眾對祖籍方言的熱忱。本屆廟會同時涵蓋了區內23家宗祠會館，根據不同的民俗主題策展活動，讓民眾自由入內參觀，接觸教科書上沒有提及的文化瑰寶，總共吸引20萬人參與。 承接廟會的餘溫，檳城最新文創園區COEX也帶來一連三場別開生面的《詩詞歌賦說相聲》，由來自台灣的喜劇團團長翁銓偉聯手大馬卜卜劇場藝術總監程守明，結合兩地的演員，將華人耳熟能詳的著名詩句，加入台灣與大馬的在地文化特色，改編成3至5分鐘的搞笑段子，以對口相聲的形式演出。翁銓偉和程守明都是賴聲川導演作品《寶島一村》的演員，因緣際會下促成這次的合作，演出內容輕鬆幽默，達到寓教於樂的目的。 佳節期間不忘關懷弱勢群體，資深劇場演員林佳佳於2月底復出，在明新社主辦、心劇坊呈現的單人劇《星星@海洋》中，飾演一位自閉症患兒的母親，從高山到穀底，再從絕望到盼望、掙扎到接納、害怕到坦然的心路歷程娓娓道來。每場演出都邀請相關領域的專家和過來人現場與觀眾交流，分享語言治療、特殊教育、家長心理輔導等資訊，藉此提高社會對特殊兒童的關注，支援父母與孩子一起面對挑戰。
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新加坡多個實驗性創作平台激盪繽紛創意
今年初，「新加坡藝術週」以實體和線上形式登場，以「戲耍」為主題，從1月6日至15日一連10天，在全島推出超過130項藝術活動和展覽。值得一提的是作為藝術週節目之一的「島：時基藝術節」（Islands - Time-based Art Festival），其名稱取自於「沒有人是一座孤島」之意，試圖為各種藝術媒介之間搭橋，讓來自不同領域的藝術家們進行交流。 「島」由藝術工作者林凱烈與謝燕芳聯合發起，為藝術工作者們提供非正規、實驗性的藝術表演平台。今年，「島」邀請了19名藝術工作者，以「及時」為主題，一起探討，面對各種危機與災難時，人類如何處理自身與「時間」的關係。參與的藝術工作者呈現行為藝術、聲音藝術、即興表演、集體創作、舞蹈等；除了演出，藝術工作者們也進行講座、為公眾進行藝術工作坊。對喜歡肢體藝術、實驗性音樂、非傳統藝術創作的觀眾來說，這是新加坡難得一見的實驗空間，也是獨立藝術家向來少見可貴的創作平台。 同樣為多元藝術創作提供平台的「M1新加坡藝穗節」，今年一改以往增設主題的方式，首次以無主題、開放式的形式邀請藝術工作者們思考：「你們關心什麼？」，讓這次的藝穗節百花齊放。今年的「華藝節」也已全面實體進行，邀請了台灣的果陀劇場、驫舞劇場、雲門舞集、拾念劇集前來演出。除了大型演出，華藝節也推出「華藝醖釀廠」這個培育創作的計畫，讓獨立藝術家在華藝節的支持下進行具實驗性的藝術創作。 今年，觀眾有機會浸濡在一系列的實驗藝術作品裡，藝術工作者們則有機會在多元的、跨領域的藝術平台上進行實驗性創作，這絕對是讓人鼓舞的現象。
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職人的圖鑑布景彩繪：客製化的空間打造者
布袋戲發展初期的舞台，一種是用隨身的扁擔或戲籠，一種是木頭雕刻的彩樓，但製作、搬運都相對不易，於是在日治時期，開始模仿中國戲班的戲台，將平面寫實繪畫布景的方式應用到布袋戲戲台。這種布景至今仍完全依靠手工彩繪，是布袋戲產業極為特殊卻也重要的一環。本期「職人的圖鑑」邀請李有明布景社負責人李有明，分享他30餘年的繪製經驗。
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特別企畫 Feature 台灣民歌音樂史中的藝師身影思啊想啊起——滄桑中綻放的旋律
社會文化發展與時代變遷有緊密的關係，不同時代背景的民眾擁有其當地文化薰陶的美學觀、藝術表現力與鑑賞力。傳統社會民眾生活普遍勤儉純樸，一些身障者在處事或行動時會遇到困難，但是有些身障者卻擁有更堅強的毅力與生命力。我們經常思考，為何有些視障者的音樂表現力特別強，不論是歌樂演唱或是器樂演奏，都能有精湛感人的表現，這應該是他們的樂感非常好，並且擁有勤練樂器的耐心、專注力與毅力。本文將分享視障者阿炳（華彥鈞）以胡琴泣訴其悲苦之情懷；陳達、楊秀卿透過彈奏月琴吐露心聲的感人樂章 悲苦情懷音樂的創作者：阿炳（華彥鈞） 1893年出生的華彥鈞，小名阿炳，父親是音樂素養佳的道士，他從小受到父親嚴格訓練，擅長演奏笛子、琵琶、二胡、鼓等樂器，10幾歲時對民歌、戲曲有濃厚的興趣與愛好，經常向各地民間藝人習藝，更增添了他音樂內涵與深度表現的養分。阿炳天資聰穎，樂感佳是他與生俱來的天賦，但他也曾經過苦練的階段。父親規範他吹笛時要在手腕上掛著鐵秤砣，訓練腕力；練習二胡與琵琶時，琴弦在手指尖上要刻出痕跡，或磨出水泡才能休息；學擊鼓必須在寒風中擊打石頭，增強力道等。他透過恆心與毅力，日復一日練就一身本事，但在這多才多藝的形象背後，卻有一段淒涼的人生故事。 阿炳身世坎坷，35歲目盲後生活窮困潦倒，又染病於身，只能靠沿街賣藝來維生，他將身世淒苦之情境與感受融入音樂中，演奏出二胡曲《二泉映月》，這是一首感人肺腑的名曲，流傳至今仍為音樂界所欣賞與歌頌。阿炳也將當時茶館、酒館、煙館裡聽到的一些新聞趣事，改編成合押韻的歌樂，而受到民眾喜愛，人稱當地最受歡迎的新聞說唱大師。阿炳晚年的音樂中有濃厚的生命情懷，技巧表現出神入化，而受到音樂學術界的重視。他的作品在困苦的生活中大多已散佚，透過學者們的記錄，目前僅留下《二泉映月》、《聽松》、《寒春風曲》3首二胡曲，以及《大浪淘沙》、《龍船》、《昭君出塞》3首琵琶曲，而這些樂曲都是傳統音樂的經典之作。
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特別企畫 Feature 創作歌手蕭煌奇：記憶、練習與模仿，作為建構視覺的方法
多數人認識蕭煌奇的歌，應該是〈你是我的眼〉；特別是在歌唱比賽將歌曲翻唱再次流行的年代，這首歌因為第一屆超級星光大道冠軍林宥嘉，而再次進到眾人耳內。不同的聲線賦予了歌曲不同質地，就如蕭煌奇近期也將曾寫過的歌，如〈慢冷〉、〈內傷〉、〈沒那麼簡單〉等重新演繹，渾厚又細膩地詮釋創作歌曲的初衷；而〈你是我的眼〉不只是一首歌曲，更明確地轉譯了蕭煌奇的生命經驗。 特別是那句：「眼前的黑不是黑，你說的白是什麼白。」正唱出視障人士所看到的世界，如蕭煌奇所說：「我覺得，我的眼睛是被一片霧擋住，而不是完全黑暗。」若是如此，作為創作歌手的他怎麼將顏色、形狀等視覺傳達為文字與聲音？或是，如〈心裡有針〉對「針」的質地、〈上水的花〉中花朵的「美」、〈送予你的歌〉裡的「罩雺的山」等辭彙，又如何被蕭煌奇理解，然後在演唱裡表達呢？ 努力記著，也努力記住關於音樂的一切 多數畫面是蕭煌奇在高中一年級前曾有微弱視力時的記憶。 蕭煌奇因先天性白內障，出生所見是一片全白，4歲時的眼部手術讓他恢復些微視力，他說：「國中時是可以看得到一點點的，差不多是0.05的視力，還不到0.1。」那時候的他，在學校裡學習比較正統的音樂課程，如樂理、古典音樂的技巧等，也參加合唱團、管樂隊等，讓從小就喜歡跟著家人一起唱歌的蕭煌奇累積了音樂基礎，多數樂器都是在這段時期開始學習。 到了高一，他因用眼過度，再次失去視力，「上帝再次在他眼前遮住了簾，忘了掀開」（改寫〈你是我的眼〉歌詞）。所以，蕭煌奇描述了那時候學吉他的經驗：「在學習彈吉他的時候，一般人可以依靠視覺，然後去看吉他的構造，或是爬格子的時候也可以用視覺去輔助。後來我看不到，其實就是要用更多時間去反覆練習、反覆知道每個位置在哪裡。」當時的學校教育並未提供特殊的學習方法，特別是流行音樂更是跟著學長姐去玩，或許就是因為興趣與天分，讓他一步步踏上音樂的道路。 蕭煌奇特別提到，當時聽到喜歡的歌曲，就會開始試著抓旋律，這也成為創作的其中一個開端；但是，這些旋律並沒有辦法被寫下來。他說：「寫樂譜，對我們來講就太困難了！所以後來都是用『記』的，不管什麼樣的和弦、或是什麼樣的音、什麼樣的歌詞，所有的東西都是要背的，其實這是比較辛苦的部分，跟一般人不一樣。」就連表演
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特別企畫 Feature 舞蹈家林靖嵐：用腳底板抓緊節拍，踩在音樂的震動上
走進藏身在三重公寓裡的排練場，在震耳的樂音中，林靖嵐帶著4名舞者數著呼吸，口語與手語兼用地為了幾天後的演出排練著。她滑著手機裡的歌單，有 〈Lalisa〉、〈Pink Venom〉、〈旗開得勝〉等，都是快節奏的動感音樂，音響放在排練場上的木質地板上，他們用腳底板抓緊節拍，配合著彼此的呼吸，一個動作都沒落下。 這名有著先天性聽覺障礙的舞蹈家，鼓勵、帶領跟她一樣有著聽覺障礙也喜歡跳舞的人們，創立了台灣唯⼀的聽障舞蹈團。2020年，因為一封編舞家王珩與大可創藝的來信，他們開啟了為期3年的聽障共創計畫，並於2022年底，由王珩、林靖嵐，攜手9名聽障╱聾人表演者，發表了《我們在安靜中跳舞》。聽不見的世界，真的是一片靜寂嗎？在安靜中，又是如何跳舞？透過林靖嵐的故事與觀點，讓我們一探究竟。
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澳門劇評人票選出兩檔回響兩極的年度演出
評論網站「評地」劇評人票選2022年澳門「值得一記的演出╱現象」，11名劇評人共提名17部演出，其中最高票數演出為音樂劇《宜民傢私店》和改編自澳門電影的獨腳戲《藍色時分》，兩劇均獲4票。這兩部演出，一為面向大眾的音樂劇，另一則為實驗性小劇場，演出後均引來兩極化的回響。 《宜民傢私店》由澳門文化中心主辦。2020年，文化中心推出「本地演出委約製作計劃2020-2022」，投入近200萬澳門幣，委約創作4部全新製作。由徐靈芝執導、莫敬鋒編劇的《宜民傢私店》即為上述部委約作品之一，北歐傢私店2020年首度進駐澳門，引起朝聖熱朝，劇本講述4個沒有血緣關係的「家人」偷偷寄生在這個傢私店，展開何謂「家」的思考。劇評人觀察到該劇現場觀眾「近乎瘋狂的熱情」，現場尖叫、歡呼、掌聲連連，但另一方面在不同的評論評台卻出現大量有關編、導的負評，一方面有人認為它「觸動心情的情節、貫穿各式名音樂以此致敬，引起共鳴。」亦有人直言「再一次教會人要客觀看待自己的作品，作品不夠好就別拿出手」。 而《藍色時分》則為「足跡小劇場演書節」作品，由梁建婷創作、演出，莫兆忠編導的獨角戲。該劇改編自周鉅宏編導的電影短片《見光》，電影版的女主角梁建婷將自己在片中的角色獨立成章，改編成獨角戲，以意識流的敘事結構，呈現女主角跟父親在荒野堆藏男友屍體時的交錯記憶與心理狀態。演後不少觀眾對劇作的敘事與表演風格表示費解，同時亦有劇評人認為是少有改編自本土電影的劇作，「整體演出是抽象的、小眾的，但那就是自身特色。」
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香港防疫鬆綁後，表演藝術界終於展現新氣象
香港各界飽受3年疫情衝擊和防疫措施之苦，政府硬說疫苗通行證和掃瞄「安心出行」應用程式的重要性，去年底神奇地一朝化解，交流又逐步恢復正常。好消息是劇場觀眾席可以100%開放，也大為減少取消演出的可能。過去3年都未能如常舉行的香港藝術節，本來小心翼翼分階段安排節目宣傳，現在也終於順利迎來海外藝術家來港表演，這對觀眾和藝術節來說真的是兔年最佳禮物。 畢竟防疫措施也剛放寬不久，大型歌劇應該要等明年了，但不少藝術節節目也頗令人期待。如由威廉．肯特里奇執導，里切卡爾古樂團及南非木偶劇團演出的蒙特威爾第《尤利西斯歸鄉記》；探討環境與記憶之改變與消逝的《水之書》是集結多種表演媒介的音樂劇場作品；至於莎劇新玩法的舞蹈劇場《茱麗葉與羅密歐》就撕破了愛情童話，要回歸現實的兩人面對生活的殘酷。 至於本地製作票房秒殺的肯定是《飯戲攻心》舞台版。去年的電影《飯戲攻心》票房異軍突起，圍桌吃飯的日常卻是三兄弟面和心有刺的攻防戰，擔綱改編的陳詠燊是電影版編導，舞台版導演則是去年將莊梅岩新作《我們最快樂》以拆解和後設處理，加上形體探索，讓觀眾眼前一亮的黃龍斌。 當一切復常，是否只是回到常態，或有新的可能？對不少藝術機構來說，去年開始了行政高層大變動，至今年陸續上任，也讓人期待。如曾出任教育機構行政總監的葉思芬接任香港藝術中心總幹事；資深作曲家和音樂策劃龔志成出任西九文化區的當代表演藝術主管；原任香港藝術節發展總監的余潔儀，接任退休的何嘉坤為行政總監；將上任接替陳敢權擔任香港話劇團藝術總監的會是本地著名編劇潘惠森。新年新氣象，期待火花四濺。
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上海直播間成為蠶食演藝市場的「第二舞台」
防疫政策開放後，中國演藝市場雖開始呈現全面復甦跡象，但網路直播間成為瓜分蠶食傳統演藝市場「第二舞台」的苗頭已勢不可擋。據最新發布的《2022抖音演藝直播數據報告》顯示，過去一年包括戲曲、音樂、舞蹈、話劇等表演藝術類直播在抖音開播超過3,200萬場，平均每場觀眾超過3,900人次，跡近每天都有近9萬場中等觀眾規模的演出在抖音上演。相反，即便是黃金演出季的五一假期，傳統實體演出場次總和也只有5,900場左右。 截止目前，僅僅抖音的表演藝術網路直播行業規模已高達1,844.42億，相關行業的直播帳號達1.41億個。觀看熱度攀升最快的5大演藝直播類型為音樂劇、舞蹈、話劇、喜劇、雜技，其中白領觀眾熱中的音樂劇直播觀看人次較往年同期瘋漲到978%。 同時，總計有231種戲曲藝術在過去一年開播超過80萬場，從受眾來分析，各年齡層對傳統演出有不同偏好：90後、00後愛看相聲，80後欣賞古琴古箏，而70後、60後則對京昆、粵劇、豫劇、黃梅戲等戲曲表演樂此不疲。 值得關注的是，觀眾踴躍為主播打賞已給直播市場和演藝經濟賦予了新的動能。報告顯示，近一年來抖音演藝類直播打賞的收入較往年同期增長46%，逾6萬名的表演藝術主播月均直播收入高於萬元人民幣。有73.6%的戲曲藝術主播透過直播而收入不菲，甚至還讓不少瀕危劇種透過打賞等收入獲得新的營運生機。 顯然，直播對表演藝術行業有「打造新舞台、帶來新收入、培養新觀眾」的價值。一些優秀的表演專案固然可獲得更好的傳播發展，但主播們的才藝和魅力能否持久地黏住觀眾，新的劇碼能否經得起更為挑剔的3秒鐘刷屏的檢驗，將是直播間作為第二舞台必須面臨的挑戰。
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特別企畫 Feature 西洋音樂史中的藝術家身影身障音樂家，後來怎麼了？
翻開西方古典音樂歷史，可看到多位知名作曲家也同時是生命鬥士，在對抗病痛與身體不便下維持創作動能，如作曲家貝多芬（Ludwig van Beethoven，1770-1827）、史麥塔納（Bedrich Smetana，1824-1884）的聽覺受損，因眼疾而手術失敗、進而失明的巴赫（Johann Sebastian Bach，1685-1750）、韓德爾（George Frideric Handel，1685-1759）。當作為音樂創作中雙向接收刺激的關鍵途徑的「視」與「聽」受到病痛侵襲瓦解，他們如何面對這樣的生命習題？儘管無法改變人生軌道，與之共存是僅存的正面力量，透過音樂創作記錄自我內心歷程，成就了作品內涵，更強化藝術創造的價值與重量。
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特別企畫 Feature 打擊樂家艾芙琳．葛蘭妮：以多重感官，打開世界的多元聆聽可能
艾芙琳．葛蘭妮是世上第一位以獨奏家姿態縱橫樂壇的打擊樂演奏家，在2007年以傑出成就獲英國女王伊麗莎白二世親授皇家爵級騎士司令勳章（DBE），她的音樂生涯在眾人的質疑聲中開啟，也不斷以優異的演出及實際作為來回應種種偏誤的刻板認知。 聲響的受器只能是耳朵？ 德國導演湯瑪斯．里德爾施埃默（Thomas Riedelsheimer）在他2004年榮獲BAFTA Scotland最佳紀錄片獎的電影《觸覺聲音：葛蘭妮的聲音之旅》（Touch The Sound：A Sound Journey with Evelyn Glennie）中，拍攝了葛蘭妮在學校指導一名聽障生的過程，兩人先用眼睛仔細觀察了室內大鼓（Concert Bass Drum）的鼓皮被敲擊時的狀態，隨後她邀請學生一手持鼓槌擊打，另一手觸摸著鼓胴，留心感受經由敲擊產生的振動，在兩人用同樣的方式體驗過各式尺寸不一的樂器後，她讓學生指出不同樂器產生的振動能在身體的哪些部位形成共振。 葛蘭妮隨後解釋道，演奏家敲打了樂器後，在觀眾的感知中，他們聽到了一個聲響，該聲響經過一段時間就消失了，但對演奏者來說，在聽得到的聲響之外，還可以透過視覺及觸覺感知到振動在持續發生，體驗一個聲響始於擊打瞬間、止於振動消失的完整過程，因此她興奮地對學生說：「事實上，我們聽到的更多。」 8歲時因疾病而逐漸成為深度聽力喪失者（profoundly deaf）的葛蘭妮，在以打擊樂獨奏家的身分進入公眾視野後，人們對她的故事產生極大的興趣聽障者何以成為專門處理聲響的音樂家？她又如何「聽到」音樂？然而大部分的臆測與疑問皆來自對聽力障礙的誤解，她因此親自執筆寫下了《聽覺散文》（Hearing Essay）詳述自身的聽力狀況，如何利用其他的感官覺察聲音，並將聽覺定義為「一種特殊形式的觸覺」（a specialized form of touch），當某個聲響事件發生時會透過空氣的振動傳播開來，多數人透過耳朵接收如此振動，但那不是人體唯一的接收管道。 葛蘭妮在中學時期經歷了特殊的訓練，在埃倫學院（Ellon Academy）打擊樂老師朗恩．福布斯（Ron Forbes）的建議下，她取下助聽器
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特別企畫 Feature 小提琴家和波孝禧：人生充滿挑戰，但人類有無限可能性
2022年12月1日，日本指揮家小澤征爾睽違4年指揮齋藤紀念管絃樂團，並且透過世界網路播送，傳達出世界和平的祈願，全球觀眾皆受感動。在下台前，可以看到大師特別伸出手來，想要與小提琴聲部的一位團員握手。這位團員則沒有第一時間回應，是在鄰座團員的引導下，才伸出手來。因為這位團員，是一位全盲的小提琴家和波孝禧。 視障音樂家並不少見，但由於絃樂器的特殊性對視障者來說以是高門檻。進一步還能在樂團當中演奏者，和波孝禧應該是少數中的少數，這也令人好奇究竟是怎樣的人生歷程，讓他能在世界最頂尖的齋藤紀念管絃樂團中，占有一席之地。 學習路上的兩樣幸運符 學習小提琴的起頭，和波孝禧認為一切都是「幸運」1945年出生的他，正逢二戰結束，日本資源匱乏，連襁褓時期為了進行視力檢查，都因停電而斷斷續續了3天，才確定他為天生全盲。不過，從小和波孝禧就對於音樂有很大的感受力：「小時候我還曾經一定要媽媽唱歌，我才肯吃飯。」因此也開啟了母親認為可以讓和波孝禧學習音樂的想法，正好那時父親在百貨公司買了一把兒童用的小提琴給和波孝禧當4歲生日禮物，在作曲家友人弘田龍太郎的建議下，就開始了學習。尤其在他的住家附近就有一間採用鈴木教學法的音樂教室，當時的老師相當樂意給予4歲的和波孝禧一對一指導，便就此開啟學習之路。 隔年，全家因父親工作緣故搬至大阪。由於盲生的教學相當耗時耗力，當時父母幾乎找遍了所有音樂教室都碰壁，沒想到這時出現了一位名師辻吉之助，表示願意收和波孝禧為徒。「這位老師是小提琴怪傑，當時他的女兒辻久子也是相當出名的小提琴家，13歲就得了日本音樂大賽第一名，但吉之助老師並不滿意，因為他覺得自己女兒原本就是天才，得到好成績沒什麼了不起。但如果他能教導一位盲生得到第一名的話，應該就會被樂壇認可！」在這恍如電影情節的人生劇本中，和波孝禧果然在他的指導下獲得日本音樂大賽第一名。 除了求師過程的幸運外，和波孝禧認為自己的另一份幸運，來自當初父母的作曲家友人弘田龍太郎的建議：「他表示如果我要學音樂的話，一定要立刻學習辨認點字跟點字樂譜。」正好弘田龍太郎的學生之一也會點字，因此和波孝禧的母親自己先去學習，再回家教導才4歲的和波孝禧，到了7、8歲
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維也納導演米洛．勞7月起接任維也納藝術節總監
「我想要以維也納藝術節（Wiener Festwochen）的偉大傳統為基礎，創造一個神話般、強大、又富爭議性的藝術節。它應該要是能跟每個人站在一起，為每個人而發生的藝術節：一個讓眾多聲音並存、形式多樣，充滿熱情和戰鬥力的世界劇場。一個屬於維也納和這個世界的藝術節。」將於今年7月接任維也納藝術節（Wiener Festwochen）藝術總監的瑞士劇場導演米洛．勞（Milo Rau）在新聞稿中強調。 米洛．勞的作品常直接以歷史、社會與政治事件為題，梳理並揭露事件深層與多面向的真實，並以細緻敘事手法著稱，被評論稱為「感性的政治劇場」（sinnliches und politisches Theater）。他在2018年接手比利時根特劇院（NTGent）時發表了〈根特宣言〉（The Gent Manifesto），聲明「劇場裡呈現的，不再只是描繪世界。這是關於改變它。目的不在描繪真實，而是使真實本身再現。」提問「戲劇能為現實做什麼？」，並試圖在根特建立一個可以專事國際巡迴演出，屬於「全球的人民劇院」。而今，他即將切換城市與文化視野，進駐維也納，任期5年。 維也納藝術節在每年5月和6月間舉行，以戲劇、歌劇和舞蹈為主，邀請世界各地的藝術家與團體參演，約莫是 40 部作品、175 場演出、70 場音樂會的規模，每年約有18萬人次參與，非常考驗組織者的國際人際網絡及動員力。宣布接任同時，米洛．勞也宣告合作名單上會有德國劇場導演帕西弗（Luk Perceval）、比利時編舞家布拉德勒（Alain Platel）和西班牙導演暨表演者安婕莉卡．利德爾（Angelica Liddell）。他也將在來年藝術節中發表結合現實中亞馬遜地區原住民進行的抗爭與古希臘悲劇《安蒂岡妮》的新作，評論家認為：「此作將在公眾視野下，挑起長時間的討論，遠比傳統、古典的劇場裡能看到的任何作品都還要久。」
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東京野田秀樹成為榮獲ISPA「傑出藝術家獎」之日本第一人
甫於2022年10月在台北國家戲劇院帶來《Q：歌舞伎之夜》（A Night At The Kabuki）的導演野田秀樹，成為首位榮獲表演藝術國際組織ISPA（International Society for the Performing Arts）所頒發之傑出藝術家獎（Distinguished Artist Award）的日本得獎者。這個獎項是由來自各國的製作人推薦及評選，鼓勵為表演藝術奉獻，且具備高度才華及藝術性的傑出藝術家。包含彼得．布魯克（Peter Brook）、羅伯．勒帕吉（Robert Lepage）、碧娜．鮑許（Pina Bausch）、馬歇．馬叟（Marcel Marceau）、巴瑞辛尼可夫（Mikhail Baryshnikov）等都曾獲此殊榮。本次獲獎，歸功於野田秀樹的劇團「野田地圖」（NODA．MAP）於倫敦沙德勒之井劇院（Sadlers Wells Theatre）演出《Q：歌舞伎之夜》的成功，並肯定該劇在疫情時代長期挑戰在國際演出作品的精神。 兼具劇作家、導演、演員多重身分的野田秀樹，除了在國際市場上備受關注外，身為東京藝術劇場藝術總監的他也從2018年開始發起「東京演劇道場」計畫，親身擔任「師範」，邀請自己所信賴的國內外導演、編舞家等為道場學員進行各式類型的工作坊，成為培育日本年輕戲劇人才的重要推手。首屆活動更吸引來自沖繩到北海道，8歲到70歲共約1,700多人參與徵選，最後從中選出60人參與工作坊，集結成員發表4個版本的《赤鬼》一作。2021年開啟的第二屆「東京演劇道場」，則於2023年1月底起進行為期兩週的演出發表，邀請導演柴幸男帶領學員們呈現美國劇作家懷爾德（Thornton Wilder）的《小鎮》（Our Town）。野田秀樹表示，希望這個計畫能提供戲劇工作者相互刺激的平台，成為演員們研習修行的場域。
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首爾室內口罩解禁，觀眾雖回流仍顯不安
韓國政府於 1 月 30 日正式解除室內口罩禁令，除搭乘大眾運輸工具及進出醫療設施時仍需依規定配戴口罩以外，民眾於大型賣場、學校、室內演出場館等地，可視情況自行決定有無配戴口罩的必要。從國境解封到口罩解禁，國外演出團體及遊客紛紛造訪韓國，各種室內展演票券熱賣，甚至更超越疫情前平均票房水準。 然而實際走訪室內展演現場，仍可見多數觀眾配戴口罩，原因不外乎為健康與安全考量。韓國本土疫情雖已緩和，若因降低警覺而確診，仍需履行7日隔離義務，造成生活及工作上的諸多不便。許多韓國民眾認為，戴口罩除了落實個人防疫，也是照顧他人健康的積極作為；此外，口罩在冬季具有禦寒效果，到了空氣品質普遍不佳的春季，戴口罩也可以防止吸入微塵；也有民眾表示，由於多數人在密閉空間內仍配戴口罩，不戴口罩反而招致旁人側目，造成心理負擔。 面對口罩解禁，展演企劃方及場館營運方依舊抱持謹慎態度。在中小型劇場林立的大學路，多數館方仍貼出「自發性配戴口罩」、「未配戴口罩時減少交談」、「建議於大廳及觀看演出時配戴口罩」等告示，以維護觀眾及演員的健康；在兒童音樂劇的演出現場，開場前也特別呼籲全程配戴口罩。 雖然距離疫情前的「無口罩生活」還需要一段重新適應的恢復期，解除戴口罩義務，已經可以視為恢復疫情前日常的正向訊號。
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少年往事獨角馬的風景，在劇場
從北部到南部，再到東部，環了台灣一圈的王友輝，沒離開過的僅有一地：劇場。 他的劇本《安平追想曲》在2011年首演，2019年重製；即將於臺灣戲曲中心登場的《鳳凰變》，從2000年開始構思，經2004年讀劇、2012年由中國文化大學首演，又回到秀琴歌劇團，經王友輝重新修訂，超過「十年磨一劍」。只是，也不適合用「十年磨一劍」來形容，因為出生於1960年的王友輝，至今已創作出60個大大小小的劇本這把劍，不過是其中一把。 但用武俠高手來說王友輝，其實不穩妥；如他說，演出果陀劇場《天龍八部之喬峰》的蕭遠山時，必須盤腿坐下、再彈起，但根本沒法做到，也落下傷底，「那之後，腳就好好壞壞，不能說是痛苦，但就怪怪的。」他不像個蓋世大俠，只是慢慢走，如行者，與空間、時間並行。