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特別企畫 Feature 第4站⮕德國．布藍什外格布藍什外格國家劇院
布藍什外格國家劇院（Staatstheater Braunschweig）是下薩克森州的一個機構，歷史最早可以追溯到300多年前。從1690年布藍什外格-呂納堡公爵（Braunschweig-Lneburg）安東．烏爾里希（Anton Ulrich）在哈根馬克特（Hagenmarkt）創立了德語區最早的公共劇院，名為哈根馬克特劇院（Opernhaus am Hagenmarket）。到18世紀中期開始，也定期舉辦戲劇表演。其中最知名的就是在1829年首演歌德的作品《浮士德》了。之後隨著時代的發展，劇院有過多次的改建與擴建，仍無法滿足現代劇院的需求，因此在1861年，全新的劇院落成。可惜的是在二戰期間部分建築遭到嚴重毀壞。
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特別企畫 Feature 第4站．同場加映藝文景點⮕德國．布藍什外格魏樂富與葉綠娜帶路，探訪歷史古城布藍什外格
布藍什外格是長年在台為鋼琴教育奉獻的德裔鋼琴演奏家魏樂富（Rolf-Peter Wille）成長的故鄉，在來台定居之後，每年仍會回家鄉2、3次。據魏樂富與葉綠娜夫婦所言，布藍什外格是德國樂器製造業的中心，這裡的威廉．席梅爾鋼琴製造廠是德國最大的鋼琴廠，該公司於1885年由威廉．席梅爾（Wilhelm Schimmel）在德國的萊比錫創立，接著移到布藍什外格，以生產高品質的樂器而聞名。席梅爾家族4代後來管理並發展了家族企業。自2016年以來，Schimmel成為中國的珠江鋼琴集團所擁有。所有的鋼琴更名為Fridolin Schimmel，並且移到中國珠江鋼琴廠生產。 而這裡的格羅特里安-史坦威（Grotrian-Steinweg）也非常有名。事實上，無論在德國註冊的「葛洛蒂安－史坦威」也好，或在美國註冊的「史坦威父子」（STEINWAYSONS）也罷，都是源自亨利．史坦威（Heinrich Engelhard Steinweg）。史坦威家族於1835年成立的工作室，後來因戰亂而分家。但原地的Grotrian-Steinweg 每年有青少年鋼琴比賽，最後得獎者都會在布藍什外格國家劇院演出。
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特別企畫 Feature 第5站⮕德國．漢堡易北愛樂廳
德國漢堡是歐洲的第二大港口城，繁忙的港口讓漢堡成為德國北部最富裕的城市，易北愛樂廳（Elbphilharmonie）因其長達10年的營造期程，與不斷追加的預算，讓這座音樂廳在2017年開幕之前，就成為眾人目光的焦點。這座音樂廳由設計北京鳥巢、東京表參道Prada，並獲得普立茲獎的瑞士建築師Herzog de Meuron事務所操刀， 建築師和房地產開發商Alexander Grard與其藝術史學家妻子Jana Marko 於2001年提倡在歷史悠久的易北河碼頭倉庫上建造一個音樂廳，音樂廳的一至七層使用了港口倉庫A（Kaispeicher A）37米高的基座。音樂廳新穎的外型，海浪般的屋頂與港口的浪花相互呼應，玻璃立面總高度為110米，像是一個巨大水晶體。用玻璃面板彎曲和刻畫，捕捉天空、水和城市的反射，和倒映河水的玻璃帷幕，讓這它成為代表這座繁華海港城市的新地標。
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特別企畫 Feature 第6站⮕德國．漢諾威庫佩爾音樂廳
庫佩爾音樂廳（Kuppelsaal, Stadthalle Hannover）位於漢諾威市中心附近，是德國最宏偉的古典音樂廳，該音樂廳在二戰後曾短暫成為下薩克森邦的議會所在，因此是頗負盛名的場地。 這座有著華麗圓形穹頂大廳的市政廳建於1914年，在二戰中遭受嚴重破壞，1962年進行了翻修，巧妙的新設計優雅地融合了大廳原始的樣貌，最終在2016年進行了大規模的基本翻新，使其達到了現今的狀態。場館擁有白色牆壁和精緻的灰泥裝飾，以及60年代設計的較深色木材和明確的線條，使它看起來古色古香。在翻新後，配備了現代照明、劇場所需的技術機關等等，使它可以根據各種場合的需求，個性化地調整音響效果。舞台的後方頂端有大約3排圓弧狀的席次，2樓兩端近的包廂非常接近舞台，或說簡直在舞台上端，這樣一來，演奏家細微的表情變化一覽無遺。
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特別企畫 Feature 巡演終站⮕法國．巴黎香榭麗舍劇院
1913年5月29日，俄國作曲家斯特拉溫斯基與編舞家尼金斯基為俄國芭蕾舞團創作的舞劇《春之祭》在巴黎香榭麗舍劇院（Thtre des Champs-lyses）舉行首演。演出不久，觀眾因尖銳、不諧和的音樂，以及轟轟的吵雜節奏而暴動，身著俄羅斯民間傳統服飾與奇異裝扮的舞者，完全顛覆巴黎人對芭蕾舞的印象，不少人甚至奪門而出，隔日樂評更是大肆抨擊。一個月前才開幕的香榭麗舍劇院，劇院經理阿圖克（Gabriel Astruc）與當時的前衛藝術家有緊密的關係，於是大膽排演《春之祭》這齣驚世駭俗的作品，不僅讓該劇一戰成名，亦讓被認為是現代建築標誌的香榭麗舍劇院在歷史留名。 香榭麗舍劇院，雖取名香榭麗舍，卻不在同名的大道上，而是在附近、精品聚集的蒙田大道，離塞納河不遠。劇院內有3個廳，主廳（Le Salle）是半圓形、鏡框式舞台的表演廳，樸素的舞台上方有管風琴的音管，每層樓有著優雅的弧型線條，4層樓的座位，圓頂的天花板，以簡單線條的新藝術花朵造型為中心，圍繞著同風格的畫作，簡潔的設計，讓這可容納1,905人的廳顯得雅緻與大氣，相較於大眾熟知的巴黎加尼葉歌劇院，紅色的座椅更為舒適，空間更為寬敞，無論聆賞音樂或舞蹈，都很自在。另外有兩個廳，是3樓的喜劇廳（Comedie）可容納601人與5樓可容納230人的小廳（Studio）。建築外牆樸素的水泥飾板與強烈的幾何線條的建築造型，在裝飾藝術（Art Deco）流行的年代，顯得特別。雖然它沒有加尼葉歌劇院的華麗與皇家的貴氣，卻是20世紀現代建築的先聲。欣賞完演出後，走到塞納河邊，寬敞的視野與徐徐的涼風，令人心曠神怡，一場美好的表演亦永存於心。
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特別企畫 Feature各國媒體盛讚，NSO音樂現場直擊人心
一趟巡演，並非從出發的那一天開始，它的成功與否，從行前就決定了一半。2024巡演，NSO自規劃完成到啟程之際，從宣傳、售票、登上舞台皆同時向外傳遞訊息，因此從預備上路起，大量的資訊即燦爛如花。在台灣的行前音樂會之時，即有法國評論家飛一趟台灣搶先聆聽，訪問小提琴家黃俊文、作曲家李元貞，並實際走一趟美濃，體驗台灣風情。德國古典音樂權威雜誌《Das Orchester》在粉專上公布NSO的歐巡消息，媒體《Kultur Leben》也大篇幅採訪巡演獨奏家黃俊文，談論樂曲、演奏細節。 此次巡演，NSO在不同場次分別與3位獨奏家合作。來自台灣旅居美國的小提琴家黃俊文，以精湛的琴藝打入美國古典音樂市場，並且迅速在國際樂壇獲得高度評價。出生喬治亞現居巴黎的鋼琴家卡蒂雅．布尼亞季什維莉（Khatia Buniatishvili）亮麗的外型及自帶的明星光環，目前是歐洲古典音樂的寵兒。年方18的俄國鋼琴家謝沃洛德．扎維多夫（Vsevolod Zavidov）亦已在國際大賽中表現優異，人氣逐漸攀升中。 謝沃洛德．扎維多夫雖只在瑞士巴賽爾音樂廳演出一場，卻獲得瑞士媒體《AMG》極高讚賞：「他表現得如此自信，彷彿他已經這樣做了30年，充滿感情，但更重要的是：強勁有力。強弱音段使整個音樂廳、鋼琴和鋼琴家本人都震顫起來，深深地觸動著聽眾。更瘋狂的是你從來沒有感覺到扎維多夫在極限挑戰中，他似乎隨時可以自如地增加更多的強度。」同樣的美言也在樂團的配搭上，作者更讚賞他們是：「巴塞爾市音樂廳過去幾個月中最好的管絃樂團表演之一。」並表示：「無論是管絃樂團還是鋼琴家，都以一種強烈而精準的方式演奏，使許多人臉上都帶著熱切的驚愕表情。」安可曲《來自福爾摩沙的天使》之後，作者更感動地認為一向被視為缺乏前景的古典音樂，在這絕妙的結尾後，「再次證明了它依然充滿著生機。」
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特別企畫 Feature 音樂總監準．馬寇爾帶路回母校漢諾威音樂、戲劇與媒體學院現場直擊！
位於德國北部下薩克森州的州府漢諾威市的漢諾威音樂、戲劇與媒體學院（Hochschule fr Musik Theater und Medien Hannover，HMTMH）是個音樂專業的頂級學校，人才輩出，學生也經常包攬世界重量級音樂比賽大獎。許多知名的台灣音樂家如潘皇龍、魏樂富（Rolf-Peter Wille）、嚴俊傑、范姜毅等人都曾於此地就學。學校中最頂級的還是音樂類的教育課程，包括爵士樂、流行音樂等皆有涵蓋，但尤以鋼琴、管絃樂和室內樂等為強項。戲劇、歌劇院系等，則與漢諾威國立歌劇院和北德廣播愛樂樂團等職業表演團體關係緊密。旅行演奏於各地，NSO音樂總監準・馬寇爾在歐巡期間一早撥冗回到母校，夾雜著激動的心情與年少回憶，親自帶領大家探訪這個聲名遠播的高等學府。
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話題追蹤 Follow-ups終見曙光！？ 以數據凝視表演藝術的回溫
2023年，台灣表演藝術總算完整脫離為期3年的COVID-19疫情，似乎進入了一個蓬勃發展的階段。除了長銷定目劇等持續發展，更出現了如《勸世三姊妹》開售全面秒殺的現象，乃至於臺北市文化局宣布設立「臺北戲劇獎」，似乎呈現了台灣當前表演藝術的「榮景」。但這個感覺，是否真的反映台灣表演藝術的真實情況？或者，反映到什麼程度？ 以下僅透過OPENTIX兩廳院文化生活售票系統（以下簡稱系統）之數據，以量化方式更細緻地檢視台灣表演藝術「蓬勃發展」的狀況。必須強調，此數據僅能代表系統內部的銷售狀況，不能直接推論至全台各售票平台，乃至於非售票藝文活動之發展。
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藝@展覽藝術作為歷史的隱喻
以執導《烏布王》、《魔笛》等劇作為台灣觀眾所知的南非導演威廉．肯特里奇（William Kentridge，1955-）也是國際著名的視覺藝術家，臺北市立美術館與英國皇家藝術學院（Royal Academy of Arts，RA）共同推出「威廉．肯特里奇William Kentridge」大型個展，首度將他40年創作生涯的90餘件代表作在台呈現，並且梳理探究其創作軌跡。在他跨足雕塑、動畫、戲劇、歌劇、電影等多元觸角的背後，回歸一切創作生成的原點：一張紙、一支炭筆所構成的素描繪畫開始，肯特里奇以此發展出記憶、歷史和風景形貌交織的獨特藝術視野。 由素描轉譯延展的動畫語彙 肯特里奇的炭筆素描是他在1982年從巴黎返回約翰尼斯堡後，於「路口大道劇團」（Junction Avenue Theatre Company）從事劇場布景與海報繪製工作，才開始專注於視覺藝術創作的摸索。相較於油畫顏料層層上色的堆疊與昂貴，被一般視覺藝術家視為繪製草稿用的炭筆來自天然材料、更便於操作、具直覺和偶發性、易於塗抹且充滿不確定性等特質，反而貼近於肯特里奇的表現需求，因此成為他視覺創作的慣用媒材。這次展出的早期繪畫包括代表作《保育人士的舞會》（1985）和難得曝光的《船上的午宴》（1985）等皆為多聯屏炭筆畫作，從不同視角繪製場景內發生的事件細節，就像劇場觀眾從不同角度觀看舞台上的演出一般，而這些繪畫的主題都與種族隔離時期的南非社會現實有關。 「對於南非種族隔離制度的記憶甚至早於任何藝術創作的記憶。」肯特里奇曾如此說到。南非自1948年實施種族隔離起，至1990年代初廢除、1994年首次舉行不分種族的總統選舉為止，40多年的種族隔離政策受到國際社會的譴責與排擠，在此政策階段下成長的肯特里奇透過藝術省視這段惡名昭彰的歷史，他以象徵主義的手法為詮釋：畫中土狼、疣豬和獵豹等野生動物代表官員，燃燒的輪胎是隔離期間用以對付黑人的「火鍊刑」，《卡斯皮爾充滿了愛》（1988）指涉的是南非國防軍鎮暴裝甲車「卡斯皮爾」等，在畫面中與暴力相對的是沉溺於奢華生活的南非白人，兩種極端的場景一同構成南非社會的現實。 有感於真實世界並非如畫作一樣靜止，1989年肯特里奇開始創作定格動畫，他以炭筆素描作為動畫的源頭，在工作室
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雕蟲演技口輕輕
做人處事真的不要「口輕輕」，「口輕輕」廣東話的意思是：輕率的承諾，隨便開口就來，相對於「一諾千金」。 口輕輕大多時候都是可以走數不認帳的，但若口輕的對象是你老婆、你母親、或尊敬的師長，甚至老板，你的麻煩就大了。 不久前我到法國拍電影，順道在拍攝前去探望對我影響甚大的戲劇老師菲利普．高利埃（Philippe Gaulier），高利埃老師是世界知名的戲劇老師，真可說是桃李滿門，曾經在倫敦辦學，後又移回法國，不斷周遊各國，有教無類。跟他學習的學生中亦不乏出色的演員，他亦曾經到過台灣開講，相信台灣劇場界中也有不少曾是他的學生。 我和他在20多年前認識，他來香港教學，我第一次跟他學習，然後又去英國進階一年，及後又邀請他再來香港。他的教學方法奇特，跟一般我們所認知的演技方法迴異，可說是獨樹一幟。但每次結束課程後總有一種模糊感，愈學愈模糊，愈模糊愈好奇。 他曾經出版了一本談論他演技方法的著作（老師非常不喜歡用「方法演技」一詞，所以反過來用演技方法），是法文和英語的雙語版。我買回家收藏多年，曾經多次想從頭到尾細心閱讀，但因內文用字實在太深，最終都是放棄收場。 那次拍戲前的探望，在他法國的莊園住了10天，每天騙喝騙吃，陪他喝香檳，聊天，上課。希望可以再獲一鱗半爪，搞清楚心中的疑惑。 8天過去，大家都是天南地北，始終沒有對演技作過任何探討，正當絕望之時，一天晚餐過後，話題轉到他這本秘笈，我問他有沒有想過把它譯成中文，他太太說（他太太是日本人，我在英國跟菲利普上課時，她是我同班同學，後來嫁了給菲利普。拉拉關係，大家好說話哦）：我們已經找朋友翻譯了。我聽到後非常高興，終於可以看得明白了。我問，可以給我拜讀一下麽？當然可以！ 她立即把譯稿拿給我，我看了序言及第一章的一半，奇怪！完全不知道在說什麼。我向他們表達了我的觀點，他們說原來曾經給其他懂中文的朋友過目，大家都有同樣的反應。我衝口而出（口輕輕來了）：或許我可以幫你們修訂一下，若你們不介意的話。當然好哦！ 於是，第二天我交給他們序言的修訂，再兩天又譯了第一章。他們給朋友看過後的反應非常正面，說：終於明白了，而且很有菲利普說話的風格，你幫忙修訂下去吧！ 口輕輕的後果是不自量力，接下去的文本用詞和
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首爾韓版《司卡班的詭計》引進「輕鬆自在場」概念
韓國國立劇團自2019年改編首演莫里哀（Molire）的法文經典劇《司卡班的詭計》（Les fourberies de Scapin），將17世紀的敘事在21世紀重現，並且在每一季都融入韓國當地討論度高的社會議題，如大韓航空堅果返航事件、學制改編、論文瓢竊等，諷刺和幽默兼具，成為劇團的代表劇目之一。今年在明洞藝術劇場展開的第4季公演，首度針對兒童、年長者、感官或學習障礙人士設計全場開放式的無障礙觀賞服務（註）。 國立劇團設計的無障礙觀賞服務，包含演出進行間自由出入劇場、開演前40分鐘起入席、演出進行間不暗燈、歡迎觀眾攜帶可安定情緒的玩偶入場、劇場外休憩空間、事前提供演出詳細介紹資料、事前閱覽劇本、可觸式舞台模型導覽。此外，部分場次也為身體及感官障礙人士提供手語同步翻譯、封閉式語音解說、韓文字幕和出入場移動協助。
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東京表演藝術媒體「PANJ」全新改版 聚焦以「人」為主體
由日本國際交流基金會（The Japan Foundation）所營運的表演藝術網路媒體「Performing Arts Network Japan」（PANJ），在營運20年後於2024年4月1日全面更新上線，以不同以往的網站面貌重新與讀者見面。2004年所創立的PANJ持續提供日英雙語的日本與全球當代表演藝術資訊，並於每個月進行更新，更累積許多國內外專業人士的專訪文章，已成為使用者研究表演藝術最新動態的重要媒體。本次大幅度改版，除了事先徵詢國內外使用者及專業人士意見作為回饋外，更邀請資深戲劇媒體人伊達なつめ（Natsume Date）擔任總編輯，期待能夠傳遞更多元且創新的藝術新訊。 作為更新後的首波企畫，PANJ以劇團イキウメ（IKIUME）團長、同時也是長期受到關注的編導前川知大作為主角製作人物特輯。前川在2023年以《傳遞人魂》（人魂を届けに）獲得讀賣演劇大賞最優秀作品獎，並一直是日本表演藝術界的焦點人物。國際交流基金會在2021至2022年間，曾將他的5部劇本作品翻譯成5種語言進行出版。本次的專文更包含當時參與劇本翻譯的翻譯家所撰寫的評論，讓讀者更能夠深入前川知大劇本與創作的核心。 國際交流基金會表示，本次網站更新的核心概念是「人」，所以將聚焦於對國際演出有潛力或已有實際經驗的藝術家為對象，提供不同角度的側寫。而對於國外的重要策展人或劇場工作者，也預計以前所未有的視角進行介紹。PANJ除了持續向國外傳播日本當代表演藝術內容外，藉著本次改版，將新增更多實用且能反映日本表演藝術動向的資訊。
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藝號人物 People 導演呂毅新 用表演替下一代、替台南留下些什麼
作為土生土長的台南人，呂毅新從成長環境、接觸表演藝術，再到創立劇團，都跟府城脫不了干係。二度赴美求學返台後，她回到家鄉成立「影響．新劇場」，並從2015年開始與台南市文化局合作「十六歲小劇場少年扮戲計畫」（於2019年更名為「十六歲正青春藝術節」），一晃眼已過了10個年頭；而今（2024）年適逢台南400活動，影響．新劇場也與台南人劇團攜手推出《內海城電波》，在劇場裡帶著觀眾穿梭時空，認識以台南為基底所架空出的內海城風華。 校外輔修戲劇，兩次赴美求學 是到比較大之後，呂毅新才知道自己的成長過程跟同儕並不相同。 父母皆是學者，來往結交的多半是文學、藝術、劇場或電影界的朋友，從小她就跟著雙親看電影、跑劇院，還會請假去台北看雲門舞集演出，「我是在家裡知道美麗島事件的，因為有人跑來告訴爸媽，他當時親眼所見所聞，我以為別人也是這樣，後來才意識到那是因為我爸媽他們很早就在做很不一般的事。」因為如此，電影或表演藝術對呂毅新來說一點都不陌生，早已是她生活裡的一部分。 大學念成大中文系，她笑說自己其實有輔修「手語社」跟「戲劇系」，那時她開始在小劇場出沒，畢業後在華燈藝術中心當企劃，「常常要跑台北看戲，我乾脆把鴻鴻、黎煥雄的作品請到台南。」呂毅新所說的輔修，不只是發生在校內，透過投入南部劇場界的實務工作，她盡情接觸從小就熟悉的劇場。 但這對她來說還是不夠，在網路還沒面世的時代，她把圖書館裡與表演藝術相關的書都翻遍，也思考當時劇場在他人眼中的景況，「常有人說搞劇場很自溺，總是困在自己的象牙塔裡，跟劇場外的世界很脫節。」她不認同戲劇和社會界線應如此分明，自己寫作和做戲對象也包含不同族群。在劇場工作3年後，帶著精進的渴望，她決定負笈美國，繼續攻讀戲劇碩士。 那是呂毅新首次赴美求學，在蒙大拿大學（University of Montana）念戲劇的時期，她因老師之故而有機會跟知名的「被壓迫者劇場」（Theatre of the Oppressed）創始者、巴西劇場大師奧古斯都．波瓦（Augusto Boal）學習；「很多時候我們會區分這一塊是教育界來做、這一塊是社運圈的人做、這一塊是戲劇界的範圍，但波瓦的劇場實踐，讓這些事情產生了變化
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延長音站在時代之上
在音樂的宇宙裡，幾乎每20年即新星輩出，興奮地訴說著屬於自己的語彙。拉赫瑪尼諾夫（1873-1943）應該很難想像如今的王羽佳（1987-）在自己150周年馬拉松紀念音樂會中，一口氣演完所有協奏曲，穿著無比性感的禮服甚至舉行了一場大型實驗，記錄台上樂手及台下部分觀眾的心率，證實音樂的流動真能同步所有人的心跳！而貝多芬（1770-1827）、舒伯特（1797-1828）應該也很難想像在不到約莫20年後的蕭邦（1810-1849）於音樂上的想像是如此截然不同。花腔的迷人紋理成為可由鋼琴如詩似夢投射出來的歌唱，這在當時還與大鍵琴、擊弦鍵琴（Clavichord）相仿的早期鋼琴（Period Piano）音色上真的是判若雲泥，無法在同一個維度想像。 今年3月，一代宗師義大利鋼琴家波里尼（Maurizio Pollini）永遠地離開我們。他的驟逝，不僅令人錯愕、惋惜，更提醒著我們另一個時代的消逝。波里尼是1960年第6屆蕭邦大賽的冠軍，也是蕭邦大賽第一位非斯拉夫裔得獎者。他的得獎不僅轟動一時，得獎後的歸隱沉潛更是傳為佳話！因其沉澱修煉後錄製的蕭邦練習曲全集至今仍是難以超越的經典典範。然而，就如人工智慧ChatGPT，Sora的光速發展，鋼琴界人才代代輩出，我猜許多年輕學子可能已經不認識這位一代宗師波里尼，而更熟悉七、八、九年級代表生，甚至是千禧後的Z世代。如紀辛（1971-）、朗朗（1982-）、趙成珍（1994-）、任奫燦（2004-）等。 我時常在想，電影中預測的場景其實一一在現實世界中實現。蘋果於今年新推出的第一部空間運算設備Apple Vision Pro即還原了阿湯哥（Tom Cruise）在2002年電影《關鍵報告》（Minority Report）中諸多場景，也讓人聯想起漫威的《黑豹》（Black Panther），在電影中人人高科技化地對著只存在於視線中卻在空間中不真實存在的螢幕點擊操作著複雜的程式。想到如此，不禁產生巨大疑惑，為何阿諾的《魔鬼終結者》（The Terminator）系列電影，或威爾．史密斯（Will Smith）2004年的《機械公敵》（I, Robot）還不能帶給我們足夠深刻的警惕？現下人工智慧已能夠寫出比很多人更無錯誤的文章、甚至作曲、下西洋棋、創造影片，而這項技術還繼續飛駛發展中。若人們將同等的注意
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特別企畫 FeatureNSO 2024歐巡再起
繼去年在美、日巡演後，今年國家交響樂團（NSO）同樣以「台灣愛樂」（Taiwan Philharmonic）為名，在4月初重啟歐洲巡迴。樂團由音樂總監準・馬寇爾（Jun Mrkl）領軍，踏上3個國家國土：從瑞士蘇黎世音樂廳（Tonhalle Zrich）、日內瓦維多利亞大廳（Victoria Hall）、巴賽爾音樂廳（Stadtcasino Basel），經過德國布藍什外格國家劇院（Staatstheater Braunschweig）、漢堡易北愛樂廳（Elbphilharmonie）、漢諾威庫佩爾音樂廳（Kuppelsaal, Stadthalle Hannover），到法國香榭麗舍劇院（Thtre des Champs-lyses），共7場音樂會。一來展現樂團的實力，二來在末站也為了2024年7月台灣即將在巴黎舉行的「文化奧運」暖身。 為此，本企畫將分兩大部分， 第一部分「20204 NSO歐巡再啟」依序從巡演簡介，與音樂總監、作曲家李元貞、執行長郭玟岑的專訪，了解巡演從規劃、創作到表演的用心與思考策略。第二部分「2024 NSO 歐洲巡演地圖」，則帶讀者們一一探訪樂團所登上的音樂廳及其周邊藝文景點，並邀請定居台灣多年的鋼琴家魏樂富（Rolf-Peter Wille）及另一半葉綠娜引路，了解故鄉布藍什外格的歷史、名人及文化場所。最後由馬寇爾總監重回母校，親自帶領音樂學子嚮往的漢諾威音樂、戲劇與媒體學院（Hochschule fr Musik Theater und Medien Hannover, HMTMH）一遊。讓您宛如身歷其境，跟著NSO的步伐，走一趟歐巡之旅。
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特別企畫 Feature3國巡演7場音樂會 傳遞福爾摩沙之聲
1986年，國家交響樂團（NSO）在前身「國家音樂廳交響樂團」的時代，曾經到過古典音樂重鎮如德國、奧地利、維也納等重要音樂殿堂演出，寫下歷史。之後沉寂一段時間，直到2013、2017年兩度重啟歐巡，逐漸在國際間打出名號。回首來時路，從早年的自費到現在的獲邀演出、進入知名音樂節系列......走過無數歲月的期間，歷屆領航者、音樂家、行政團隊等，在一棒接一棒的傳承中所付出的貢獻，都在今日有了豐厚的累積。 繼去年在美、日巡演後，今年NSO同樣以「台灣愛樂」（Taiwan Philharmonic）為名，踏上瑞士、德國及法國國土。一來展現樂團的實力，二來在歐巡末站也為了2024年7月台灣即將在巴黎舉行的「文化奧運」暖身。
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特別企畫 Feature帶著台灣的音樂啟航，邁向亞洲頂尖樂團
「當第一次去新的地方演奏得好時，觀眾感到驚豔，但音樂行業發展得快，很快就會被遺忘；當第二次去時，可能喚起了對方的印象。當第3次、第4次之後，觀眾就會真正地肯定樂團。我們在做的，就是建立這樣的關係！」對於國際巡演，NSO音樂總監準・馬寇爾有著他長遠的計畫。確實，至今37歲的NSO征戰歐洲多個知名音樂廳，然而中間歷經很多年都未曾如此輝煌，直到前音樂總監呂紹嘉率團重啟，到今年才又有馬寇爾領軍邁入第4次的歐洲巡演。 歷經去年的美國、日本巡演後，樂團不僅獲得了國內外樂迷的掌聲，連馬寇爾自己也認為NSO有大幅度的成長。「巡演可以確認我們走在對的方向上，也能藉這個機會提升更好的品質。」在這樣的成績下，樂團再度出訪歐洲宣揚台灣，更是向前邁進了一大步。看著周圍的團員，馬寇爾了解有些人對歐洲很熟稔，因為學生時代曾在那裡求學，但對於第一次到訪的團員，除了有機會認識各國環境、音樂廳、音樂家之外，也能夠藉機會打開眼界，累積更多經驗與新的想法帶回台灣。 曲目安排上，選擇柴科夫斯基鋼琴及小提琴協奏曲、德弗札克第8號交響曲有非常實際的原因。馬寇爾表示：「多數的外國聽眾從未聽過這個台灣的樂團，所以我們必須有一個強烈吸引他們前來的理由。因此熟悉的樂曲、好的獨奏家，都是關鍵的因素。此外，當然我們也強調一定要有來自台灣的音樂。」為此準備的節目內容，即為NSO執行長郭玟岑所形容的「用音樂說土地的故事。」馬寇爾認為台灣有許多來自民間與自然的聲音，這對歐洲人來說非常有特色。因此除了演奏《美濃之道》外，他還讓傳統樂器在舞台上展現。例如第二樂章結尾有一個金鈸的擊響，馬寇爾則要求樂手不但將聲音敲擊出來，更要刻意拿著向前亮相，在傳遞音響的同時也讓觀眾清楚地看到它的模樣。 「所以來自台灣的我們，可以貢獻新的音樂理念！」他笑著說，以往我們接受的都是由歐洲傳到亞洲的，如今我們有一些特殊語言，反而能夠倒回去引起歐美注意。 在短短的十幾天內，樂團登上7個不同的音樂廳，著實是個相當大的考驗。馬寇爾笑著回憶：「蘇黎世和日內瓦的音樂廳都非常美麗，巴賽爾的音響效果也非常好，有點像台灣的國家音樂廳，但規模較小。易北愛樂廳則完全不同，聲音非常清晰，對樂手來說有點可怕（笑）！不過這也是好事，因為可以更注重細節和優美的樂句。」快速地適應不同的音樂廳、在有限的時間測試聲響、靈活
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特別企畫 Feature用管絃樂，說客家情
當代音樂作品的命運多舛，眾多樂曲總在首演後，就此塵封消逝。然而《美濃之道》卻在2024NSO歐洲巡演首度亮相前，就已被演出高達十數次了！這部有著高亢的獨奏、帶著客家山歌傳統，卻又有現代風味的作品，在作曲家李元貞的不斷琢磨下，儼然成為NSO攜出國門，打前鋒又留餘韻的迷人佳作。 樂曲原為2019年NSO受客家委員會委託，預定於2020年歐洲首演所作，可惜新冠疫情來襲，延至2022年在台首演。2023年為了美巡改編為單簧管絃樂五重奏帶到華府，直到今年才完整地將管絃樂版本帶到歐洲。不過這首作品也相當爭氣，在2020年以室內樂版本錄製後，即以《來自臺灣呂紹嘉的原鄉情懷》獲得金曲獎最佳藝術音樂專輯。 回溯創作當時，李元貞的功課做得徹底，不但買書研讀、訪談，更直接到美濃采風。由於自己並非客家人，她更能以一位外來者的角度觀察、發掘與學習。但她對美濃也並不完全陌生，由於父親曾任地方記者，幼年時她便隨父親到訪過美濃。加上當地有一些家人、朋友，因此在接到委託時，她就認為自己「能從已經知道的地方開始，誠實地講出心裡所想的事實。」 事實上，李元貞對客家歌曲原本就不陌生。她透露在2006年就已經跟臺灣國樂團合作，由民族音樂學者吳榮順主持，在「臺灣真美」系列《客家風情畫》音樂會中，改編了多達半場客家音樂的作品，由客家歌手賴碧霞等人演唱。她回憶：「當時為了改編已經聽了很多原汁原味的歌曲，種下了種子，所以在13年後創作《美濃之道》時，就覺得內心已經有材料了！」 將自己放進美濃的時間，李元貞感受著當地的水氣氤氳、數著遠方層層交疊的的山巒，體會被土地包圍的感覺。她好奇當地人們日出而作日落而息的生活之道、人與人的關係，以及當地的風土民情直到與一位農夫描繪道：「這裡從早到晚，看到的天色是不一樣的！」這句話聽在作曲家耳裡，瞬間轉化成詩情畫意的點，讓她萌生了這首樂曲的開頭，於是氛圍、顏色、層次，逐漸在她的構思中蔓延開來。 另一個重要的參考元素，就是客家歌手李喜娣女士演唱的搖籃曲。李元貞說：「她的唱法讓我印象深刻，尤其是抖音特別多。《美濃之道》第一樂章〈八丘〉一開頭3個音，就是模擬那個山歌吟唱，所以小提琴首席就必須注意用一個很有特色的方法呈現。」而且因為山歌有詞，因此母
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特別企畫 Feature以土地的味道，打造品牌的辨識度
「旅行演奏這件事情很特別，因為每個廳都得調整聲音，因此樂團必須要變得敏銳。短短的旅程是一個團隊一起進步跟成長的好機會。雖然行程非常緊湊，但所有音樂家在台上都卯足全力專注在音樂中。」巡演期間，NSO執行長郭玟岑帶著微笑說：「樂迷以發出各種聲響來回應他們內心的喜愛，這是很美好的事情！」 回看此度，3場音樂會在富麗堂皇的瑞士音樂廳、3場在以古典音樂為榮的德國，以及1場在具有歷史意義的巴黎香榭麗舍音樂廳，最難得的就是讓鮮少直接表現熱情的歐洲人都能起立鼓掌。這表示近10年來，NSO以「台灣愛樂」為名在外巡演，一次次地在前人打下的基礎上持續累積所得到的成果。而今，樂團在歐美是什麼樣的存在？郭玟岑回答：「簡單來說，就是『品牌辨識度』。」國際上交響樂團何其多，但如今能夠做到被了解、甚至被認可，著實不簡單。 「國際巡演不賺錢，為什麼要做？要怎麼做？」郭玟岑回問自己。在與國外談判時， 什麼時候要軟、什麼時候要硬，恰當地拿捏談何容易。「但對自己文化有信心與責任心這件事情，就讓我們永遠不會放棄。」她以文化當內容，再加以完整的包裝來行銷。例如計畫演台灣作品前，便妥善準備了英文、德文資料，以及帶法國媒體預先來台聆聽音樂會。讓整個文化內容變成一個故事，並且用西方世界可以接受的論述來呈現。 再往前推，當年委託台灣作品時，就明確地將目標定在國際市場的標準上，「既要容易聽、也要有經過轉化的台灣元素等等」。此外，她還想到作品以組曲的方式創作，如此一來，在時間不夠的時候可以有彈性調整的機會。「也謝謝客委會特地到美濃拍了紀錄片。」她感激地說：「有作曲家及時任音樂總監呂紹嘉的現身說法，也有風土民情可以說故事。」因此在規劃上同時展現了雙重的關係：第一，樂曲有台灣本土作品、有柴科夫斯基的元素、也有德弗札克的民族音樂手法，所以曲目上就是一個「土地的味道」；第二則是將台灣作品與西洋經典作品並駕齊驅，這些都是事先準備好的策略。 以往巡演大多是台僑力挺，但現在已經是不同階段了！回顧這次巡演票房亮眼，郭玟岑認為原因不只是演出而已，而是樂團不斷在國際間參與會議、組織，以及跟媒體、樂團、經紀公司的分享等等，持續讓台灣愛樂以不同形式被世界看見所致。因此巡演不只是一時的，而是在產業中不斷努力。她說：「不管是哪一類的好產品，要進入一個市場，都需要很大的力氣去做市場
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戲劇永恆且共同的當下
今年TIFA推出《黑》與《鏡：KAGAMI》兩檔混合實境（Mixed Reality）的作品。《黑》改編自法籍作家塔妮亞．德．蒙泰涅（Tania de Montaigne）的書，訴說無名英雄克羅黛特．柯爾文（Claudette Colvin）在民權運動史上遭世人遺忘的一生。觀眾戴著HoloLens 2這款可以看到數位影像疊加在現場物件上的MR眼鏡在展場中自由遊走，故事中主角或人群的行為，以數位影像疊加在現實具體物件（像是椅子、窗戶、屋內裝設）上的方式，創造出明確的時空脈絡，推動並定義了敘事在公車、法庭、街道、虛構的美好世界這些不同場景間的轉變。觀眾可以穿梭在故事之中，甚至可以與劇中人物並肩坐在公車的座椅上，或者與民權運動者一同上街，抗議審判不公。 相較於《黑》在柯爾文生命史與美國民權運動史的不同時空之間轉換，《鏡：KAGAMI》則是坂本龍一留給後人的最後一場獨奏音樂會，整場表演都以坂本龍一的鋼琴彈奏作為主要場景，伴隨著曲目的變化，影像及氣氛只是效果與相應的視覺化表現而已。雖然觀眾可以戴著Magic Leap 2眼鏡在限定的範圍內自由移動，但在這個表演中，多數人的移動幅度都不大，往往是選定了一個特定的位置之後，就幾乎不變換位置地看完整場表演。