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澳门婴幼儿艺术节「Cute Fest」将登场 澳门儿童剧场更趋近以儿童为中心
紧接官方主办的「第二届澳门国际儿童节」之后，由「大老鼠儿童戏剧团」举办、澳门婴幼儿艺术创新网络协会协办的「Cute Fest」婴幼儿艺术节，将于9月4日至14日举行，来自澳门、新加坡、澳洲、波兰等地的婴幼儿剧场团体、导师将在澳门密集举行演出、讲座及工作坊。该艺术节延伸自「大老鼠」自2020年底开展之「推广及发展婴幼儿剧场计划」，原预计于2023年举行，由于疫情及政府资助条例的限制，延至今年发生。主办单位除推出本地创作的《亲亲．妈咪．大Tummy》外，也邀请了波兰亚杜飞剧团的幼儿音乐剧场《纸先生Satie》及新加坡The Artground的婴幼儿舞蹈剧场《跳进缤纷画室》到澳门演出。此外亦将举办多场分别为家长、幼教工作者和剧场工作者而设的分享讲座及工作坊，虽然首次举办但已具相当规模及国际化，也是澳门各个民办艺术节、戏剧节中，唯一以儿童、婴幼儿为对象的。
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脑海里的旋律敬畏经验与生命的奇妙恩典
这个暑假，我带著两个外甥在欧洲到处旅行：先沿著法国罗亚尔河沿岸骑了100多公里的单车，接受大自然洗礼。回到义大利之后，我们在艳阳高照的托斯卡尼居游，除了拜访文艺复兴发源地佛罗伦斯，也参加一年一度的浦契尼音乐节（Festival Puccini）：在大师生前最爱的塔湖别墅（Villa Puccini, Torre del Lago）附近举办；歌剧演出舞台面向著幽静的湖，四周环绕翠绿的山，沁凉如水的夜色里，我们聆听浦契尼生前最后一部作品《杜兰朵》。 和3千多个观众一起聆听浦契尼的作品，真的是一生难得的经验：「怎么这么好听？」大外甥听完最经典的咏叹调〈今夜无人能睡 Nessun dorma〉（编按：或译为「公主彻夜未眠」），忍不住赞叹；小外甥则是听到《杜兰朵》中的〈茉莉花〉旋律，感到十分亲切。音乐会结束后已是深夜，隔天我们说起外甥们第一次听全本歌剧的经验，而且是在浦契尼最喜欢的别墅旁，依著山光水色和靛蓝夜幕观赏大师的作品，最令人印象深刻的点，绝对是演出进行到第3幕 卡拉富王子抱著一颗勇敢的心和满腔热情，知道自己绝对能融化杜兰朵公主冰冷的心 美国男高音Gregory Kunde飙嗓唱到 all'alba vincer（黎明到来时，我将得胜），余音未止，全场掌声响起，那种集体的感动经验让人久久难忘。 「女高音和男高音都好会唱啊！」外甥衷心赞叹，演出过程中，我看著高挂的上弦月，不禁想到在罗亚尔河河岸骑车时，我们穿过一片古老森林，凉风习习，林中有清新的芬多精，我们大喊好舒服、好舒服艺术和大自然果然是人一生最好的朋友，在与美和天地亲近的过程中，孩子们深刻得到所谓的「敬畏经验」（awe experience）。 大脑科学家透过实验发现，拥有敬畏经验可以缓解负面情绪，减低生活和工作压力，进而提升日常幸福感：参加一场大型音乐会而得到心灵感动；在森林或旷野建行身心得到舒展；见是巨大的美丽却找不到言语来形容；抬头看银河忽然觉得自己宛若浩瀚时空中的一粒小灰尘；看到刚出生的小婴儿嚎啕大哭展现生命力，又或在告别式上领悟到肉身虽远去精神却长存这些都是敬
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四界看表演 Stage Viewer一场从失败出发的家族哀歌与告别旅程
从纽约到东京：《鼻血》的追寻旅程 「你认识你父亲吗？」这是《鼻血》（The Nosebleed）的核心提问，也是活跃于纽约剧场的日裔美籍创作者小川彩（Aya Ogawa）在此自传式作品中，抛向观众也抛向自己的困惑。这部作品，近年来在纽约剧场界激起广泛共鸣，以直率的手法、幽默的基调且深具实验性的文本书写，引导观众直视由家庭记忆、自我认同与跨国族文化所共织而成的复杂课题。今年11月，《鼻血》将于日本东京新国立剧场上演（注），不仅对这部作品来说，是种国际巡演的里程碑，对这位日裔美籍的创作者而言，无疑也是某种文化意义上的回返与对话。 语言与文化之间：小川彩的剧场世界 小川彩是一位横跨剧本创作、导演与表演的跨界剧场艺术家，出生于东京，成长于纽约，作品常围绕身分、语言、性别与家庭等主题。在展演形式上，她经常以集体创作的方式与演员、设计师共同发展作品，关注的不只是语言与文本，也包括身体性、音乐性与观众的互动关系，风格兼具形式解构与深层情感，富饶丰沛多层且爆发性的表演能量，持续打破剧场的第四面墙，并挑战传统叙事结构。她独特的叙事手法与蓬勃的创作能量，备受纽约剧场关注，曾与林肯中心（Lincoln Center）、The Play Company、Soho Rep、Bushwick Starr等纽约重要剧场机构合作。 作为双语创作者，小川彩擅长在英语与日语之间穿梭，将语言的转换作为思考文化与权力结构的一种方式，而其多语能力与跨文化思考，不仅展现在创作上，也实践于日本剧作的译介。她不仅曾翻译冈田利规、前川知大、市原佐都子、神里雄大等多位知名日本剧作家的作品，同时也是日本剧作家协会所推动的剧本英译刊物《演剧：日本剧场在新千禧年》（ENGEKI: Japanese Theatre in the New Millennium）的御用翻译，并为该刊物的选书委员。著名杂志《Time Out》评其译作为「毫不费力、语感道地的翻译」，而《Village Voice》则称之为「一场语感转译的奇迹」。
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新锐艺评 Review《日落大道》中的声音裂缝：莎拉．布莱曼的「解构式声响实验」
音乐剧作曲家安德鲁．洛伊．韦伯（Andrew Lloyd Webber）曾表示，《日落大道》（Sunset Boulevard）中的多首曲目，是以其前妻莎拉．布莱曼（Sarah Brightman）的声音为灵感创作。距此剧1993年首演至今已逾30年，如今年过六旬的莎拉终于亲自演出再制版中的女主角诺玛．戴斯蒙（Norma Desmond），她会如何化身这位执迷过往，且深陷妄想的过气影星？ 事实上，莎拉早在1995与2005年的个人专辑中便曾演唱该剧选曲，包括以歌剧式唱腔诠释的〈Guardami〉（义大利文版的〈With One Look〉）、甜美轻柔风的〈The Perfect Year〉，以及与约翰．巴洛曼（John Barrowman）合唱，采典型音乐剧唱法的〈Too Much Love to Care〉。但2025年我于台北国家戏剧院观赏她现场演出时，发现她并未试图重现过往的声音荣光（或许出于生理条件的限制），而是选择一种近乎挑衅的姿态，以不寻常、破碎、古怪、夸张且时而过度雕琢的演唱方式，使她过去的辉煌只能如同残影一般呈现。 女主角登场的第一首代表曲〈With One Look〉，莎拉即定调将使用歌剧式声腔为基底；然而，和1995年的版本之张力非常不同，她的声音孱弱且沙哑，咬字时而不清，有些部分虚到几乎快要听不见，舞台上的男主角和观众们似乎不可能听了这样的「陈述」，会在理性上认为诺玛有可能东山再起，但她又如此滔滔不绝，自信满满。第二幕的名曲〈As If We Never Said Goodbye〉，也承袭如此演唱风格，不过，应著剧情的发展，此刻的诺玛来到派拉蒙（Paramount）片场，并且天真地以为将主演自编的电影《莎乐美》（Salom），声音相较更柔顺与饱满，展现些许「希望」感，但依旧无法摆脱沧桑。可以说，莎拉是用音色演绎已「失去光泽」，却自我陶醉的诺玛。
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特别企画 Feature2025╱2026 乐季最前线：国际篇
2025╱26年乐季即将展开，世界主要乐团的节目策划无不在兼顾地缘文化、艺术传承与当代关怀之间取平衡。从亚洲日益壮大的策展自信、法国的跨域融合、德奥的重磅经典到英美的策展风格，这一季的国际音乐场景不仅延续了熟悉的传统，更处处展现未来的企图心。 亚洲的表现不容小觑，在稳健迎接国际音乐家之余，也以更清晰的在地立场、文化自觉与年轻策展人声音，回应全球艺术语境的快速演变。法国则以跨界与当代艺术语汇为导向，将音乐会转化为文化事件，模糊舞台与生活的界线，邀请观众进入一场多感官的艺术对话。 德奥地区仍以深耕经典作品为本，并逐步将新声音融入老架构中，在厚重历史与未来视野之间找寻当代聆听的位置。英美乐团则将策展意识推至前沿，从独立主题到大型跨年度专案，演出不只是「演什么」，更是「怎么说」。在这种架构中，曲目与语境并重，乐迷的体验被有意识地导向更深层的叙事。 国际乐季不再只是输出与输入的线性关系，而是一张立体交织的网络。透过这国际乐季脉动的观察，我们得以先行一窥全球古典音乐的节奏、语言与价值，如何在此刻被重新定义。
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特别企画 Feature 德国、奥地利「作品周年」「女性」成焦点 多样策划吸引乐迷兴趣
过去几年的新冠疫情，造成音乐会演出的长时间停摆，重创了古典音乐市场。在庞大亏损的压力下，德奥各大乐团使出浑身解数，设计各式各样的乐季节目亮点，以吸引观众的兴趣。 柏林爱乐 主打「作品周年」 有别于过去聚焦「作曲家周年」的主题设计，柏林爱乐（Berliner Philharmoniker）在2025╱2026新乐季改以「庆祝作品周年」作为节目亮点，一口气推出了华格纳《尼贝龙指环》系列（首演150周年）、布拉姆斯第1号交响曲（首演150周年）、比才《卡门》（首演150周年）、史克里亚宾第3号交响曲（首演120周年）、舒曼a小调钢琴协奏曲（首演180周年）、巴尔托克《奇异的满洲人》（首演100周年）等曲目，全部由首席指挥佩特连科（Kirill Petrenko）率团演出。
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特别企画 Feature 美国、英国美国建国250周年 交响乐界响应多但仍偏票房导向
对美国来说，2026年是美国发表独立宣言，建国250周年，有不少乐团藉这名义宣传，但似乎除了少数乐季开幕音乐会，整体仍然是票房导向。 旧金山交响：布隆姆斯泰特99岁指挥马勒第9 旧金山交响乐团（San Francisco Symphony）新乐季最重点，在于抢到近3年最热门机会，2026年将99岁的布隆斯泰特（Herbert Blomstedt）指挥马勒第9号交响曲。 布隆斯泰特属于老一辈指挥，他在NHK的马勒9号现场录音，被票选为乐季最佳演出，成为2022年赞助会员的免费赠品CD，日本二手市场已经疯狂飙涨破台币万元虽然，他之前有 与巴伐利亚的班贝格交响合作录音，并且透过商业发行（2019），但二手市场的非理性，也说明了能现场听这位老指挥的机会珍贵。如果能在旧金山现场欣赏，绝不要放弃以他的年纪，每一场都可能是告别演出。
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特别企画 Feature 亚洲四大旗舰乐团布局新乐季 凝聚在地特色走向国际舞台
在亚洲，古典音乐的环境一直有著与欧陆不太一样的风貌。几十年来，亚洲早已成为音乐家巡演的重要安排，不同城市乐团虽常见交集的曲目与客席名单，如何展现独到特色，无疑扎实反映了策划与品牌策略的能力与心力。香港管弦乐团、NHK交响乐团、上海交响乐团与新加坡交响乐团这4个亚洲顶尖乐团，正各自处在即将翻开下一章的关键时期。其于2025╱26年乐季的节目设计，将宣告著他们各自将如何走出新的音乐个性，对乐迷与业内人士而言，均格外值得期待。 多元策展与品牌实力并重 亚洲乐团开启新章 香港管弦乐团（简称港乐）迈入的第52个乐季，在迎接下个乐季上任的候任音乐总监贝托祺（Tarmo Peltokoski）之前，即为其安排了3个精采节目，乐季手册封面亦以其为主体，并一如往昔，在手册中为乐迷特别介绍了其中文译名的字义，满溢著众人的期待。当然，社会不可能只投注对年轻指挥感到的惊艳与新鲜，而没有质疑或考验，这一切将在接下来的音乐会现场中，由所有观众与乐手共同见证。 贝托祺在3个节目中均安排了其恩师、也是今年港乐驻团作曲家沙隆年（Esa-Pekka Salonen）的作品，包括取材希腊神话双子座中角色的《卡斯托》（Castor），另一场则指挥双子中另一个角色的《波路克斯》（Pollux），以及沙隆年的小提琴协奏曲。首场除了前述作品外，将与钢琴家郎朗合作葛利格的a小调钢琴协奏曲，以及西贝流士以北欧神话英雄为本的《雷明凯能》组曲（Lemminkainen）。可说为乐迷再次隆重地作出了宛如自介的致意。4月与乔瑟芙维琪（Leila Josefowicz）演出的沙隆年小提琴协奏曲是作曲家唯一的小提琴协奏曲，据沙隆年自述其为「试图将担任乐团音乐总监这些年的所学所感浓缩于此」的作品，作品中可见对声响色彩的追求、节奏与结构的掌握，或是对管弦乐团演奏可能性的理解，均淋漓尽致。沙隆年曾表示这阕作品的诞生自2008年6月动笔至2009年3月止，恰好9个月，他认为这是「美丽的巧合」，是一个如同生命孕育般的过程，而这也是沙隆年对当时对前一段职业生涯的小结，与贝托祺在港乐新的开始对照，别具意义。而乐季的压轴，则将带来佛汉．威廉士（Vaughan Williams）的《海之交响曲》（A Sea Symphony），与女高音睿思（Ch
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特别企画 Feature 法国巴黎歌剧院150年面临挑战 里昂歌剧院节目新颖亮点缤纷
在新的乐季，巴黎歌剧院（包含加尼叶与巴士底歌剧院）与里昂歌剧院，推出的剧码各有千秋。由于杜达美（Gustavo Dudamel）请辞之后，巴黎歌剧院音乐总监仍悬而未决，但今年适逢歌剧院150周年，只能由行政总监亚历山大．尼夫（Alexander Neef）带领行政团队挑起这个重担，音乐节目也从活跃的新生代与中生代指挥中挑选。反观里昂歌剧院，目标明确，以现代歌剧与新制作的创新，展现新风貌与新气象，颇有崛起之势。
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书信体双溪大年的梦
YC， 昨晚做了个梦，梦中又绕回老家双溪大年。我沿著从吉隆坡北上的南北大道走，疾步如飞，沿途经过岩石山岭环绕的地带，就知道路程过了一半，怡保到了，曾是主要生产锡矿的地方，早年有华人移工从广东、广西过来讨生活，客家人居多。小时候对怡保的印象，是有很多神秘的山洞庙宇，佛像在钟乳石的奇观间耸立，洞穴有风，吹拂著信仰的闪闪微光。我继续快步大走，到了可以拐弯到槟威大桥的路段，两侧皆是国际电子工厂，大桥两端覆盖著半导体产业地区，有「东方矽谷」之称的科技园区。老家有很多老朋友都在大桥另一端，槟岛的电子工厂上班。为了避免上下班的塞车时间，每天会提早两小时出发，开不到1小时的车程，到了公司，然后再晚两个小时下班回家，因为准时下班，也会在路程中塞车两小时，倒不如坐在冷气房，让时间渡过。 我继续往北走，脚程加速，仿若蜻蜓点水般，脚尖轻轻一踩就往前，终于来到双溪大年的南边出口，我顺著熟悉的方向前进，经过了峇甲亚兰工业区，兴盛的当年，曾经一度为地方的人们带来许多憧憬，相信这个乡镇即将跨越现代的门槛，摇身一变成都市。老朋友们毕业后原本都在这里上班，几年后却发现国际电子厂纷纷往竞争力更强的槟岛迁移，他们毫不犹豫跟了过去，我问过他们：「在这里工作不是更方便吗？靠近家，上下班都省时间。」他们笑笑：「一样的工作，一样的责任，薪水却有两倍差异，怎么不跑呢？为什么不跑呢？」我望向灰扑扑的工业区，不见往日光鲜璀璨，我明白，命运早就挥手往他方。 经过了大街的两排双层店屋，我来到了十字路口，不远处就是双溪大年的地标性建筑，12米高的时钟楼，是当年华人商家林连登资助，以纪念英国国王佐治五世在1910年至1936年的统治。据闻时钟楼下方曾有中英文铜牌，但在好几年前被偷走。我转向火车站走去，过去有条平交道，隔开了新街场和老街场，大街和二街等组成了繁华的新街场和市中心，我老家就在老街场。后来因为塞车问题日趋严峻，市政府在平交道上方盖了人行天桥，地面路段不再开放车辆通行，老街场和新街场无法直线往返，得从左右两侧拐弯再拐弯再拐弯才能抵达。有这么风水一说，原本如日中天的市镇自此掉头转向，新街场人流渐少，反倒是老街场热闹起来。而人行天桥因为盖得相当曲折，有不少死角，反倒让抢匪有机可乘，在那里待著当拦路虎。<
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槟城《中阴身》结合民俗与摇滚 一场跨越禁忌的另类丧礼
来自槟城的高永杰是独立音乐场景中的一个传奇，他除了是摇滚乐队的鼓手，本身也是一名继承家族事业的纸扎师，平日亦担任华人丧礼的礼仪师。年轻时组团参与各类音乐场景，从Swearwood、灰色地带、COMA演变到如今的䰱乐队，20多年来初心不变。他从面包师回归家传的纸扎店，白天忙工作晚上练团，一有机会就接演出，两年前应舞蹈家李瑞强邀请参与《昙花堂：非典型之旅》的正念剧场演出时，首次把本身对生死轮回的观念实践在创作上，于是便有了《中阴身》的雏形。 「中阴身」是佛教观念，指人的意识离开肉身后至投胎之前的一个状态，没有实体但感受强烈。可以瞬间移动，最终会受到生前业力的牵引，投生到六道轮回中的其中一道。了解中阴身，可以帮助人们更加理解生死轮回的意义。䰱乐队的「䰱」是一个古汉字，是指古代一种人面兽身的神明，䰱乐队擅长后摇（Post-rock）、庞克、迷幻和死亡金属等暗黑音乐风格，完全契合中阴身脱离肉身的撕裂氛围。
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音乐 纪念马水龙逝世10周年「孕育于山海之间」 重现台湾音乐巨擘的经典与深情
在马水龙（1939-2015）逝世10周年之际，国立传统艺术中心台湾音乐馆与国家交响乐团（NSO）携手呈献「孕育于山海之间」音乐会，邀观众一同走进这位台湾音乐巨擘的心灵世界，感受他笔下山海交织的情感与音符。 音乐会将于 9 月 11 日晚间在国家音乐厅呈现，演出阵容坚强，由指挥张佳韵领军NSO，钢琴家辛幸纯与梆笛演奏家赖苡钧担任独奏，并由台北爱乐合唱团与朗诵者雅柏苏咏．博伊哲努、邱文隆共同演出，主持人为颜绿芬。 马水龙是台湾音乐史上相当具代表性的作曲家与教育家，其作品融合西方现代技法与台湾本土情感，展现出独特的音乐语言，也是第一位在美国纽约林肯艺术中心以整场形式发表个人作品的台湾作曲家。他曾连任亚洲作曲家联盟总会5位执行委员之一，担任过亚洲作曲家联盟中华民国总会暨中华民国作曲家协会理事长，以及亚洲作曲家联盟副主席等。作为国立台北艺术大学音乐系的创系主任与前校长，他在课程架构与教育理念的规划上，深深影响了一代又一代的音乐人。此外，他创办了「春秋乐集」，鼓励同侪与年轻人创作，并积极参与文化政策与国际交流，为台湾音乐界带来深远的影响。因其非凡贡献，亦获中华民国总统府颁授二等景星勋章。 纪念音乐会中，将演出4首具有代表性的马水龙作品，涵盖其创作的中期与晚期，展现他音乐语言的多样性与深度。首先为《梆笛协奏曲》，此曲应中国广播公司委托创作，首演于1981年；全曲采用连乐章形式，融合梆笛的清丽音色与管弦乐团的丰富音响，展现出台湾音乐的独特风貌。管弦乐曲《孔雀东南飞》以中国古代诗词为基础，融合西方管弦乐技法，呈现出浓厚的台湾情感。《关渡狂想曲》钢琴与管弦乐以关渡地区的自然景观为灵感，钢琴与管弦乐的对话展现出马水龙对故乡的深情。《无形的神殿》男声合唱与管弦乐结合李魁贤的诗作，表达对台湾土地与文化的敬意，音乐语言深刻而感人。 这些作品不仅是马水龙音乐创作的精髓，也是台湾音乐史上的重要篇章。在同一场音乐会中，观众将有机会一同聆听这些经典之作，感受马水龙对音乐、对故乡、对土地的深厚情感。
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日常素描请问有鬼肯给问吗
寻鬼之旅走遍各处，发现人比鬼累、人比鬼难，人的各色烦恼琳瑯满目，走到极致，人其实比鬼更加可怕，所以我们的鬼片是否应该聚焦「鬼的原材料」，也就是人的身上？我们兴奋觉得，这就是答案。然而现实的谆谆教训很快就来，比人更加可怕的，是钱。
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戏曲 切．格瓦拉留下的那只「手」义兴阁《英雄制造》 重组自己的英雄
「所谓的英雄，或者是所谓的『被崇拜的人物』，好像不能是成功的。」义兴阁掌中剧团主演王凯生这么说：「不能成功，革命才会延续下去，他也才有可能会被视为一个有血有泪的英雄。」 这句话，恰恰回应了今（2025）年由国立传统艺术中心主办之「戏曲梦工场」的策展主题「乙巳革命」中的「革命」一词。 于是，义兴阁掌中剧团决定从古巴革命核心人物之一的切．格瓦拉（Ernesto "Che" Guevara）入手；但身为一个充满叛逆灵魂与中二精神的「摇滚」布袋戏团，义兴阁掌中剧团并不打算循著之前《GG冒险野郎》（改编自西班牙作家赛万提斯的经典著作《唐吉诃德》）的成功转译经验，仅把切．格瓦拉与他著名的回忆录《摩托车日记》（Diarios de motocicleta）作为取材灵感，重点则放在切．格瓦拉「成为英雄」的「制造」过程，也就是剧名英雄制造。
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柏林反对以色列政府对加萨作为等同「反犹」？ 《剧场今日》刊他国作家公开信表态批判
2025年7月，德国权威剧场杂志《剧场今日》（Thater heute）在第一页刊登了一篇相当不寻常的文章，是来自英国和爱尔兰387位作家联名的一封公开信全文，批判以色列政府在加萨走廊对平民进行大规模的屠杀行为。 此公开信以〈不同意的观众 Unzustimmende Zuschauer〉为标题，借用了国际人权联盟和国际刑事法庭以「同意的观众」一词，描述许多前南斯拉夫公务员在内战期间沉默看著军队对人民进行屠杀，这样的沉默，在战后被国际刑事法庭视为默许屠杀进行。如今，签署此信的作家们则不愿意对以色列在加萨进行的攻击保持沉默。 此文描述，在2023年10月哈马斯组织对以色列进行恐怖攻击后，被定调为犯下战争罪和反人类罪，这点毫无疑问。然而，当以色列对加萨持续进行无差别大规模攻击，使得每天数以百计的巴勒斯坦平民身亡，医疗人员、记者、妇女、孩童和身心障碍人士都成为攻击目标、人道救援物资管道被切断、巴勒斯坦累计死亡人数更超过6万人时，「时至今日，我们也必须以种族灭绝、战争罪和反人类罪来描述以色列政府对加萨居民的持续攻击」。 《剧场今日》刊登这封公开信的不寻常之处，在于它借用英国和爱尔兰作家的文字，刺进了在德国最为敏感的政治议题：指控以色列政府大规模攻击加萨走廊的行为是种族灭绝，是否算是反犹太主义言论？ 在德国，非常有可能。 2023年11月，德国最大的当代摄影双年展（Biennale fr aktuelle Fotografie）策展人之一，来自孟加拉的Shahidul Alam，在展览筹备期间于脸书上发表一则贴文，内容包括将以色列与哈马斯之间的冲突与二战期间犹太人大屠杀相提并论，并指责以色列对巴勒斯坦人进行种族灭绝。在贴文发表隔天，双年展的赞助单位集体撤资，再隔一天，主办城市曼海姆市政府决定直接全盘取消2024年的双年展，并且以违约方式立即遣散工作团队，理由是策展人Shahidul Alam发表反犹言论。 大约在同一时间，德国各文化机构都收到了「上级指示」，表示受到公立补助的各项文化计划不得透出「反犹色彩」，也就是，不得带有任何形式批判以色列政府的言论，也不允许任何同理巴勒斯坦人民或是支持双方和平协商的观点。德国政府和许多德国人民将反犹的定义与批判以色列政府绑在一起
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戏曲 五年级歌仔戏天王天后齐聚《爱。相随？》 重现「爱」的多种可能
国立传统艺术中心于去（2024）年推出「歌仔戏旗舰展演补助计划」，鼓励歌仔戏团队制作精致剧场作品，透过节目制作达成维护传统经典、衔接当代创意、探索未来趋势等目标，可以说是历来最具规模的歌仔戏制作补助计划。首部作品《爱。相随？》由财团法人廖琼枝歌仔戏文教基金会制作，将于今（2025）年七夕情人节正式首演。 《爱。相随？》的旗舰规格不只体现在演出时长，分成3天、4个场次才完成整个故事，同时也集结了台湾不同剧团、不同地区的「五年级」歌仔戏天王、天后，如许亚芬、郭春美、陈昭香、张秀琴、庄金梅、石惠君等演员，出演不同场次的重要角色，寄托了创作团队对于歌仔戏浓浓的爱，相随在作品里头。
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舞蹈让身体释放历史的记忆 《从指尖开始》用技术包裹童趣
如果有一天我们需要向外星文明解释人类为何物，或许「双手制造」（Made By Hands）舞团创团作《从指尖开始》（Du Bout Des Doigts）是绝佳的选择。 全剧以舞蹈史为切面，透过即时摄影、肢体、空间与音效的相互对话与让位，在严谨的形式使用和画面选择下，以童趣的手指舞蹈与轻巧的叙事节奏，在1小时的时间里，带领观众从已知用火的千百万年前，随著时光之河漫流回到当下剧场内部的肉身彼此；而在口语近乎缺席的状态下，重新观看地球历史与人类的记忆如何被记载与传承。
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音乐从西区、百老汇到台北 音乐剧明星「重聚」献唱经典歌曲
无论是来自纽约百老汇或伦敦西区，音乐剧向来以引人入胜的剧情、动人的旋律与充满张力的演出形式深受观众喜爱。许多经典作品如《歌剧魅影》、《悲惨世界》与《西贡小姐》等，不仅在全球各地巡演无数场，也留下了琅琅上口的名曲，为乐迷所熟知与珍藏。但倘若能在一场音乐会中一次聆听多部经典剧作的代表曲目，对许多音乐剧爱好者而言，无疑是一场难得的盛宴。如今，这样的愿望即将实现「重聚（The Reunion）」音乐剧明星演唱会即将登场，汇聚来自伦敦西区与百老汇的主唱群，将多部知名剧作中的精选乐曲搬上台北流行音乐中心。 「重聚」音乐剧明星演唱会将于9月中举行3场演出，汇集来自伦敦西区与百老汇主唱群，由知名音乐剧演员拉敏．卡利姆卢（Ramin Karimloo）策划与领衔演出，带来跨越剧目与时代的音乐剧选粹。卡利姆卢曾在《歌剧魅影》中饰演魅影，是该剧历史上最年轻的饰演者之一，也被誉为「情感最饱满、最摇滚感」的魅影之一。随后他并在续作《爱无止尽》中担任全球首演的男主角。他的诠释赢得来自观众与评论界的广泛肯定，曾多次於伦敦皇家阿尔伯特音乐厅演出，拥有丰富的舞台与录音经历。
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抵达终点左转表演正在表演的姿态
前阵子在「穷剧场」私塾上了郭亮廷（阿亮）的「布莱希特导读」，应该是离开表演学院后最受启发的4堂课。这启发来得相当及时，去年10月从柏林回台后，德国剧场的余韵持续扰动我对于「诠释」与「共情」的种种困惑。 近年有感无论是文字或戏剧，长期渴望逼近写实、现实的努力最终换来一场徒劳。在AI生成填满日常的当下，这追求行动甚至成了一出荒谬剧。与其论述真实、写实、现实一切实相的不可企及，还不如回到诠释的源头，细究布莱希特的方法与手段能否给予有光的指引？ 「你不选择立场，立场也会来选择你」 第一堂课阿亮就提出「娱乐」两字已被商业市场彻底夺走。在串流的时代，刺激成了娱乐的同义词，阅听大众宛如脖子被绑一圈大饼的人，若全球断网几天不知道有多少人会真的饿死自己。 布莱希特发展「间离╱疏离效果」（Verfremdungseffekt），反复强调娱乐和批判思考并不互相矛盾，指出「批判的态度就是科学时代的娱乐」。娱乐等同的应该是「思考」而非刺激，与其利用制造幻觉的沉浸效果去扰动观众，建立情境让观众真正成为主动的过程更该被称之为娱乐才是。但现实是创作者们若把需要思辨的作品挂上娱乐性，搞不好会被骂误导观众，场馆恐怕也得面临一群失准的目标群众？说到最后，阿亮睁大眼睛喊著：「所以我们更要把『娱乐』两字的使用权夺回来！」 确实每次追完一出剧都累得两眼发直，还不如缓慢为自己做一顿饭来得放松（那又刚好是最接近灵感的时刻）。日常生活中我们都知道保持距离，视野清明，但为何一进入叙事结构，就一股脑追求投入、共情各种「在里面」的效果？若使劲粗暴地把观众压在「里面」，最后势必还得执行某种职业道德式的安抚、交代把大家请出去吧？如同各种悲剧总是在诱发观众的恐惧与怜悯，布莱希特则主张戏剧不需要净化或升华，因此他的剧场用许多方法把观众的心留在「外面」。 认同、共情、移情愈趋廉价，因为不是我们在利用认同效应，而是认同效应在利用我们。平常看韩剧就有这种感觉来个特写、回忆、音乐一催，就是要逼你哭。所谓的套路就是最能成效的手段，但布莱希特认为呈现种种状态比推动故事更能达到放松娱乐的效果，因此必须阻断那些滑顺无摩擦力的套路
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新加坡不服新剧本读剧遭禁 野米剧场盼为观众展现多元视角
6月份，野米剧场为新剧本《Homepar》进行的读剧活动，未获准公开举办。根据资讯通信媒体发展局和内政部的联合文告，《Homepar》的内容描绘并「美化」吸毒行为，违反艺术娱乐分级准则，有违新加坡的禁毒政策。 野米剧场反对这项指责，指有关当局把一部探讨人们为何会接触毒品的深刻反思，过于简化成向观众宣导吸毒行为的作品；并且把读剧与正式演出相提并论，如此指责有欠公平。 《Homepar》的读剧本来会进行两场，每场只限60人入场，这部新作品是野米剧场今年启动的「饭锅读剧」计划（培育新剧本创作的平台）所孵育的新作。 「饭锅读剧」是剧团在2024年设立的「文艺部门」旗下的剧本创作平台，公开征集新剧本以后，获选参与的编剧将有机会接受剧团提供的指导，其创作也有机会以读剧方式呈现，让编剧能够得到观众的反馈，继续调整并完善剧本。