过程里，我的疑问骤升：《直播版》可以算是「表演艺术」？纵然我们可用Lecture Performance（论坛剧场、讲座式展演）理解，但《直播版》的讲述更近于座谈，表演性较低。因此，四段演出的结构相同，大量语言（更是充满细节的语言）层层堆积，反而成为疲劳轰炸。我也明白《直播版》是对「形式」抗拒，但目前所见似乎更陷形式窠臼。
周瑞祥、陈煜典、王硙《新人类计划：预告会后 直播版》
4/11 「新人类计划Transhumanism-周瑞祥」粉丝专页线上直播
目前已完成《新人类计划：预告会》（2019台北艺术节，后简称《预告会》）、《新人类计划─事件No.1》（2019白昼之夜）与本次《新人类计划：预告会后》（简称《预告会后》）的「新人类计划」，从命名与组成来看，挑战著我们对「演出」的理解——其似乎在「演出」（不管是剧场，或是魔术秀）的定义间游走，轻巧滑动著忽远忽近的距离，可视为「团队」或「创作／开发计划」，甚至是粉丝专页设定的「宗教组织」（注1），准确也谜样。
追溯魔术师周瑞祥与剧场导演陈煜典的合作关系，早从二○一六年的《Animator》开始，经历《Animator─Imaginary fish》（2018）再到《Animator 2.0》（2018），借由扰动真实与想像的过程里，让魔术呈现「再真实不过」却也「再虚幻不过」；（注2）同时，《Animator 2.0》的剧场结构相对明确，正褪去「魔术」外衣，找寻另一种型态的发生。于是，魔术／视觉艺术工作者王硙的加入，让「新人类计划」在各自专业里，解构剧场与魔术的框架也重组可能性，反映创作本体的持续思考，亦拥有长时间修正与发展的模式。在台北艺术节中，他们以《预告会》拉开序幕，包含「新人类宣言」的宣示，并展示「苦行僧」、「雷门」、「技」等超能力的现阶段成果，也开发专属图腾——虽说有点「中二」。而原本预计于水源剧场演出的《预告会后》是对《预告会》的「回应」——以作品回应作品——而非重制。
这样的「有机」状态，多少倒转「作者已死」的创作关系，也改变作品的生成方式。在此脉络下，当《预告会后》因武汉肺炎疫情影响，改为线上直播——于四月十一日的四个时间点（下午两点、四点与晚间八点、十点），去回应「技」、「体术」、「雷门」与「查克拉」四项已初步展演的超能力，并以晚间十一点的「彩蛋场」收尾——时，不只有媒体的介入，必须因应镜头去调动视角与参与型态；其更重新界定表演艺术的「现场性」，有别于传统的录影播放，能够视为另一层回应。同时，当回应作为一种创作方法，我又该如何再作回应。
回应身分：「前魔术师」与「新人类」
《新人类计划：预告后会 直播版》（简称《直播版》）以周瑞祥、陈煜典与王硙的对话为核，而我所在意的是陈煜典于开场时，称呼周瑞祥为「前魔术师」。这至少隐藏两种涵义，一是「回到魔术／魔术师之前的状态」，另一是「魔术师是周瑞祥之前的身分（而现在不是）」——两者皆对应作品名：预告会「后」。
回溯「新人类计划」的起点，在于周瑞祥思考未有魔术之名前，巫师如何运用奇术、祭仪去解决人的问题，这些可被视为魔术起源的神奇力量，随著文明发展而分支，魔术便被娱乐与表演框限。「新人类计划」刻意去除魔术现有定义，作法既是「反骨」亦是「反古」。但，另一种解读亦是有趣的，甚至更直指作品；也就是，抛弃原有身分、与过去人生切割后，周瑞祥会否更靠近「新人类」？
这形成一种矛盾——到底是回返，还是进化？是旧，或是新？抑或，我们该跳脱二元思考？
「新人类计划」既吊诡却又巧妙之处便在于此，从语言细节反映的身分定／错位，到表演本体的切割与重制／置，打开其间的不可定义性，也给予选择的不确定性。以「体术」这个项目来看，在中山堂演出时，周瑞祥腾空踩了三阶，便有观众提问「机关使用」，而《直播版》则给予「听与不听」的选项——使用魔术与否、观众知晓与否看似成为观演两端的选择权，却泌出这种煞有其事的暧昧性，让语言与表演都有越过定义的可能。刻意预留与处处拿捏的细节处，也是我喜爱陈煜典导演手法之处——但是，过多细微处藉不同方式无孔不入后，渐渐化为《直播版》的问题。
回应结构：近乎疲劳轰炸的反复累积
《直播版》是难进入脉络的，除此作立基于《预告会》，没看过去年演出的观众何以介入、如何观看；再加上「新人类计划」于技艺之上反复层叠哲理式的思辨，既召唤外部世界，也重审创作者内在，娱乐性逐步退位后，艰涩感也油然而生。
创作者确实贴心地不断建构这条脉络，除在对谈里重述去年段落，也剪辑演出画面。但，不管是创作脉络或作品本身，真能凭借语言与画面重建？或者说，为何得重建？为何得回应？当以此为主轴时，《直播版》（或是我们不得而知的剧场版）的独立性也可再被检视。
当天每段演出的组成，开头是参与的「新人类」访问，最后检验「新人类」的训练成果，中间有卅分钟左右的时间都是周瑞祥、陈煜典与王硙三人对话，占据整段演出（约莫四十五分钟左右）的七成以上。这些对话直捣核心，包含能力的起源、设计与回应疑问，其中夹杂周瑞祥的个人经验，与陈煜典、王硙作为协力者的再回覆。
不可否认的是，三人是有足够的谈吐魅力去制造语言，让「被检视」与「被解释」能交替流动。特别是过程中也不断有值得继续深化的思考，刻意被切断有待发展（作为后续？），像是对于看完演出后掌心中的「◎」的感受、对于拆解魔术方法的想像等。但，更直观的质疑是：《直播版》的「回应」多半通过语言陈述进行，但大量的语言真能帮助作品成立，或支持观演关系？这真是理想的表达方式？真正能佐证的是三人的解释，还是真正踏到观众无法进入的空间的四位「新人类」呢？这便是《直播版》可惜之处：四位「新人类」未有更妥贴的安排，便在镜头前的尴尬状态里显得无力，如最后强光里的逐渐失焦与苍白。
过程里，我的疑问骤升：《直播版》可以算是「表演艺术」？纵然我们可用Lecture Performance（论坛剧场、讲座式展演）理解，但《直播版》的讲述更近于座谈，表演性较低。因此，四段演出的结构相同，大量语言（更是充满细节的语言）层层堆积，反而成为疲劳轰炸。我也明白《直播版》是对「形式」抗拒，但目前所见似乎更陷形式窠臼。
回应现实：镜头内外的世界
《直播版》花了不少篇幅去解释「技」所发展的「纸牌手里剑」，与「郑捷事件」的连结（下午两点与晚间十一点的场次皆有）——现实事件是创作起点，还是演出包装。暂且不论解释成立与否，但「故事」能否作为甬道去接通虚实，本就是被肯认的；同时，前作也呼应台北艺术节以参与、认同为策展主轴。更甚者，在《直播版》里，「新人类」Lydia用纸牌射气球，一颗又一颗爆裂后，中间是只维尼，而她也说自己射的是「冠状病毒」。于是，「技」所投射的对象是移动的，且带有当下的批判。这种个人情感与集体记忆的连动，拉出「新人类计划」的核心之一：以「现实」作为支撑。
同时，《直播版》更加强这种「回应当下」的力道，包含观众与创作者在网路平台的即时留言。（不过，互动关系还是稍嫌贫乏，看似关系流动的直播，会否仍是另一种单向给予？）「运用镜头开启另一种可能」是我对这个作品最认同之处，像周瑞祥在彩蛋场时，用提问对镜头前的观众提出要求：「如果你觉得以上问题与你无关，可以随时离开。」或是，藉最后画面里的黑白螺旋图造成视觉干扰，扭曲我们离开萤幕后的现实画面。
镜头的存在确实限缩了观众理解作品的视角，创作团队则运用「限缩」去开放传统剧场不一定有的效应，以及参与方式（纵然不成熟）。做法也就有别近期因疫情而生的几场直播演出，如江之翠剧场《朱文走鬼》、布拉瑞扬舞团「布拉瑞扬舞团BDC之夜」等的转播模式。
线上直播在非常时期提供表演艺术的另种选项，也突显媒体传播与表现的差异。以《直播版》单场四十五分钟的时间来说，远高于YouTube频道的影片，且整体节奏也过慢、吸睛处不明朗。我们可以预设观众群的差异，但收看习惯是否得有所参照？况且，让剧场观众于萤幕前看完五场演出其实更花时间，也不符合惯性。
开放可能的同时也正显露其不可能。
直播的确保留一定程度剧场演出讲求的「现场性」，但《直播版》通过「不可回放」意图建构「超越空间限制」的剧场状态，反过来坐实我们必须回到剧场内的决心——在于，镜头所保留与制造的「现场」到底为何？甚至，我们该如何信任镜头语汇下的时间性与空间性？最后追问的是：我们所想像的「剧场」如何被指认？怎么被回应？或许，在这个我们不得不用镜头观看剧场的当下，剧场势必得重审位置，包含创作与评论——但我暂且没有答案。
注：
- 参见「新人类计划Transhumanism-周瑞祥」脸书粉丝专页，网址reurl.cc/7XR1Rl。
- 参考吴岳霖〈危险边缘与叙事文本的摩擦《心中有魔鬼》、《Animator 2.0》〉，表演艺术评论台。
