「炫．白」的启示与随想｜PAR 表演艺术杂志

作为一个剧场设计者，我进出剧场不仅仅只是观赏到几次表演，同时也丰富地领受到创作者的艺术智慧，严谨执著的创作态度，实验创新的勇气与信心。

今年初夏，我遇见最美的一件事，莫过于有机缘，一口气连续观赏到「新舞台．新舞风──炫．白2000」系列现代舞的演出。在这样喧嚣的环境，纷乱的岁月里，能走进剧场，分享到几位当代艺术家的多年智慧精华，沉淀积累的创作经验，与他们共处一段生活时空，共度一段生命历程，使心灵间得到少有的宁静，接受到内省的净化（purgation），真正体会到剧场演出与观赏者之间共存、共生的意义。

梅芮迪斯．蒙克（Meredith Monk）这位三十年创作不断，勇于实验、敢于突破创新的艺术家，在我多年学习、研究、阅读之中，经常接触到，该算相当「熟悉」。她的舞蹈、音乐、戏剧各方面的大量创作，在诸多专家评论、介绍、析解之下，使我一直向往，长久心仪，现在能够在剧场实际「谋面」如愿以偿，真是高兴；不过在此我也要说，我并没有带著先入为主的心态去欣赏她的创作及演出。

见不到刻意设计的设计

在《面向北方》Facing North见到蒙克与布烈曼（Theo Bleckmann）对人与自然关系的探索，低限、提炼过的动作组合，其间流露著超越舞和戏的一种新表现。在抽象的戏剧性动作之中，还有丝丝幽默，很有趣。在她整体时间、空间、动作率性而自然的契合，感受到她创作组织的气宇，挥洒自如的力道。它不是舞，当然也是舞，不是戏，也更是戏，这正是蒙克剧场实验的特色，而她音乐的独创质地，也是别有兴味的吸引。

《面向北方》白色舞台空间具戏剧性的疏离感。没有雕琢的细腻，很质朴也素净。它不像李名觉设计K2冰崖雪壁那种冷峻，那么真真实实。一片白色原布，敷盖满舞台，加上一片天幕背景，给予人畅达的视野，足够引导走入想像，也容纳我自己延伸思考的空间。除了偶而出现一瞥微蓝，全程舞台充填的是「白光」，有时还在寒凉之中透些淡黄的暖意，极有深度；只是结尾时，在左上舞台角落里一段投影，显得有点多了。

这一段落整体视觉空间，有意涵，也有美感，光、空间与动作构成一体。基本上那种简洁而带点随兴的空间处理，与「舞」与「戏」是吻合的。我始终觉得，见不到刻意设计的设计，该是剧场设计最大功能与意义；但是一般剧场设计都很难恰如其分的做到这一地步，不是过，就是不及，要不就是暧昧不明。这是每一位剧场设计应该介意和追求的质素与修养，不要小看了这一点。

表演空间与舞蹈动作共生

永子与高丽（Eiko and Koma）的《夜晚仍是漆黑的年代》When Nights Were Dark与《雪》Snow，该算是个高「反差」的构成，与白的炫耀恰成对比。成为「炫．白」系列演出中的另一个棱面与层次。漆黑的空间，生命本体的光在那里明灭，宁静之中的宁静，玄黑之中的玄黑，深沉之中的深沉。在这个无限空间，剥裂的核心幽深之中，蠕动的肢体著实牵动情绪。一股神秘使人战栗不安的力量，缓缓越过舞台镜框，漫过舞台边缘，涌向观赏者的面前，透入呼吸，穿入心际。顿时觉得整个剧场陷入生命奥密的漩涡，演出与观赏瞬间溶在一起。我想这也就是美国剧场设计家爱德门．琼斯（Robert Edmond Jones）所追求的那种戏剧性张力，在如何影响一个演出，也是表演空间与舞蹈动作共生下的境界。诗人爱默生（Ralph Waldo Emerson）说：「艺术家可以给我们幽暗的幽暗，阳光的阳光」。在一片漆黑中，灯光该亮的地方亮了，不该亮的不亮。该亮的时间亮，不该亮的时间不亮。（注1）

灯光可以构成空间氛围，形成语言节奏与舞蹈动作共舞，这正是灯光艺术超越照明层次，存在于剧场时间、剧场空间的最大意义。在《夜晚仍是漆黑的年代》，舞蹈动作、舞台空间与舞台灯光找到了最精细合成的可能。

《雪》无边无际的飘落，无声，无涯，黝黝中的暗影移动，乍隐乍现，有时像是失焦了的映像，有时又是凝固中而有动感的雕塑。缓慢藏露的律动之间，感觉到雪絮、大地、人性浑然成为一体，这该是很东方色彩的「大象无形」，溶汇了传统与现代。在玄虚之中幻变，舞台空间里涵蕴著温厚的深情，非常传神。它是诗的空间，是光影、色彩、造型、动作有情的结构体。这跟那些满舞台挥霍无度闪亮片片、烟雾弥漫、强烈跳动的起舞所显现的煽情（sensation），是有所不同的。让我立刻警觉到，有时候剧场也该要作些比较深刻一点的作品，即使让人觉得有些「曲高和寡」或是说你是在「选择观众」，也不为过；不然表演艺术的水平是很难向上提升。如果一路为著赶流行而媚俗，为应通俗而粗糙的走去，那将会是向下沉沦。

由理性激出的感动

苏珊．琳卡与兰希．荷芙曼（Susanne Linke & Reinhild Hoffmann）的《交叉》Über Kreuz是另类的舞动，另类的空间，另类的白，另类的炫。冷静、理性、精确，很有高科技（high tech）的味道。造型就是造型，动作就是动作，正如约翰．凯吉（John Cage）说的「声音就是声音，人就是人」。（注2）

空间量体与人体关系，在交错的规律之中，产生特有的感觉。精密三面白色立片，加上一片方形的白色地板，以这些元素界定成有机的空间。再由白中之白的立面分隔板（也是投影幕），形成空间中的空间，舞蹈动作随区隔而作出许多自我定义。它的光极单纯，以单一高亮度、高色温的光源，构成强烈的背光，以极淡蓝色系日光灯泛光充满舞台，使表演者有如在一个光的「实体」之中运动，交错的力度由然而生。这个特殊的舞台空间，使我联想到包浩斯（Bauhaus）的延长与蜕变，想到极简主义与动态艺术（minimal and kinetic art），基本构成（primary structure），以及一些建筑家的理念与作品的反映与延展。如建筑家密思凡代鲁（Mies van der Rohe）揭橥的简语：「少就是多」、「细节是神」（注3）；又如日本当代建筑家安藤忠雄（Tadao Ando）的设计。那种高简、秩序、静寂的几何空间与人的互动。

我也意识到艺术元素的运用，有时候是有相通性的，只是运用媒材的不同而已。建筑是可以用玻璃、钢骨、水泥为体，而舞台可以用铝架、布板构成。实际生活空间与表演空间都在追求理性与感性的和谐，也都想达到科学性与艺术性的平衡。那些投影符号、人体动作符号与隔板的移动交错，诉说出一些语言，创造出另类的感动──一种由理性激出的感动。

表演者、舞台与剧场空间高度统一

剧场设计与现代舞的关系，渊源绵密。早在二十世纪之初，剧场设计家像哥登．克雷（Gordon Craig）就一直有个理想，追求表演者、舞台，剧场空间的高度统一。他认为剧场的呈现应该是视觉空间、动作与感情，而非写实的去说故事。是色彩、光、声音、活动的体积，甚至可以不要戏剧情节。他认为舞蹈才是动作的诗篇。阿匹亚（Adolphe Appia）的空间、时间与动作结合的论点与设计，使他在当时有「现代舞教父」之称（注4）。他主导的演出，曾有当时具盛名的舞蹈家邓肯（Isadora Duncan），为他作诠释表达，这都可以说是现代舞的先驱。因袭这个缘起，剧场设计在现代舞之中，始终占有很重要的成分。

如玛莎．葛兰姆（Martha Graham）舞剧中有野口勇（Isamu Noquchi）、李名觉的设计；模斯．康宁汉（Merce Cunningham）的作品里有罗森伯格（Robert Rauschenberg）、杰斯伯．强斯（Jasper Johns）安迪．沃霍尔（Andy Warhol）等等，当然艾文．尼可莱斯（Alwin Nikolais）他本身就是一位多才的剧场设计家，他的光、投影、舞者造型、空间运用，更使现代剧场出现过少有的景观。

面对现代艺术常由于创作者的主观性表达，有时候会产生「看不懂」的问题。这一来是受我们观赏习惯的束缚，再者我们局限于接受讯息能力的不足，当然主观性强的现代新艺术作品，往往也会附著著晦涩不明；但我总认为创作者的诚恳与真实就是感动的要素。有句名言说：「所有伟大艺术都是动人的」，换句话说，以真实感情创造的作品，是会被人接受的。在观赏「炫．白」的时候，就有这一种体会。

对这三场跨越世纪，因白而炫，因少而多，因无而有，因虚而实的剧场呈现。作为一个剧场设计者，我进出剧场不仅仅只是观赏到几次表演，同时也丰富地领受到创作者的艺术智慧，严谨执著的创作态度，实验创新的勇气与信心。这些是启示，也是激励。艺术创作经验与理念，是可以相互影响、欣赏分享、相继承传的。艺术的长河，也许没有确定的开始，可只有继续。记得在路斯艾文思（James Roose-Evans）《实验剧场》一书，讨论现代舞的贡献一节，末尾有这样几句话：

People say-

How did you begin?

Well - that is the question

And who knows -

Not I -

How does it all begin?

I suppose it never begins, just continues.（注5）

是的，只有继续。当面对大师，我们接受到一些启示之后，能继续走出自我的新道路，才是欣赏杰作的更大意义。这是我观赏「炫．白」的一点点体认，愿意跟大家分享，并且与表演艺术界的朋友共勉。

注：

1. Dramatic Imagination by Robert Edmond Jones, P.111, Theatre Arts Books, 1941.

2. The Medium is the Massage by Marshall McLuhan, P. 119.

3. Architects on Architecture by Paul Heyer,P. 36.