走过40年，台北爱乐管弦乐团2025年再次踏上日本舞台，完成大阪与东京巡演。这不只是音乐交流，更是一场民间乐团在资源有限下求新求变的实践。创办人赖文福直言：「真的很不容易，尤其在经费方面。」在台湾，音乐人口增加、乐团数量激增，使得资源被稀释，民间乐团能否在此生态下长期维持艺术水准，是一个值得思考的问题。
台北爱乐管弦乐团与公立乐团不同，没有政策的保障，也无财团支持。自由自主，代表著弹性，却也注定艰辛。赖文福说：「最大的困难不在音乐，而在永续，那是我们的挑战。」这句话道出民间乐团生存的核心矛盾——艺术自主性是理想，却也是压力。
弦乐四重奏：规模缩小的策略思考
日本巡演采取弦乐四重奏形式，表面看似缩水，实则构思精妙。赖文福说：「大型管弦乐团是一种形式，但我们也需要用更灵活的方式去表达。」这种小规模编制不仅降低经费压力，也让乐团在城市与场馆间更自由移动，以「累积」取代大团声量的效应。
大阪演出结束后立刻转战东京，赖文福强调：「这样大家才会知道，有一个台湾乐团持续在日本发展。」民间乐团在国际舞台上的存在感，需要时间、策略与不断重复的演出。观众组成除了台侨，也包括日本听众，乐团甚至与日本作曲家合作编曲，并且在当地透过论坛叠加自身的影响力。这种计划显示，艺术行销与文化对话已经成为民间乐团生存的重要手段。
「东亚乐派论坛」文化定位的挑战
艺术不只是演出，更传递思想。台北爱乐管弦乐团启动亚洲之窗计划之后，持续在韩国、台湾与东京等地进行作曲论坛与学术交流，又从2021年逐步发展出「东亚乐派论坛」的架构。赖文福指出：「我们以『东亚乐派』为学术框架，去发展理论与实践。」这背后隐含两个冲击：一是「台湾能否在东亚文化对话中占据凝聚角色？」二是「民间乐团又能否以有限资源持续推动学术与创作？」即便资源有限，爱乐依然在创作上积累成果，不仅展现台湾音乐实力，也试图打破「旁观者」的身分，向东亚文化提出主动性的发声。
布袋戏交响诗：本土化的文化实验
台北爱乐管弦的布袋戏系列，是最具象征性的文化实验。赖文福回忆：「我发展布袋戏交响诗是从台湾元素开始的，原因是古典音乐一直被批评是贵族、外来，而想出的因应之道。」从2013年起的《哪吒闹东海》到《齐天大圣美猴王》（2015 ）、《水淹金山寺》（2018，改编自《白蛇传》传说）与《妈祖传奇》（2024），传统布袋戏被现代乐团重新诠释，不只是艺术创新，也是一种文化融合，古典音乐不再只是外来符号，而是可以承载的本土想像。作曲家钟耀光的创作将戏剧张力与交响乐融合，让观众看到台湾民间艺术如何与西洋古典音乐对话。
传承与核心精神
从1986年亨利．梅哲（Henry Mazer）时代到接棒指挥至今的林天吉，台北爱乐管弦乐团的精神传承从未中断。核心团员如苏显达、刘慧锦、刘姝嫥、欧阳慧儒等，不仅演奏精湛，更有他们的学生进来成为乐团精神的延续。赖文福说：「这本身就是一个 legend。」台北爱乐管弦的价值不只在演出，而在于提供舞台，让世代延续与传承。
谈到未来，赖文福将焦点放在基础建设：「台湾没有专门为管弦乐团设立的排练厅。」这不是小事，而是象征民间乐团的制度性缺陷。没有固定场地，艺术自主性便无法稳固，永续发展成空谈。他期望未来能与政府合作取得土地，建设专属馆舍。不只是硬体，而是文化生态的投资。民间乐团能否走向永续，关键就在此。只不过难度颇高，目前同样许多团队同样积极行动，却仍未能完成。
音乐、文化与存在感
2025年从大阪世界博览会热闹的《哪吒闹东海》，到东京精致的柴科夫斯基，台北爱乐管弦乐团以音乐提出问题：在有限资源与市场压力下，艺术如何保持信念？赖文福说：「创造艺术，提升艺术水准，让大众能听到音乐艺术，不管在台湾或国外都很重要。」这既是回答，也是试炼。民间乐团的文化责任，不仅在舞台的掌声，而在持续创造、分享，让世界看见台湾。
