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陈艺堂
发表文章 72 篇
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舞蹈我们不要跳八股！但然后呢……
「科班生」是指受正统教育出身的专业人士；在黄怀德编作的《科班生之舞》，指的当然是舞蹈专才，更在这个作品中锁定「舞者」的养成，反思广纳东西方舞蹈风格技巧的训练对「舞者」产生的影响。 将近70分钟的《科班生之舞》明显切分为上、下半场。前半约35分钟，由黄怀德独舞；后半则以《春之祭》为乐，由5位舞者演出。仅管上、下半场，不管在编制或音乐的选取都大相径庭，却口径一致突显：「多元动作风格训练」如何在「身体容器」造成动作美学的冲突。 在上半场，黄怀德用非常简单的基本动作操演，明白展示芭蕾和戏曲身段两种东西动作训练的美学差异： 他站在舞台中心，将舞台分为左右两半；同时，他也将身体切为两半，一半展跳是西方的芭蕾基本动作、另一半展示东方戏曲元素抽取出来的基本动作。同样是往身侧旁举的手臂：手心微向前、向下45度、大拇指紧贴中指，是「芭蕾」的手；但仅仅是提肘向后翻转90度、反扣手腕、打开虎口，就成了「戏曲身段」的手。
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焦点人物 台湾舞者 余宛伦（一）偷窥者舞团2400人中取一，碰撞曲折的追梦路
「我讲这些会不会把大家的梦想毁掉？」余宛伦大笑。 2020年加入偷窥者舞团（Peeping Tom）的台湾舞者余宛伦，虽然自嘲也可以用「有起有落」简单带过4年来的甘苦，还是在访谈过程忍不住吐露「大实话」。身为一个内向I人，舞蹈是宛伦「内心小宇宙喷发的地方」，从小走遍各式才艺课程的她，当初因为不喜欢被妈妈逼著练电子琴，便选择在舞蹈里悠游自在。考上北艺大七年一贯制后，余宛伦认为「跳舞这种东西要趁年轻跳」，便始终专注在这条路，而去欧洲当舞者，是她的梦想。她为此宁愿放弃到美国与澳洲当交换学生的机会，把预算留给欧洲，毕业后，她也为了攒钱出国考团，便先留在台湾与众多编舞家合作、累积经验。
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焦点人物 台湾舞者余宛伦（二）在（反转再反转的）梦幻职业中，学习安放自己
然而，梦想总是反转再反转。2020年2月中，余宛伦在横滨完成与编舞家梅田宏明的合作后，随即飞往比利时，准备迎接舞团所安排的4周排练期，却没想到直接碰上COVID-19疫情在欧洲爆发。好不容易排练完成、开始巡演后，疫情仍缠绕著欧洲大陆，疫苗护照、演出取消、隔离，都已是疫情常态，有次舞团搭了8小时的火车抵达瑞士，却接到政府通知当晚6点后的艺术活动全部取消，无奈之余也只能原路折返。这些不确定性都让照顾身心成为迫切的功课，尤其当身体总是「要起来又停下来」，势必消耗且难熬。2022年，疫情的威胁逐渐远去，巡演行程终于顺畅起来，却也在此刻，宛伦受伤了：《密室三部曲》巡演到了义大利的老式剧院，在第三部曲《隐藏的地板》（The Hidden Floor）时，旧式倾斜舞台上有著大量的水，在一个跳跃中，她滑倒了，左膝后十字韧带直接撕裂。
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新锐艺评 ReviewSuper背后那些妈妈们想说的话
《四妈俱乐部》由编创者余彦芳和大学死党们共同回忆拼合而成，群组看似命名为俱乐部的成功妈妈们，却在一次次余彦芳以第三者角度的抽丝剥茧提问后，回想起那些成为妈妈这条路上所经历过的种种，以及与舞蹈不约而同的关联性。 回到20年前相遇的舞蹈教室 演出以三面舞台呈现，表演者以轻松自然的状态，进入舞蹈教室开始一堂芭蕾舞课程，到中间舞台时，选择以自由移动且不定时暂停的方式，念出名字指出对象，以不同方式建构观者对于角色的定位。 在这场演出里，台上表演者并非专业演员，但却以舞者和妈妈的身分切换表现了自然，包括：高知觉的身体敏感力、巧妙音乐的搭配度及不同故事的串连性，使我们可以跟随表演者的人生故事起伏，进入到四妈俱乐部的群组里，感受每一刻当下的真实。 最印象深刻的莫过于说明云门舞作《薪传》故事和母亲互相接应的段落，象征坚毅不拔的拓荒，犹如成为妈妈之前的心理准备；代表性的开垦动作，呼应生产时的呼吸的吸气和吐气的过程；欢天喜地的节庆，像似教育孩子成功背后的高兴。灯光红与白的切换，搭配音乐与舞者投射的表现力，让人串接起以往不同的想像，打开与妈妈新的情感连结性。 20年后妈妈们此刻的内心 Robert Edmond Jones《戏剧性的想像力》书中提及：「舞台设计应该和心灵的眼睛对话。我们用外在的眼睛观察，同时用内在的眼睛阅读。一个好的舞台绝对不是一幅画，它不只是被看到；同时也能传递情感、唤醒记忆。」 在《四妈俱乐部》里，我们能从不同的视角切入每个妈妈们的故事：动作的选择上，以不同大小的影音播放机，从4个视角播映妈妈们视讯排练中，回忆怀孕一直到生产的动作型态；音乐的选择上，有时突然出现的心跳声，仿佛现场的时间片刻停止安静，只停留在听觉的专注上，感受心跳跳动的每一个瞬间；故事的选择上，编创者选择以最自然的问答，去提问不同的问题，试图挖掘每一位母亲背后不为观者所知的故事。 舞台上妈妈们的内心状态，有时是疲惫无力倒卧在舞台上、有时是看著灯光对于未来的期盼眼神，还有时是看著身旁朋友们离去，对比独自一人所承担压力的真实情感，在舞台上所成立的每一刻，我们看见的是每个妈妈、每
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新锐艺评 Review集体「母性」与个体「女性」
走进实验剧场，观众席总共有三面，在节目即将开始之际，4位女舞者开始拉筋，练习芭雷舞的舞步，余彦芳独自一人拿走扫具在舞台上来回打扫、整理。5位表演者非常自然地参差著抱怨「今天已经第二场了」以及与观众对话。形式弹性的开头，反倒在观众心中丢下了一个大谜题她们今天为何聚集在此？ 母职的讨论在剧场界不算是新颖，然而《四妈俱乐部》揉合了剧场表演与采访的边界，一次次姐妹之间的对话，谈论婚礼、心结与小时候的舞蹈班经历，延伸出接下来的即兴舞蹈，而采访形式所带来的看似「真实性」，也更容易触动到现场的群众，不会因为是演戏而感到疏离。然而，舞蹈有时却成为一种强硬的介入，我认为即兴舞蹈无法让观众更融入角色的内心世界，有时候像是一种炫技。若是能够透过已经置于场上的萤幕，在舞蹈进行时提醒观众有关的主题，我想会是更好的尝试（如：中国风群舞的该段即是）。 《四妈俱乐部》呈现出一种集体「母性」与个体「女性」之间的拉扯。4位女舞者都有各自的个性，成长过程经历过不同的教养模式，同样的，各自如何应对「成为母亲」这件事也是极具个人特色的。《四妈俱乐部》成功地从4位极为不同的人设之中，挖掘出身为／成为母亲面临的压力与困境，我觉得最为感动的，便是余彦芳与4位舞者直接、真挚而坦诚的对话，让「母性」具体化成一个永不停歇的，同时受苦也获得乐趣的过程。 每位舞者擅长的舞风皆不同，而统合4位的表演于同一剧码便是困难的尝试了。虽然每一次的采访式对话的确触动了观众内心的「母亲」形象，然而，每一段表演与采访之间，抑或是表演所运用的元素选择上，经常是较为断裂的。我们可以从最后李岱瑾的采访与独舞表演这两者间看见巨大的裂缝，并不是其跳得不好，或是采访不够动人，而是这两者难以仅仅透过文字的余温而成功地密合。 整部作品中展现余彦芳惊人的洞察力，以及这4位女舞者是如何连结舞蹈与个人生命／生育的时刻，正是在场地没入黑暗后，播放而出的排演录音片段。一开始进入剧场，我们看见舞者认真地练习就像是她们正在把握仅有的表演时光。这一段录音片段，也正好透过其物质性及其巧妙的置放时间点，让我们可以感受到表演／剧场／女性的发光发热瞬间／女性的集体性，共同出现的可能性，以及难以延续、倏忽即逝的隐性社会结构。
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戏剧 李铭宸睽违剧场3年力作在超级市场里 探问「人如何成为一个人」
我好像从一个时间开始，留意也好，或是发现自己真的比较容易被这种东西吸引，譬如像超级市场、停车场、夹娃娃机店，这些更当代、更生活、跟我们更紧密的那一些空间，他们完全没有美的意图，或是在创造和建立文化的意图，但我常常在这边意会到很多事情我常会说，超市很漂亮，你一定也能够明白，他其实不是因为创造美而设计，但是他有一种美的秩序。 ──《超级市场 Supermarket》编导李铭宸 一块肉张牙舞爪而漫无目的的往前方迈进，接著翻滚进了椅子堆里；戴著现代大量生产、道具化天使翅膀的女性，匍匐在地上舞动伸展；拿著素描本的漫才演员，讲述著童话故事现代版之大乱斗。这是风格涉主创者李铭宸沉寂3年多之后，第一档回归作品《超级市场 Supermarket》的排练发展现场。时间已来到段落需要熟练与成型的阶段，不过他仍想在继续尝试「带著一种动力进来，不用发生什么，但是必须要跟另外一种动力进行沟通互动。」给著台上指示。 身为《超级市场 Supermarket》的编导，李铭宸觉得超市让他为之著迷的，就是那些不断对著消费者说话的商品。「超市的每一个东西都在跟你讲话，因为是商品，它必须被处理得很诱惑人、处理得很可口，处理得非它不可，这些充满意图的单元的所在，就是超市。」
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话题追踪 Follow-ups剧场，是可以理解彼此的场域
过去10年，随著台中国家歌剧院、卫武营国家艺术文化中心、台湾戏曲中心、台北艺术中心陆续完工，加入原本孤单的国家两厅院行列，台湾剧场圈因而进入圈内人戏称的「大剧场时代」。再加上地方文化中心整装改建、也有不少空间挪作表演空间使用，整体座位席╱待卖票数翻了好几倍。业界讨论逐渐从「场馆不够用」，转移到「观众在哪里」的困惑。（注1） 「观众在哪里」不只意味创作生态的市场考量、产业结构与成本回收。表演艺术既然作为现场艺术，唯有观众的存在，才能实现作品的存在。撇开利益取向的商业操作不谈（虽说谈「钱」也很重要），创作者面对什么样的市场、去哪里寻找潜在观众，事实上也都本于「如何用创作和观众建立关系」。本文因此自音乐、舞蹈与戏剧领域，访问捌号会所、坏鞋子舞蹈剧场（后简称坏鞋子）与穷剧场，一探创作者以团队为出发点、和观众连结的策略与思考。
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焦点人物FOCA 林智伟：追求与创造平衡，挑战马戏生态的下一阶段
平衡，是马戏在挑战特技时必须维持的其中一种方式。 马戏表演者借由追求、或是意图打破平衡来制造属于马戏的身体与表演美学，也提供观众对于危险边缘、人体极限的挑战想像。不过，对于一个在不到15年内就从几个朋友的热血拼搏，成长到拥有专职表演者、行政与技术团队等40人组成的「FOCA福尔摩沙马戏团」（后简称FOCA），创办人林智伟就不得不从原本的「表演平衡」，开始思考供需关系、演出频率与规划、艺术创造、生态支持等面向的「营运平衡」。
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戏剧面对实体的消逝，以实体抵抗消失
高度讲究仪式感的剧场，面对即将挥别双月刊发行的《PAR表演艺术》杂志，似乎也得做些什么，让彼此的告别产生意义。那么，就来聊聊剧场如何处理「消失」这件事吧。 纸本杂志的消失，之所以对剧场产生冲击，在于两者的「实体（physical）」特质无论是实物、物体或身体；也因此，始终在数位虚拟世界的威胁下，想方设法活下去。在一方不得不告终之后，另一方自然也再度出现危机意识，反思自身存在意义。然若从另一角度来看，对于朝生暮死、存于当下的剧场来说，消失本就是一种必然。在剧场发生的一切，本就不可能恒久存在。我们甚至可以说，在这个可以用网路保存一切的时代，只剩下「剧场」能好好处理关于消失的命题。 正因为意识到消失之无可避免，剧场于是以肉身╱实体对抗消亡。在我脑海中那些关于消失的作品中，述说的都不是消失本身，而是与之拉锯的过程。然而，正是要直视消失的存在，才会让抵抗产生力量。只不过，「消失」并不真的只是消失；正如剧场所呈现的当下，从来就不是断裂、无延续的一次性当下。我曾在同样讲究现场性的足球运动书写中，看过这段描述：「一个『过去』与『现在』交织互动的领域⋯⋯让我们得以把心中的想望与实际的记忆融合混杂。」（注1）每一次的绝妙好球，都是在记忆中召唤类似的场景，如同人们同样透过剧场经验，叠合多重时空。换句话说，试图抵挡「消失」的剧场，并非是单次复刻或重现，而是一次次显现痕迹的堆叠。
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特别企画 Feature 年度现象08跨国交流取径转向，当代舞蹈圈持续「南向」
2023年舞蹈圈持续发生的「南向」国际交流仍方兴未艾，各项作品、计划、交流的能量都愈来愈丰沛。 作品方面有陈武康与泰国编舞家皮歇・克朗淳（Pichet Klunchun）的《野台罗摩》，他们于2017年展开一段为期2年至柬埔寨、缅甸、泰国、印尼4国拜师学舞的旅程，又因疫情之故，演出几经延宕与变化，作品历经7年漫长的酝酿，最终在今年完成首演；而持续发展中的，有王宇光与印尼舞蹈家Danang Pamungkas的《去你的岛》，本作于2022年台湾舞蹈平台演出阶段性发展版本后，创作团队受英国舞蹈剧院The Place艺术总监Eddie Nixon之邀，于今年至英国进行移地创作、持续发展该作，完整作品预计在2024年秋天于台湾首演；此外，林宜瑾也因2024年的新作发展，除了与团队走访国内移工社群外，也前往印尼日惹进行田调；另外，蒂摩尔古薪舞集则举办「艺术生活节」与「南岛当代乐舞与身体踏查交流」计划，前者带入泰国、印尼、印度等身体工作坊，后者则菲律宾多个舞团合作，由彼此舞团的舞者互相给予工作坊，进行文化交流与身体练习等。
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ARTalks失语的武装困兽
编按：本剧导演李奥森透过匿名警员访谈、侧绘（profiling）与警察学文献进行研究，协同动作设计及专业表演者发展高强度的动态情境（movement scenarios）与叙事，运用视觉与灯光设计营造出诗性空间，建构情况不明、无法掌握的事件；与观者共同思考警察的内在状态、劳动情境与难以定义的系统性暴力。
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舞蹈我们还可以如何学习舞蹈？
或许此刻的世代正逐渐在改变些什么。 如同一只蝴蝶的展翅，就能掀引远处的一阵狂风，而随著COVID-19所带来的疫情冲击，艺文产业也经历了震荡。震荡的涟漪中，有一群舞蹈工作者于6月举办了「舞得聊不无聊」，一场为期3周于ClubHouse的对谈盛宴（注1），内容含括了舞蹈产业、政策、人力资源与教育篇，许多鲜为人知的细节环环相扣，在这些光谱外的议题相互碰撞下，俨然为当时三级警戒的每户家中，点燃了一盏盏嬴弱火光。
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对话体读者
YC， 最近特别体会到，身为创作者最幸福的事情，就是成为读者。「怎么说？」你问。我想起那天演出结束后，遇见一位观众，问他看戏的感觉，他说：「还不错啊。」
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对话体
节奏
借用文学家王鼎钧来开路：「什么是语言的节奏？语言，当它是声音的时候，那声音里有长短、高低、轻重、快慢和停顿。」
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摄影手札
池塘的表面（上）
剧场或是更广义的剧场之前之后， 除了是语言叙事得以伸展，行为意义得以扩延，也是感官能够拓展的异空间。时间，空间，重心，光线，色彩，质感，湿度在此被从日常规则的理解中舒展出来，彼此之间以脱轨的逻辑串连起来。 用非日常的机能去重新探测感受，弥漫在文本之外的情感资讯。照片来自过往为表演拍摄的现场记录，或者是宣传视觉的素材，来自不同现场的画面，彼此之间也有串连对话的可能性存在。
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摄影手札
池塘的表面（下）
剧场或是更广义的剧场之前之后， 除了是语言叙事得以伸展，行为意义得以扩延，也是感官能够拓展的异空间。时间，空间，重心，光线，色彩，质感，湿度在此被从日常规则的理解中舒展出来，彼此之间以脱轨的逻辑串连起来。 用非日常的机能去重新探测感受，弥漫在文本之外的情感资讯。照片来自过往为表演拍摄的现场记录，或者是宣传视觉的素材，来自不同现场的画面，彼此之间也有串连对话的可能性存在。
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焦点专题 Focus
当独立制作人进入场馆，串连亚洲：我们结合不再只为了生产
「制作人」，是个谜样的角色，外界看起来具有相当的决策权，但只有他们才知道工作内容有多么纷乱庞杂。尤其对流动于各团队中的独立制作人来说，究竟这份工作的实际轮廓为何？有不少人仍如此回答：「持续探索中」。幸亏近年来，国际交流愈来愈频繁，「亚洲串连」带给制作人开拓新视野的机会。藉著此次专题，本刊邀请几位独立制作人分享、剖析各自「在亚洲」的独特经验，提出对此工作的未来展望。
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对话体
音韵
古文述及，音律制定本根据人的声音，声调的生理结构，因此可深究出语音其实是人内心声音的外显，抑扬顿挫是心情的跌宕起伏，快乐时高亢忘情，悲伤时低沉暗哑，如果笔顺、心顺，情思就能在吟咏间自在流露。
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特别企画 Feature
在剧场，回应「公共」的7道历史切片
剧场如何与「公共」产生连结？本文透过「近代剧场的7道历史切片」，从行动剧场、闲置空间、文创园区、身体解放、艺术工程、部落寻根、文化治理等关键字，提供大家思索剧场公共性的可能方向。
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日常身体剧场
拳击的美感，关键在脚步
剧场不只存在于名为剧场的空间，也存在于日常生活中。专业的剧场表演者以身体为中介，对观众展露表演的技艺；而另一种身体（表演）的技艺，也栖息在不同职业、或你我扮演的生活角色中。「日常身体剧场」跨出剧场外，寻找以「应对身体」为职业的人们分享独到的「身体观测术」。本期邀请到国内推广拳击运动的元老、专业拳击教练潘振成，来与读者分享他「察身观体」的心得，让我们享受「表演」，就从生活中开始
