:::
斯特拉温斯基
相关文章 27 篇
-
音乐 维也纳金色大厅合唱团、洛杉矶大师合唱团相伴杜达美领军洛杉矶爱乐 10月献演斯特拉温斯基与马勒经典
在乐迷翘首期盼下，指挥巨星古斯塔沃．杜达美（Gustavo Dudamel）在今年秋天将率领暌违31年的洛杉矶爱乐（Los Angeles Philharmonic），携手欧美两大殿堂级合唱团维也纳金色大厅合唱团、洛杉矶大师合唱团来台，重返国家音乐厅。规模超过250人的庞大阵容，将以两套曲目展开旅程，一晚属于斯特拉温斯基的火焰与节奏，一晚则是马勒的生命与永恒。这样的组合，世界仅此一场，而且是「台湾限定」。 斯特拉温斯基与洛杉矶爱乐的不解之缘 1935年，斯特拉温斯基首次与洛杉矶爱乐合作，演出后送给各声部首席一个吻与一朵红玫瑰。这份浪漫而深刻的举动，开启了他与乐团超过30年的情谊，后来更让他选择定居洛杉矶。 《春之祭》在洛杉矶爱乐的历史上占有特殊地位，乐团105年历史中演出已逾150次，既是乐团的传统，更是每任音乐总监的试金石。2003年，这首作品更成为华特．迪士尼音乐厅启用后的首张录音，象征著乐团与作曲家的深厚渊源。 《洛杉矶时报》评论杜达美对《春之祭》的诠释：「既能释放潜藏于我们体内不可抑制的毁灭能量，又能以精湛的音乐掌控力驾驭这股近乎超人的张力。」此次来台，他将以《春之祭》搭配色彩缤纷的《火鸟》组曲，带来火焰般的节奏与诗意。 曾于洛杉矶求学的钢琴家严俊杰直言：「第一场《火鸟》、《春之祭》很节奏型，乐曲等于洛杉矶爱乐的代表，为他们自己的庆典都是演这些曲子。此外第一场的第一首约翰・亚当斯（John Adams）的作品《狂热》短篇交响曲（Frenzy: a short symphony）也是非常重要，因为那是他为了洛杉矶爱乐去年才写的。」
-
音乐卸除具象情境 用音乐看见内心画面
剧场理论课总是会提到这么一段：「Theatre」（剧场）字根来自希腊文「theatron」，意指「观看的地方」。究竟怎么会有演出在开演前，发给观众一人一副眼罩，要大家闭上眼睛观看呢？ 这是台中国家歌剧院2025 Arts Nova推出，由樱井弘二担任作曲与音乐总监、郑咏珊导演与编剧的《湖底之鬼》，以7名演员加上6位乐手分奏琵琶、木琴、大提琴、二胡与钢琴的编制，改编《聊斋志异》中的〈王六郎〉这则描写渔夫与水鬼「人鬼跨界」情谊的故事。行销文案以「音乐说故事剧场」（Storytelling Theatre）为定位，看似融合说书（storytelling）与音乐剧场，实则难以明确定义因无前例可循，自然也无类似作品可以类比。
-
舞蹈我们不要跳八股！但然后呢……
「科班生」是指受正统教育出身的专业人士；在黄怀德编作的《科班生之舞》，指的当然是舞蹈专才，更在这个作品中锁定「舞者」的养成，反思广纳东西方舞蹈风格技巧的训练对「舞者」产生的影响。 将近70分钟的《科班生之舞》明显切分为上、下半场。前半约35分钟，由黄怀德独舞；后半则以《春之祭》为乐，由5位舞者演出。仅管上、下半场，不管在编制或音乐的选取都大相径庭，却口径一致突显：「多元动作风格训练」如何在「身体容器」造成动作美学的冲突。 在上半场，黄怀德用非常简单的基本动作操演，明白展示芭蕾和戏曲身段两种东西动作训练的美学差异： 他站在舞台中心，将舞台分为左右两半；同时，他也将身体切为两半，一半展跳是西方的芭蕾基本动作、另一半展示东方戏曲元素抽取出来的基本动作。同样是往身侧旁举的手臂：手心微向前、向下45度、大拇指紧贴中指，是「芭蕾」的手；但仅仅是提肘向后翻转90度、反扣手腕、打开虎口，就成了「戏曲身段」的手。
-
回想与回响 Echo《春之祭》 舞蹈的教育学
跳舞至死，斯特拉温斯基（Igor Stravinsky）构思《春之祭》的唯一念头。但以何种方式？最不舞蹈的方式，以芭蕾舞者最不芭蕾的一切身体可能性。于是音乐调性、节拍、节奏与重音皆不和谐且不符期待，舞者怪异颤动、跺脚、冲刺、失衡与颠狂，肢体无以名状地开阖摆荡，在世纪初巴黎的展演中，音乐与舞蹈同时面向现代主义的最初洗礼，一场绝无仅有的盛宴，在最激突怪异的音乐中有最激突怪异的舞蹈，远超越时代的作品引爆现场的尖锐冲突，被选为祭品的舞者恐惧、悲凄、奔突、缠绵眷恋，狂舞而死。由尼金斯基（Vaslav Nijinsky）编舞、斯特拉温斯基作曲的《春之祭》首演（1913）像是一声高亢的叫喊，撞开现代艺术的大门。 当年人们说：很遗憾看到像斯特拉温斯基先生这样的艺术家卷入这场令人不安的冒险中。60余年后，乌帕塔舞蹈剧场的碧娜．鲍许（Pina Bausch）重启这场冒险，以她的舞蹈语汇重编《春之祭》（1975）。舞者的脚被舞台上厚厚一层泥土揪住，往空中腾飞的天性从一开始就被抹除，在褐色的软土层上舞者扑腾翻滚，满身脏污，肢体的怪异收放与朝四方剧烈抖动的身体，弹跳、暴冲并急速定住，舞者一出场便被逼往失控的临界状态，以身体的动态在泥土上留下一痕痕印记，致敬60年前的两位前辈毫无疑问。
-
新锐艺评 Review个人与群体的反复斡旋
海德堡舞蹈剧场与舞蹈空间联合演出的《火鸟．春之祭─异的力量》，由西班牙编舞家伊凡．沛瑞兹将斯特拉温斯基的经典曲目《火鸟》与《春之祭》结合，以群体与个人的互动为主轴，所发展出的新诠释。 表达、游戏、影响 《火鸟》始于一段火鸟的独舞，他不断地在地板上翻滚、舒展，给人以一种慵懒自如的感觉。接著，音乐停止，火鸟一个人在台上玩起了「一二三木头人」；随著音乐的加入，一个伙伴加入了他的游戏；其他3个人加入后，情况却从和平转为紧张，火鸟拼命想加入，却被无视。无视既而是欺凌，其他人推搡、拉扯火鸟。下一段乐曲中，舞台又回复到火鸟一人，他的动作渐趋狂乱，又好像试图回复到开头的状态中。接著，许多人步入舞台上，像是火鸟终于找到同类，火鸟向上抛起一块布料，引得他人效倣，大家在大亮的黄光下狂欢，火鸟向前走几步，离开了舞台。 《春之祭》之前，有一段几分钟的无声，众人在这段时间中游戏一群不断收拾台上的衣物、一群模仿著布料的形状、一群模仿著其中一人等他们归属于一个群体中，成群行动。接著，随著音乐开始，人群开始互动，后逐渐同化，动作趋于整齐，甚至出现口令。舞者就这样在成群与分散、和谐与紧张之间摆荡，开始有暴力行为发生，对自已的噤声，或是与他人的肢体冲突，大笑或者吼叫。与《火鸟》中充满希望地向上抛衣物相对，此处人们大力地将衣物丢向地面，一切混乱又绝望。最后，一个献祭者被选中，人们不断拾起地上的衣物，覆盖在他身上。他试图甩开，又被按住；试图逃跑，又被拉回原地。在重重衣物的覆盖下，他缓慢地开始舞动，众人放开了强迫他的手，围著他或坐或站，观看他的舞动。站在众人面前的献祭者动作由慢而快，在其他人的静止、静默中，他独自舞动著。最后，众人加入了献祭者的舞蹈，在一片红光笼罩下，齐一冲向舞台的前端，仿佛冲向未知的未来。 对群我关系的质问 对舞作的解读，或许可以从几个问题开始：群体于个人表达而言是增强或消弭？自我的建构有多少是来自与他人的互动？个人可能对群体产生多少影响？社会互动是个人的扮演，也是形塑。人与群体总是若即若离，对于个人而言，群体可能是伤害，亦可能带来能量。 《火鸟》聚焦于个人，观众先是看
-
聚光灯下 In the Spotlight 西班牙编舞家伊凡．沛瑞兹 这一次，让我们献上内心恐惧为祭品
当德布西在一个朋友家听到用钢琴弹奏的斯特拉温斯基最新作品的第一段，他大受震撼，并且对其中的新意感到兴奋。那份新意来自远古的深处，来自祖先的仪式、歌唱和舞蹈，同时采用了一种新的速度，应和著机器的节奏、飞机的螺旋桨，未来主义作家的诗作。 弗洛里安．伊里斯《1913意犹未尽的黄金时代》（注1） 即使我们已经离少女献祭的世界很远了，斯特拉温斯基音乐中的复调和声、不和谐声响、独特配器形成的怪异音色，以及不规则节奏拍型，如今人们也习以为常，不再感到惊愕冒犯、不知所措，然而自尼金斯基（Vatslav Nijinsky）版本首演至今，依然吸引一代又一代编舞家，试图从其破格又撼魂的乐音中，探究人性如何面对规律与秩序。来自西班牙地中海岸，现居德国担任海德堡舞蹈剧院（Dance Theatre Heidelberg）艺术总监的伊凡．沛瑞兹（Ivn Prez）正是其中之一。 从异质学习中，重返佛朗明哥 伊凡的创作历程与身体轨迹，始终透露异质元素既冲突又互衬的关系。如同许多西班牙的习舞孩子，他在10岁时进入艺术学校学习佛朗明哥，课程并涵盖芭蕾技巧与身体训练，两者差异极大：「佛朗明哥是由节奏与角色所催动的，也更重视身体和地板的关系，有种强烈霸道的原始感，一出场仿佛就在宣告『我来了』，宣示空间主权。」至于芭蕾，在伊凡眼中则是：「以理想化的动作形象超脱现实，抵抗重力，向上飞跃，以突显身体如何能够优雅轻巧地落地。」 就西班牙舞蹈教育体制而言，学生一开始虽会同时接受两种训练，但大约在12-13岁间就得选定专长。伊凡后来较投入于芭蕾，认为「芭蕾的身体技巧最困难，能让我得到最扎实的训练」；日后来到马德里深造，成为西班牙第一代拿到高等教育编舞学位的舞者／编舞家。在马德里就学期间，他接受来自古巴的艾莉西亚．阿隆索（Alicia Alonso，为古巴国家芭蕾舞团创建者）指导，对其他身体技巧也有了更多认识。 自学校理论课、舞蹈史打开眼界，19岁的伊凡接著进入荷兰舞蹈剧院（NDT），从实习开始一路待到27岁，在此接触到基利安（Jiř
-
看戏不忘电影《火鸟．春之祭》 伊凡．沛瑞兹穿越今昔
伊凡．沛瑞兹从斯特拉温斯基同时期的作品入手，探究其创作为何当时会引起观众的反弹与回响，若放在今日，以社会议题或是性别议题来深入探索，又会擦出什么样的火花？上半段他先让台湾舞者骆宜蔚扮演「孤立」的火鸟，挑大梁的女舞者却被群体孤立，像是为了《春之祭》中献祭者的角色铺陈，下半段来到《春之祭》，却让台湾舞者苏冠颖扮演献祭少女，做出了性别上的转换，这使得两个作品间产生关连性，同时作品的当代意义也浮显出来，呈现出百年来人类社会的演进与转变。
-
特别企画 Feature 作曲家赵菁文的读谱术乐谱的创作、呈现与再创作
若说音乐是一种语言，那么最初，音乐只能以口传心授的方式流传。但为了帮助传递，书写必然是唯一的途径。事实上，在公元前2000年前，就已经发现了一些符号，证明了现代乐谱的前身。经过历史的洪流，人类集体的贡献使得今日的我们，能够透过特定的符号，跨越时空与前人交流，阅读他们当时萦绕内心的旋律音符。 演奏家对乐谱的解读 「发展至今的五线谱，是一套近乎数学科学般高度精密又具有逻辑的记号！」作曲家赵菁文举例，相较于舞蹈、戏剧领域所使用的舞谱、剧本等，即使能够记录，绝大多数也必须仰赖演出者或导演等人决定最后的走向。然而音乐记谱上一旦标示了音高、速度、力度、音质、小节等等，就清楚地告诉了演奏者该知道的讯息。因此没有任何一种艺术能有这么高的辅助力，它近乎百分之百注记在乐谱上了。 音乐创作并不像绘画、雕刻艺术那般，创作完毕就等于作品完成，乐谱若没有发表就没有声音，它需要被演奏家呈现、观众欣赏，才算真正完成。也因此演奏家如何解读乐谱的符码，就变得相当关键。赵菁文认为：「音乐的自我发挥诠释空间必须要站在『理解乐谱』后才去做自我诠释。」但她感慨，大多人读谱只是读在表面上，也就是乐谱「看起来」如何，导致错误诠释。原因在于他们并没有真正对乐谱的细节、时代背景及作曲家的意图进行理解。 她举例，斯特拉温斯基（Igor Stravinsky）的《春之祭》（Le Sacre du Printemps），乐谱明确地标示著♩=50（四分音符为单位，拍子为每分钟50下）的速度。但在网站上搜寻影片就可以发现，乐团跟舞团一起演出时通常比较精确，但只要乐团单独演出，绝大多数是快很多的。赵菁文说：「演奏家常自认为这段规律重击般的音乐是活泼热情，然而它是诡谲、沉重、不那么舒服的。」演奏家常以惯性来判断，认为以往演奏过任何一种派别的乐曲，因此接下来的旋律性、点状的音乐就如法炮制，然而「当演奏家以为的诠释，改变了作曲家乐谱上记载的指示，就等于破坏作曲家的核心精神。任意更动内容，那就错了！」赵菁文说。 如此一来，也许演奏家会质疑：「那么我们表演的空间在哪里？」殊不知，站在舞台上所还原的声响、表情、触键、音色都是演奏家的诠释，没有人能
-
焦点专题 Focus
大兵与魔鬼 交织音乐与寓言
二○○三年的圣诞节前夕，两厅院的「独奏家系列」，邀请到「台北独奏家室内乐团」制作演出了俄国大师斯特拉温斯基的《大兵的故事》，而在两厅院届满卅周年的此时，这个制作将复刻再现乐迷眼前。《大兵的故事》特别之处，在于这是斯特拉温斯基「仿讽」爵士乐的创作；他在读过爵士乐乐谱后，以俄国的大兵遇上魔鬼的寓言故事，和作家拉穆兹共同创作了这部综合「朗读、演奏与舞蹈」，给三名演员、两名舞者及八名音乐家（指挥与七重奏）的独特剧场作品。
-
四界看表演 Stage Viewer
唤醒春天 唤醒现代
二○一三不只是华格纳和威尔第诞生两百周年，同时也是斯特拉温斯基的舞剧《春之祭》Le sacre du printemps（1913）首演后的一百周年纪念。《春之祭》对廿世纪音乐发展影响之深刻，众所皆知。而《春之祭》的音乐还可以随著时代在人的记忆中唤起什么样新的生命，总是可以从它新的编舞中来一探究竟。为了庆祝一百年前这部作品的诞生，柏林邦立歌剧院（Staatsoper Berlin）特地邀请德国知名编舞家莎夏．瓦兹（Sasha Waltz）在今年重编新舞。十月廿六日，瓦兹的《春之祭》在柏林席勒剧院登场。
-
城市艺波 Cities & Arts
《春之祭》百年后相呼应 探索斯特拉温斯基内心
适逢斯特拉温斯基《春之祭》首演百周年，英国伦敦的沙德勒之井剧院也特地推出系列节目，当代编舞家新诠舞蹈经典，其中阿喀郎的iTMOi备受瞩目，他将斯氏原作品约卅秒的元素抽出，另由三位作曲家编作新曲，企图探索斯氏的想法和生命经验，深掘原作中丰沛的能量背后的成因。
-
特别企画 Feature
百年．春之祭
一九一三年五月廿九日，第一次世界大战爆发前一年两个月 夜晚降临，巴黎香榭丽舍剧院内，霓裳羽衣，冠盖云集 观众席里，人们好整以暇地谈论 不知这个狄亚格列夫、舞蹈之神尼金斯基、斯特拉温斯基合作 名唤《春之祭》的作品，会端出怎样的惊喜以飨观众？ 巴松管悠悠划破宁静 岂知这道宁静只是序曲 古怪的旋律声响敲醒安逸的观众 台上违反芭蕾美感的舞蹈动作更令他们恼火 嘘声、唾骂、互殴台下的躁动呼应著乐曲轰然的节奏 谁能料到，这场暴动将在日后成为《春之祭》传奇的最佳注记？ 经历两次席卷世界的大战 革命性的《春之祭》俨然也注解了廿世纪初的人类历史 尼金斯基后，这支有如轰炸机投射听觉的乐曲 已成为全世界的编舞家挑战自我重要标的 碧娜．鲍许、玛莎．葛兰姆、莫里斯．贝嘉、保罗．泰勒、安哲林．普雷祖卡、林怀民、黎海宁、刘凤学、张晓雄、姚淑芬、沈伟 《春之祭》的现代舞版本不计其数，不同诠释各自擅场 今年，这个将表演艺术推向历史新页、至今毫不褪色的作品满百岁 世界各国不约而同推出《春之祭》祭的经典或新诠 台湾除了三月份碧娜．鲍许来台演出的《春之祭》外 刘凤学也将于秋天把这场祭典再度搬上舞台 无论是瞻仰经典，思索艺术如何颠覆革新 你都没有错过这场百年祭礼的理由 请跟著我们进入这场春天的纸上献祭！
-
特别企画 Feature
经典作品．创世纪
一九一三年五月廿九日，芭蕾舞剧《春之祭》Le Sacre du Printemps首演于巴黎的香榭丽舍剧院（Thtre des Champs-lyses），前卫的音乐引发观众的强烈抗议，造成当时的丑闻。但这出由斯特拉温斯基作曲、尼金斯基编舞、洛里奇设计舞台布景、狄亚格列夫率领的俄罗斯芭蕾舞团演出的舞剧，却未因此湮没于历史烟尘，反而成为后世许多编舞家挑战的里程碑。 问世百年的《春之祭》，何为其成形的时代背景？这些关键人物，又如何参与此中？透过六大密码，本刊带领你回到经典之作的创作时空
-
特别企画 Feature
在失败里复活 从死亡中绽放
舞者们身上披著深褐色粗布麻衣、肢体僵硬扭曲，不谐和的音响加上粗野又强烈的节奏以石破天惊之力猛击《春之祭》的首演让寻不著美感经验的观众愤怒反弹，但其前所未有的管弦乐效果与和弦的组合，打破了自古以来古典音乐的框架，却又让它赢得日后「对西方音乐史上影响最大的五十部作品之首」「廿世纪管弦乐中最伟大的作品」等等历史里程碑的高度礼赞。
-
特别企画 Feature
5位编舞家 5个惊世祭典
斯特拉温斯基的《春之祭》，为何成为后世众多编舞家意欲挑战的里程碑？编舞家们到底如何将之解读，然后构筑出舞作？透过对尼金斯基首演版、碧娜．鲍许版、林怀民版、黎海宁版与沈伟版这五部《春之祭》的演出呈现与动作分析，或可看出其中端倪
-
特别企画 Feature
舞动百年祭典 全球狂热启动
为了向《春之祭》这个作品首演百年致意，欧美舞蹈界推出不少演出系列企画，知名编舞家如比尔．提．琼斯、阿喀郎、韦恩．麦奎格，知名舞团如杰佛瑞芭蕾舞团、荷兰舞蹈剧场、贝嘉芭蕾舞团、碧娜．鲍许乌帕塔舞蹈剧场、波修瓦芭蕾舞团等均将演出相关制作，这场《春之祭》狂潮，将席卷全球舞台！
-
特别企画 Feature
看、听、读 让你离《春之祭》更近！
赶不上一九一三年的首演，让影集与电影带你回到百年前时空；斯特拉温斯基亲自指挥与其他大师的诠释，让你的聆听超越凡俗；对斯特拉温斯基的深入阅读，让你了解他如何打造出这样惊世骇俗的世纪经典
-
特别企画 Feature
德奥—从华格纳到亨德密特 超级节庆年齐出争锋
从华格纳、威尔第、布瑞顿、卢托斯瓦夫斯基到亨德密特，今年正是前述作曲家的诞辰或逝世特殊周年纪念，各大乐团也乘势以他们为主题规划乐季演出，热闹非凡展开庆祝，系列歌剧、现代音乐齐出，乐迷们也趁此机会聆赏以上大师难得被演出的曲目。
-
四界看表演 Stage Viewer
从「伦敦梦」到「美国梦」？
斯特拉温斯基的英语歌剧《浪子的生命历程》，灵感来自于英国画家霍嘉特的系列画作《一名浪子的生命历程》，他把八幅画作串连的浪子故事，转化为三幕歌剧。而在柏林国家剧院制作的版本中，波兰导演瓦里科夫斯基则把该歌剧导成一部「美国梦」；廿世纪以来的美国，显然取代了十八世纪以降的伦敦。主角从一无所有，穿著白T-Shirt、牛仔裤的青年，变成暴富的、光鲜亮丽的幸运儿，不过，这出「美国梦」不是白手起家的青年奋斗记，而是爆发户的自我毁灭历程。
-
焦点专题（二） Focus 与梅湘《被遗忘的奉献》一起震动……
「鼓动．春之祭」 「击」动心灵的节奏
在NSO的「鼓动．春之祭」音乐会，将随著打击乐的起舞，推送震动人心的节奏！除了有常被并比的斯特拉温斯基《春之祭》与梅湘《被遗忘的奉献》，还有天才击乐家马丁．葛鲁宾格再度来台展技，将演出安倍圭子为六根琴槌创作的《棱镜狂想曲》及作曲家多尔曼的双击乐协奏曲《香料、香水、毒素》。
