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戏曲
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宇航的戏曲手记戏曲中对「法」的认识
当我们认识到「圆」是戏曲舞台的美感来源时，就不难解答戏曲学员第一堂课必从「起云手」开始，老师借太极拳的概念来启发我们，通过揉球、上推、下拉、转腕、展肩、撑掌、变脸、聚光各环节，眼神引领为表，气息渗透作里，紧随每一步骤，训练我们手部、眼睛、身形、步伐的高度协调统一，经过长时间枯燥且艰苦的肌肉控制训练，形成一辈子也忘不了的肌肉记忆。
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聚光灯下 In the Spotlight 戏曲演员、导演兆欣 包容自己的有限，探求可能的无限
兆欣说名留青史的艺术家，似乎都有一张抽烟的照片，于是他问：「能帮我拍一张吗？」说想看看自己拿著烟的时候是什么样子。于是，见他自盒里敲出一根烟，又一面难为情地笑著：「演员好像都被期待不能抽烟的，特别是戏曲演员，因为伤喉咙。但我也是有原则的，穿戏服的时后绝对不拿烟。」他很早就认识烟为何物，因年幼父母逝世得早，母亲过去时常吸烟，因此他都是以烟代香，祭拜他们。 学唱旦角已大半生的兆欣，其实亦将部分的「旦」穿进身体里，向外望出去的眼神偶尔锐利偶尔媚，烟雾的淡光正掐在他两指之间。 不按牌理出牌，走一条非常轨之路 许多事情从结果回头推敲，一切都会变得很清晰。 若照时间顺序来看，兆欣的学生时期过得中规中矩，与寻常的学生别无二致，恰好在高中那年的校园讲座上认识了京剧，从此一头栽入。虽然如此，与就读传统剧校的演员比起来，他的起步仍晚了；大学读的又是传播，像是把自己裁成两半，一半是时髦的大学生，一半又往戏曲的浩瀚中潜入。 不过，若将这段历程倒置回来，轨迹便显得斑斑可考不按牌理出牌，才是兆欣的本事。 「小时候我爱画画，画到忘记吃饭，半夜爬起来继续画。但我也没上过素描课，对于整体形象抓不住，像是小时候画个溜滑梯，就只能是平面的滑梯，好像看东西无法用透视法的方式捕捉。」兆欣说。此事单一看来仿佛是个缺陷，但若与其他散落在生命中的落点连起来看，就成了一种风格，像是他说：「我后来在台北新剧团做的第一出戏，台上10几个演员，我让他们做山膀、云手等，都是些传统戏练基本功的动作，很多人当时可能觉得这是在干嘛？可是即便是简单的动作，改变速率、力气，重新排列组合以后，还是能找到新的意义啊。」 年幼时静不下来，戏曲好像带给他一条沉潜静默的可能性；而自高中才被打开戏曲双眼的他，又替那应该静默的路途，开辟了喧哗的实验性，他形容那段时期的自己「很年轻啊，做什么都有种自以为是的心情、冲锋陷阵，以为我带动京剧演员的主动性。」 如今这行走了20余年，或许兆欣已明白自己能力有限，却不可否认他的确主动带著自己，带著这个不愿服输的身体，走了很长一段路。 出走与回返，都是他自己的选择。「2018年时，我一度对身处的环境感到
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回想与回响 Echo以实验为导向 打造新世代戏曲展演平台
2022年下半年，有鉴于台湾剧场界受到疫情严重影响，为鼓励创作人才持续创作，辜公亮文教基金会重启睽违4年的「酷集剧场」，以最高补助新台币100万元、票房归团队所有为号召，征集具有跨领域、跨时代和跨剧种的全新制作，希望在后疫情时代，为有心持续创作的艺术家们提供展演舞台。 「酷集剧场」：无拘无束的实验平台 此次入选的3出作品，风格迥异，充分展现实验精神。「李清照私人剧团感伤动作派」的《湘兰图》，从一幅画为起点，以戏曲结合现场爵士乐队的形式，发展出对明代青楼诗人马湘兰的人物想像与情感共鸣；「刘冠详舞蹈与音乐工作室」推出的《AI SH69VA 欲的终结版》，是以舞蹈结合个人生命叙事，赤裸呈现个人的私密情感与亲子关系；《雷峰塔1924》是由戏曲导演兆欣和长笛家华姵合作的音乐会，该作品以现实中的雷峰塔为经、「白蛇传」故事为纬，透过4名音乐家以乐互动、对弹的形式，激荡出当代人对传说故事的诠释与想像。 事实上，自2016年起，酷集剧场便逐渐成为国内艺术家进行戏曲创新、跨界和实验展演的平台之一。在前两届（2016、2018）中，向来多演传统戏的台北新剧团，曾与兆欣合作推出《易》和《画皮》，这两部充满实验性质的新制作，皆有意识地针对京剧演员的身体进行实验，并以拆解程式、突破行当表演框架的方式，寻找当代戏曲演员的身体状态；而李清照私人剧团感伤动作派的编导刘亮延，也与北京乾旦刘欣然合作《马伯司氏》，以一人分饰多角的独角戏形式，利用京剧唱腔与爵士乐的结合，持续探索戏曲表演与爵士乐结合的各种可能。（注1） 若从台湾的戏曲生态来看，自2004年国光剧团推出《王有道休妻》，同年，「二分之一Q」的昆剧小剧场《柳．梦．梅》，以及台湾豫剧团的实验豫剧《试妻！弑妻！》，由此开启戏曲小剧场的相关讨论。将戏曲与小剧场作结合，是指此类戏曲作品具有小剧场创新、实验的精神，颠覆、突破、转化了传统戏曲的程式规范与美学特征。然而，具有实验精神之戏曲作品，绝不仅是小剧场作品的专利，从早期的雅音小集到当代传奇剧场，甚至是精致歌仔戏时期到当代布袋戏的发展，每个世代的戏曲人在面对传统与现代的
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音乐经典唱段展现名角精采 亲炙历史风华
「谈传统文化，不能不谈戏曲。」禅者、文化评论人林谷芳在音乐会「粉墨春秋」的节目册中，开宗明义地点出了戏曲音乐的重要性。他认为，就台湾所说的国乐型态，可分为「歌乐与器乐」、「说唱音乐」、「戏曲戏剧音乐」、「诗词音乐」、「宗教音乐」5种类型。主流的国乐著重在器乐演奏上，对歌者的注意力较少。然而传统根源若没有与上述类别衔接，将显得贫瘠。因此，在2022年「传统艺术季」开幕的第一场，林谷芳担任策划制作，邀集了传统文化的5大剧种，精选最经典的唱段为艺术季揭开序幕。
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特别企画 Feature 年度现象10意外不意外！？积极传承，寻找戏曲接班人
2023年的戏曲舞台上出现最著名的两场「意外」。4月首演的台湾戏曲中心旗舰制作《凤凰变》于演出前夕公告，主演张秀琴因腹部手术，体力无法负荷，「郑克臧」一角，调整由张秀琴演出第一场及终曲，余由她的女儿张心怡担纲。6月底，唐美云歌仔戏团《卧龙：永远的彼日》演出前的总彩，演员许秀年身体不适，原定角色改由曾玫萍饰演，并调整部分内容。好在的是，同年《凤凰变》台南场，张秀琴重新站上舞台（因体力问题仅出演其中一天）；《卧龙：永远的彼日》的高雄场、台中场，许秀年也复原并顺利演出。 这两场意外，虽使人担忧国宝演员的身体，却也让观众看到青年演员超乎预期的优异表现，不管是在前一天快速调整角色、熟记台词等，或是转换心境，支撑家族戏班的重要演出。 世代传承与接班，与其说是喊了好几年的口号，不如说是剧团与演员无论在私人因素、团队支持、或是政府补助下，已持续进行多年的事情。近年也发生了几个比较标志性的收徒仪式，像是2021年「当代传奇剧场」创办人吴兴国正式收徒朱柏澄，歌仔戏国宝演员王金樱与小咪收徒米雪、郭员瑜、林芸丞等人，2023年则是「梅派传人」魏海敏在吴兴国等人的鼓舞下，正式收徒黄诗雅、黄若琳与陈允雯。收徒过程更强调「仪式」本身，因而成为某种宣示，让更多人看到戏曲被延续的希望，也突显传统戏曲在教学、传承等方面都必须「手把手」，并形成师父与学生间的特殊印记。
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上海直播间成为蚕食演艺市场的「第二舞台」
防疫政策开放后，中国演艺市场虽开始呈现全面复苏迹象，但网路直播间成为瓜分蚕食传统演艺市场「第二舞台」的苗头已势不可挡。据最新发布的《2022抖音演艺直播数据报告》显示，过去一年包括戏曲、音乐、舞蹈、话剧等表演艺术类直播在抖音开播超过3,200万场，平均每场观众超过3,900人次，迹近每天都有近9万场中等观众规模的演出在抖音上演。相反，即便是黄金演出季的五一假期，传统实体演出场次总和也只有5,900场左右。 截止目前，仅仅抖音的表演艺术网路直播行业规模已高达1,844.42亿，相关行业的直播帐号达1.41亿个。观看热度攀升最快的5大演艺直播类型为音乐剧、舞蹈、话剧、喜剧、杂技，其中白领观众热中的音乐剧直播观看人次较往年同期疯涨到978%。 同时，总计有231种戏曲艺术在过去一年开播超过80万场，从受众来分析，各年龄层对传统演出有不同偏好：90后、00后爱看相声，80后欣赏古琴古筝，而70后、60后则对京昆、粤剧、豫剧、黄梅戏等戏曲表演乐此不疲。 值得关注的是，观众踊跃为主播打赏已给直播市场和演艺经济赋予了新的动能。报告显示，近一年来抖音演艺类直播打赏的收入较往年同期增长46%，逾6万名的表演艺术主播月均直播收入高于万元人民币。有73.6%的戏曲艺术主播透过直播而收入不菲，甚至还让不少濒危剧种透过打赏等收入获得新的营运生机。 显然，直播对表演艺术行业有「打造新舞台、带来新收入、培养新观众」的价值。一些优秀的表演专案固然可获得更好的传播发展，但主播们的才艺和魅力能否持久地黏住观众，新的剧码能否经得起更为挑剔的3秒钟刷屏的检验，将是直播间作为第二舞台必须面临的挑战。
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特别企画 Feature
重探大观园 谁识红楼梦中人
浮生著甚苦奔忙？盛席华筵终散场。 悲喜千般同幻渺，古今一梦尽荒唐。 《红楼梦》写家庭的盛衰巨变，写青春的自我追寻，写俗世的爱恨生死，写红尘的繁华如烟，写生命中不可言说的遗憾几乎涵盖了所有通俗文学的题材。 三百年来，《红楼梦》从手抄本、木刻本到石印本，从戏曲、曲艺、影视到现代剧场，在不同的世代，产生了久远而广泛的影响，甚至发展成一门研究科目「红学」。 在戏曲舞台上，《红楼梦》的改编由来甚早，小说印本刊行的次年，便有文人改编〈黛玉葬花〉一折，而根据统计，清代红楼戏曲数量有卅四种之多，分属不同剧种与类型。直至今日，以《红楼梦》故事延伸的改编诠释，仍不断推陈出新。 国光剧团「红楼梦中人」系列，连推两出戏：《王熙凤大闹宁国府》与《探春》，前者是有「红楼老作手」美誉的编剧陈西汀为荀派名旦童芷苓量身打造，由梅派的魏海敏接演，将泼辣狠毒的王熙凤，诠释得意外出色。后者由王安祈编剧，黄宇琳主演，以探春与生母的母女情结为主轴，紧扣原著小说对探春的描写：「才自精明志自高，生于末世运偏消。」 在戏上演之前，且让我们再访大观园，重看红楼梦中人，如何各自精采；这场浮生若梦，何以值得我们一做三百年，未完待续。
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特别企画 Feature
清曲袅袅不绝 唱尽爱恨嗔痴
中国四大章回小说中，因精采繁复的情节铺展，屡屡被传统戏曲取材改编，《红楼梦》的戏曲改写却另走他径，形式与数量皆相当惊人。抽离出不同角色及情节再次发展，幻化出一出又一出的大观园爱恨情仇。统计清代红楼戏曲数量有卅四种之多，分属杂剧、传奇、京剧、桂剧、粤剧等类型，由此可见《红楼梦》的永恒魅力。
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特别企画（二） Feature 现象观察9：新编戏曲触角广
题材创新不设限 新生代接棒尚迢遥
戏曲的创作面貌，在这一年有丰富的面向，超越传统的忠孝节义儿女情长，在形式上跨界多样，在题材上挑战性别、哲学、社会正义等议题，令人耳目一新！而台上的角儿接班状况，有气候已成的黄宇琳与萧扬玲，但整体来说，新生代的成角之路，依然显得遥远！
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特别企画 Feature
陈腔粉调、旦角、胡琴 倾听一出出痴男怨女
张爱玲听过看过的戏曲很多，忠孝节义、英雄侠义、江山美人和才子佳人都有；但别有意味的是，这是一个廿三岁的文艺女青年的眼睛，是一个情窦初开的「小市民」的耳朵，所有看过的戏和听过的腔都被这双眼睛和耳朵过滤了。真正让这双眼睛、耳朵留下深刻印痕和云烟的，不是风化伦理，而是两性情爱，不是家国变故，而是痴男怨女。
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特别企画 Feature
舞台如池，戏如繁花--上海戏剧舞台制作十年概述
戏剧，作为艺术的一种表现形式，一直以来其实最深入民心，舞台之绚丽，故事之坎坷，欲壑之难填，人心之叵测，大家都从中消受那难以下咽的人生。戏剧重镇之一的上海自话剧舶来之后，逐渐重组了「戏」的格局，尤其近十年来，话剧市场如火如荼，传统戏曲也没有退出时代的舞台，大剧团、小剧社，各自安营扎寨，偶打照面便发现沪上舞台已叫彼此妆点得色彩斑斓。
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专辑(一)
戏曲人作主，小剧场有大用
由戏曲人主导、在小剧场空间中进行的「小剧场戏曲」，在台湾的确是少见。《王有道休妻》在红楼剧场引起年轻观众的热烈回响，为这种创作模式博得了好头采，未来，尚待每个剧种、剧团和创作者以各种企图心的实验去赋予小剧场戏曲在台湾的现时内涵。
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专辑(二)孩子，戏开唱啰
在戏曲还是流行文化的年代，众多戏曲剧种中，只有京剧被列入教育体系当中，而且偏重专业表演人才的培养。如今，戏曲变成小众的表演艺术，年轻人对传统文化因陌生而疏远、排斥，戏曲观众高龄化乃不容忽视的隐忧。 九年一贯「艺术与人文」课程的实施，被有识者视为戏曲普及教育扎根的契机，但是该如何落实呢？各方都还在努力摸索当中，这正是本专辑探索的主题。 在 呈现教育体制实施现况的同时，我们进一步引导身为执行者的基层教师如何去思考戏曲的用法和教案设计的方向，甚至跨到体制外，想像在讲究文化创意的时代，戏 曲也有发展另类教学系统的可能和竞争力。此外，我们还从普及教育的角度，期待有更多为儿童量身订作的戏曲制作、创作产生，期待明朝戏曲开唱时，能召唤得来 我们的孩子！
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专辑(二)
结合多科内涵，戏曲教育购「统整」
戏曲艺术的精致化与高度艺术化的特性，不应该是教学上被放弃的借口，戏曲艺术的教学无形中已经结合多样学科的内涵，更落实了九年一贯教育中「统整教学」的概念，其与「艺术与人文」领域的课程目标是密切配合的。「表演艺术教学」这个百年教育工程大计，仍有赖教育与课程学者专家与剧场专业及学者共同合作与长期经营。
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专辑(一)
看倌眼里的戏曲求变记
在瞬息万变的时代，造反特别有理，连原本一腔一字一招一式都有「传统」的戏曲，即使有保留、有犹豫，也无一不在求变。对呈现到观众面前「被看」见才算完成的表演艺术来说，变，不仅是剧种自身对艺术境界的探求，更大的驱动力来自于「看」它们的观众，「看」与「被看」相互牵引，数十年来完成了一出戏曲在台湾的「求变记」。在这出「求变记」里，无论是京剧、豫剧、歌仔戏，乃至于从大陆引进的大小剧种，昔日那条「演什么就是什么」的剧种界限，渐渐不再截然分明。 本专题分别从大陆地方戏、台湾豫剧、歌仔戏、台湾京剧在台湾的演出实况，去剖析这样的大趋势，深度探讨「被看」者如何在现代剧场操作编导、音乐、语言、表演空间的新戏法，本刊以一种「盍各言尔志」的开放态度，让作者们坐在看倌们的位子，去感受、去思考，期待我们明天能再一起看一出好戏！
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专辑(一)
小说为底，戏韵隽香
世界再怎么变，都变不了人类爱听故事的天性。 每个时代都有人在「说」故事，只是每个时代擅场者不同， 在中国，擅说故事者曾经在书场，也曾经在戏场， 如今，主流都不在此了。 长久以来，戏曲往小说的长河里掬瓢而饮，彼此各得各的光彩。 古典小说印成白纸黑字，是不会变的了， 但台上的戏曲还得迎接这一代、下一代想听故事的人， 所以，必须演而变。 变化美好的「传统」，说出当代小众喜闻乐见的故事--戏曲和小说， 因而有了新的关系。
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专辑(一)
从书场到戏场
小说的原生地在书场，其表演的、大众化的本质对戏曲艺术有相当深刻的影响和启发。正如小说不畏冒犯正统历史一样，具有独特表演美学的戏曲也不会拘泥于小说，尤其是当代的新编戏，为了揭示创作的意义，对历史、小说的解释权不遑多让。
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专辑(二)
莎剧生根，是时候了！
重新诠释莎翁戏剧最大的累积和效果，在于外在的形式创新；台湾现代莎剧演出至今已训练出一批台湾当代的剧场设计菁英。不过，当初参与实验莎剧的中坚分子，已转而投入主流的商业性制作，现在新一代创作者，恐怕得再从头摸索一次。随著创作者年龄和资历的不同，我们还是看到上、下两代创作者对莎剧诠释态度与立场的差异，这又隐然与创作者的认同有关。所谓「亚洲的莎士比亚戏剧」逐渐崛起，台湾剧场诠释莎剧的时机已经成熟，现在要加紧赶上的是莎士比亚戏剧的教育、推广和研究
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艺知平台
这群流传千古的精神病患们！
昆剧《琵琶记．吃糠》里的蔡婆，她的多疑可能来自极度的贫穷，但也可以诠释为被迫害妄想症；不停洗手的马克白夫人，她虽然是莎翁笔下的戏剧人物，却比真实世界中任何一位强迫症病患更为著名；歌剧《伍采克》里的医生总梦想著自己的研究能名垂不朽，他的追求终究是一种狂躁偏执行为；而《蟠桃会》的孙行者兴高采烈地模仿八仙的姿态，灵感很有可能来自于现实世界中的杜雷氏症病人。
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戏曲
戏曲DNA的拆卸与拼贴
《变》就好比是将京剧的DNA拆下片段，与爵士鼓、新诗、国乐等做些「基因拼贴」，造出一段段小巧的新作品，所陈列的是形式上的各种可能性，而非呈现一出有头有尾、有血有肉的戏，距离魏海敏想要开创「中国新歌剧」的心愿，还有一段遥远的距离，因为：戏曲的程式性、复制性与适应性有如生命体，而新生命的发育却需要一段相当的时间。
