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跨文化
相关文章 30 篇
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话题追踪 Follow-ups藉展演探看艺术史 以多样性令人重新思考「表演」
纽约「Performa双年展」（Performa Biennial）被誉为当代最重要的现场艺术展会之一，由艺术史学家兼策展人罗斯李．戈德堡（RoseLee Goldberg）在2004年创立，以展示新的委托制作为特色，透过讲座、展览、工作坊等形式的公共教育计划，深入探讨行为艺术在艺术史和当代艺术中的角色。自2013年起，双年展也推动了「无墙国家馆」计划，以无界限的展览空间形式反映各国社会、地理和政治景观，展开对跨文化交流和多元种族冲突的关注，例如2019年与台北市立美术馆及空总台湾当代文化实验场（C-LAB）携手策划第8届Performa双年展「台湾馆」，带入如苏汇宇的《白水》等作品，更为整个计划增添了丰富的色彩。
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焦点专题 Focus在差异中往彼此靠近——跨文化工作备忘录
2023「ACPC亚洲连结：制作人工作坊」的首场导师讲座「作品沟通里的留白艺术」交由曼谷国际表演艺术会议（BIPAM）的艺术总监莎莎宾．希芮旺吉（Sasapin Siriwanij）主讲，在面对本届透过闭门推举制度、实战经验不少的制作人学员们，莎莎宾选择以开放讨论形式，拆解作品所具备的多元脉络（Context），一一分析跨文化工作可能遭遇的挑战与危机，透过集思广益与彼此经验分享，逐个击破。 拆解「脉络」与「文化差异」 莎莎宾从脉络一词的英文「Context」（注1）定义出发，她用一张示意图，视觉化作品与脉络之间的关系：一颗代表「作品」的粉色球置于图面中央，旁边环绕许多褐色小球，每个褐色小球都带有一只箭，回指粉色中心。这些迫切影响著粉色球的褐色球是什么？来自不同文化背景的学员们省视各自提案，提出繁多可能：大环境面向的政治、气候与经济条件；私人层面的艺术家情感走向、人生重大变故、家乡议题、教育养成、语言逻辑，以及制作现实层面的预算、场馆状况、合作对象限制、策展人喜好、金主条件等，变因既广泛且细琐。 同为导师的前澳洲伯斯艺术节艺术总监温蒂．马丁（Wendy Martin）补充，她认为在深入探讨前，需先将脉络分为对外与向内两部分，后者为艺术家陪伴的创作脉络（Context of Making），前者则是面对市场与观众沟通时，换位思考的行销脉络（Context of Selling）。莎莎宾分析，作品本身背负著创作者生长过程里被形塑的特质，也揉杂了上述许多直接或间接对作品产生影响的因子，制作人需要具备多样视角，必要时得跳出创作者感性思考，回到理性的推广与沟通策略，对接下来预期合作的对象深入评估，找寻作品中最适当的切入点，为文化底蕴不同的双方打开可行的共鸣桥梁，催化合作机缘。但也要千万避免对陌异文化产生先入为主的偏见，除非亲身经历，否则面对首次合作对象，请务必保持开放态度。 阿喀郎．汗舞团行政总监法鲁克．乔迪里（Farooq Chaudhry）作为参与讨论的导师之一，也提醒学员在陪伴创作时，除了艺术家关注的焦点范围之外，也需留意那些被刻意避开的题材，有时候隐藏在黑暗里的素材，存有解决创作瓶颈的解答。像是阿喀郎
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企画特辑 Special
不一样的香港 不一样的「音．越」表演
二○一七年香港周活动将在十一月底登场，以「音．越」为主题，借由音乐来跨越地区的疆域、跨越艺术的界线。由各类型音乐表演组成的户外逍遥音乐会《音．越．荟》揭开序幕，还有《禾．日．水．巷》多媒体跨界音乐会带领观众「听」见不一样的香港，另有导演蔡明亮与新媒体艺术家梁基爵合作的《一零（二）》媒体装置音乐旅程，还有《20年香港游戏x音乐巡礼》以展览及小型音乐会的形式，向台湾玩家介绍香港的游戏及其音乐的发展历程，丰富多元、缤纷动人。
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企画特辑 Special
凝视、漫步、聆听 超越有无的化外之旅
《一零（二）》是去年在香港首演的《一零》延续之作，由香港音乐创作者梁基爵搭配电影导演蔡明亮的影像，发展出结合展览装置的现场音乐会，观众可在现场游走，自由聆赏。因为黄耀明牵起的两人合作机缘，过程中却从未密切接触，因为蔡明亮提出这样的要求：不求深入认识、不仗语言沟通、彼此不用改变，请你多多迁就我却是在这样自在的互动状态下，打造出兴味盎然的惊奇。
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封面故事 Cover Story
回到源头 寻找现实的启示
国际剧坛知名的跨文化大师彼得．布鲁克与亚莉安．莫虚金，都曾向印度传统表演请益，并深入当地汲取灵感，融入自己的创作之中。前者以九小时的巨构规格搬演印度史诗《摩诃婆罗达》，为此花了十年准备，并数度带团队深入体验印度文化。后者则学习印度传统表演形式，转化运用在莎剧或希腊悲剧的表演上，或以印度人文精神反思当代世界。恒河文明让剧场创作者重新思考文化的本质、找回舞台表演的核心价值与创作的无限潜能，充满承先启后的能量。
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特别企画 Feature
印度古典舞 解放灵魂 共飨和谐之「味」
印度古典舞的产生与廿世纪初印度反英国殖民的背景有关，为了抵抗外权引发找回本土认同的各种方式，艺术是其中一种途径；于是在学者深入探访舞蹈的根源并对照古籍研究后，目前被认定的印度古典舞有八种，而被认定的古典舞，必须符合印度经典《舞论》中所提及的规范，而且是属于解放灵魂的舞蹈，不是用以纯娱乐的民俗舞蹈。
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艺活志 Behind Curtain
婆妈三宝外的秘密武器——韩剧篇
从婆媳争斗的婆妈剧、演员貌美背景富丽堂皇的偶像剧，到制作精致讲究的历史剧打造「韩流」的主要功臣韩剧，日新月异推陈出新，掳获许多台湾观众的心，而看到网路点播平台的未来趋势，韩剧乘势而上，甚至出现了专门针对网路播出设计的剧集。
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北京
「中法文化之春」 展现法国文化战略全球布局
迈入第七年的「中法文化之春」艺术节从四月到六月，以北京为中心幅射涵盖中国廿四个城市，共推出一百卅四场包括电影、戏剧、舞蹈、等等活动，主力放在年轻族群会感兴趣的「非主流」艺术，也不忘深耕「植入」法国影响力于中法联合制作。透过组织性的缜密运作，法国政府借此进行国内新兴艺术的扶植与文化的战略性输出。
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封面故事 Cover Story
深入探讨伊斯兰教 就是要「事实」！
继二○○五年首度来台演出，向来不畏挑战禁忌、颠覆世俗美感的DV8肢体剧场，将在五月份带来最新力作Can We Talk About This?。编舞家洛伊．纽森借此作探讨伊斯兰教的言论自由、审查与著作自由等议题，舞作名称一语双关；表面上像口语话的「我们可以聊聊」；但也反讽著，这事我们能谈、可谈吗？
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焦点专题 Focus
当京剧碰上莎剧 以虚唤实的跨文化相遇
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演出评论 Review
在现代性中困顿的肉体
通常评论一出戏的成功或失败，剧场空间的使用策略是重要的依据，不能只把空间当作美术的装饰品，剧场与自成一套脉络的美术观念迥然相异，剧场主体在于它的空间是能够发挥出与演出相通的机能性设施。这次《沃》剧让观剧时的视野开展，导演将剧场的空间环境设计出完整的戏剧性呈现，不能不说是成功的主要因素之一。
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舞蹈
坦承无知 认真上课
表演进行到此，很显然的，创作者主要著墨的，是技术层面的南管介绍，策略是暴露舞者无知的本身，让观众看到年轻人身上关于现代／传统的扞格，显然大部分观众都很喜欢这种「后设」的手法，因为隔著舞台看到的，可能是同样的自己。
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戏剧
召唤的，不再是悲壮
《再见！母亲》一剧，潜流著一股跨文化交流中的剧场能动性，展现在诗性的身体和语言中。这里，展现的并不是转译的企图。亦即，丝毫没有要运用戏剧性的文脉，将一个台湾观众陌生的自焚事件或人物，重现或再现在舞台上。相反地，是以受难前后，对于生与死的价值性质问，往返于全泰壹和他的母亲之间，这便也让表演者与观众一起融入（或没入）在一种召唤中。
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企画特辑 Special 女性观点解读童话《睡美人》
《美丽沉睡者》 还原爱情的残酷真相
面对沉重的工作压力，如何找到呼吸的出口？在日复一日机械般的行为模式中，我们找得到存在的价值吗 ? 长期关注现代人忧郁的生活处境，探索女性成长、自觉议题的编导张嘉容，新作《美丽沉睡者》从经典童话《睡美人》出发，以女性观点解读这则古老神话，还原爱情的残酷真相。
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话题追踪 Follow-ups 2010台新艺术奖表演艺术现象观察—戏剧戏曲
跨文化剧场风景成形 追新貌戏曲混搭成风
二○一○年的剧场，有对政治与环保题材的探索起步，有多样非典型剧场空间演出的尝试，看得见制作品质呈现专业的品质提升，也让跨界、跨文化蔚然成为台湾剧场的自然现象；另一方面，这一年的戏曲新作主要延续近年风行的女性、宗教等主题与跨界呈现，整体表现仍然多元而令人目不暇给。
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回想与回响 Echo
有「跨文化剧场」这回事吗？
《春琴》在伦敦演出之后的恶评几乎与《茶花女》在台北的状况一样，大家都在问导演到底想要告诉观众什么？在台北也有人在问《茶花女》同样的问题。日本有剧评说《春琴》是一部用了日本演员及日本戏曲形式演出的英国戏剧，也有很多人觉得《茶花女》跟台湾的审美经验格格不入。这些问题首要解决的是：我们在自已内部到底有没有找到跨越境界线的行动力？否则，「跨文化剧场」也不过是政治意图下的一项文化生产罢了！
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城市艺波 Cities & Arts 巴黎法国导演+东方团队 跨文化剧场新潮流
近来巴黎的剧场界，出现了一股法国导演与东方表演团体的跨界合作潮流。如MC93博比尼Bobigny国立剧院与中国北京戏曲艺术学院合作的《水浒传》，以及巴黎城市剧院即将上演的，由法国导演Arnaud Meunier与日本剧作家平田织佐合作，改编自法国剧本《坠海》的《往高处飞》。
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演出评论 Review
身体作为跨文化的辩证法
浪漫剧这样舖述的语境，使得铃木在本剧中的表现形式，就比讲究纯粹美学的《酒神》来得更为淋漓至尽。譬如甫一开场即让我们看到的武打场面，虽来自歌舞伎的表演方法，却更样式地只是比划手脚，它意味著无法仅赖以西洋戏剧的审美经验，就能够在亚洲／日本剧场里找到看的方法。因此，如何去看《大鼻子情圣》的表现美学，其实是一个如何去看亚洲「现代性」的问题。
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演出评论 Review
「不适应」也是一种看的方法
罗伯．威尔森的戏总是在辩证「不适应」才是从同质性的文化制约中，解放出来的自由身体。因此从跨文化的角度看，是不是刻意让魏海敏的戏曲表演方法，夹在噪音及冷光之中而露出的尴尬性，才能突显我们对东西文化结合的想像？
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特别企画 Feature R.W.的跨文化风景
由边缘启发的「剧场生态学」
由于罗伯．威尔森的跨文化倾向，使得原本以「意象剧场」称呼他的邦妮．马兰卡，在看到他一九八○年代的变化之后，又发明了「剧场生态学」（ecology of theatre）这个词，来描述威尔森中期之后的作品。因为他的剧场让各种不同的题材与文本，都同时存在于一个表演制作当中，这就跟生态学强调的多元永续精神，十分接近。
