表演藝術結合科技已是新世紀趨勢，國內外創作者持續投入開發這塊新生地。二○○一年的台北國際城市藝術節，影舞集表演印象團推出《非愛情故事》，以結合影像動畫與真人舞蹈的跨界模式，企圖走出一條創新之路，今年五月。影舞集製演《@夢》，由陳瑤編導，古名伸編舞，汲取前次經驗的再度嘗試，期待能提供同好一些參考。
影舞集《@夢》
5月2日～4日
台北國家戲劇院
楊莉玲（以下簡稱楊）：請談談這次《@夢》新作與之前的《非愛情故事》差異何在。
陳瑤（以下簡稱陳）：先從這次製作的發生開始說起，在演完《非愛情故事》後，我們即收到大陸演出的邀約，但那時的舞台是因應國父紀念館做的， 受限於場地的種種局限，不得不做一些修改。但在台北國家戲劇院場地敲定後，整個東西又開始變化，因為舞台一旦有辦法活起來後，就有機會讓所有預計的效果再往前走一步，讓舞蹈和影像的結合變得更好。
五月的製作我們特別創了「實擬幻境」這個詞，用影像和動畫來提供一個環境和情境，讓它更貼近幻想和真實之間的交錯，因此取名《@夢》。而“@”則是進行式的感覺，就像一封e-mail，讓它有一種going somewhere的感覺。
古名伸（以下簡稱古）：對於既有的演出形式，一般人已有固定想法，比如說舞蹈、戲劇，或一提到「行動藝術」，就好像是美術界的人做的事情。上次《非愛情故事》動畫舞蹈劇場，有些人很盡力地在看舞蹈，有些人是聽說有動畫，想要去看動畫，結果變成就演出者和觀賞者來說都有一種遺憾。我覺得，反而是那種就是抱著看戲的心情，也搞不清楚什麼叫做小劇場的觀眾，心情會比較能平衡一點。所以這次稱為「實擬幻境」劇場，大家搞不清楚這是什麼，其實挺好的。
因應場地發揮想像
楊：這次的作品承續上次的經驗而來，請問之前的演出經驗是否帶來影響和轉變？改變點為何？
陳：對我來說，《非愛情故事》的經驗對我並沒有造成一個shock，應該這麼說，它是證實了很多可能性，知道什麼東西可以被這樣做或那樣做。第一次我們做得很小心，也經過非常周詳的規畫，所以出來的成品大概跟我們的想像差不多。有些遺憾的部分是場地的因素，比如國父紀念館的舞台不夠深，道具沒辦法出去，舞台空不下來等，但當這次演出這些要求都可以達成時，我們就想如何可以盡己所能地去想像發揮。
在經驗的傳承上，光講到投影機，上萬流明（流明：投影光度單位）的投影機打到舞台燈光上是什麼樣的感覺，而把電視解析度放到最大時又是如何。一般來說，如何設計一個畫面適合投影（適合拿來被投影的畫面不見得是螢幕上看來最好看的畫面）？為了在劇場產生很好的效果，會去做一些調整，顏色、反差的選擇，這些試驗都需要經驗值。
古：我這邊以舞蹈與劇情來說，上次在《非愛情故事》的命題下，其實我們已開始醞釀一個自我夢想中的理想對象，很多地方差一點點就可以延伸到愛情故事以外的事情。
肢體語彙是非常抽象的，現代舞是一種意境的東西，讓人感覺到某一種氣氛，某種動作上的張力或溫柔，也許其他透過服裝、造型的包裝等等，輔助觀眾感受這是一個年老或年輕的女人，但本質上來說還是一個抽象的語彙。
但這與影像的抽象性又很不同，比如樹可以長得很具象又可以很抽象，但樹被放在那兒的意義是什麼，因為舞者肉身的存在，與其互動共舞，使得影像變成抽象意義，所以我們仔細琢磨舞蹈與影像兩者之間的對話。
陳：這次的演出內容像很多的極短篇一樣，而這其中情境之間的轉換，我讓它完全自由、鬆綁，不需要什麼太多道理。之前選擇素材時，我希望它是一個似是而非的狀況，一看就知道它是什麼，可是再看看又好像不是，就像在夢裡的感覺。我們給的是一個開始、一個源頭，讓人家開始聯想，可是這中間與人的記憶還是有某些關聯存在，不是憑空想像的。
想像為底 影舞分工
楊：所以這次的影像仍是一個抽象氛圍，提供塑造一個環境氣氛？
陳：沒錯，是提供一個環境，可有些時候，我覺得舞蹈裡的東西比影像還要具象，有些情緒的因子，舞者間的態度，是身體馬上就呈現表達出來的。而氛圍只是提供你另一個想像力的空間。
古：我補充說明，我剛說舞蹈抽象的意思是說，這裡頭並不是僅敘述一個故事，而是它又有許多片段可以去發想，就像一包糖果中有各種口味，但都是那包糖果。
楊：是否兩邊的共同點和主軸就是「夢」，夢是那個糖果盒，然後你們各自表述？
陳：確切來說，在《非愛情故事》動工之前，大概討論了有一年之久，都是在討論。然後我們開始分工，哪些東西有影像，哪些東西有音樂，所以我們很清楚要達成的目標是什麼。這次的東西又比上次更嚴謹，我擔任全職的編導，和舞蹈這邊不斷經過討論、調整，哪個地方影像要支援舞蹈，何時古古（古名伸）想要把舞蹈加長，或把影像全部拿掉等等。
古：真的很少人這麼奢侈去做的，除經費外，工作人員的溝通和對話時間耗時費力；比如陳瑤要知道多少舞蹈，我要知道多少影像這件事，兩個人重疊起來幾乎投入百分之三百的心力。所以我現在也懂得不少電腦專業術語和一些剪接技術，而陳瑤也在我們舞團慶祝十週年時露了一手舞蹈（笑）。
應該說，影像是多麼複雜瑣碎、高深的東西，單單想像影像在背後墊個底，一個想法開始溝通就要講半天，到製作過程中，電腦真的很笨，看似簡單一步卻得下那麼多指令（陳瑤在旁補充：電腦絕對比妳的舞者笨！）；但它在舞台上力量極大，所以編舞時要很小心，因為在這個大銀幕的影像只要動一下，舞者就白跳了！
陳：不只你，我也很小心，在整個製作的觀念中，舞蹈是最重要的元素，絕對不會把它吃掉。
燉一道虛實交錯的菜
楊：就「看」的一般過程來說，觀者的視點若非專注在舞者身上，就是集中於影像的敘事，兩者應各有其主體性，相對而言也有其不相容性，如何互補？
古：以電影《芝加哥》為例，舞蹈中呈現芝加哥的昇華和糜爛，絕對不是表演者一個人可以出來的，是週遭幫她烘托出來的。
我從小跳舞只管自己的身體，後來發現如果沒有舞台的力量的話，效果會被打了很大的折扣。比如說，《芝加哥》裡舞台背景複雜、堂皇，加上特效、燈光種種之後，讓觀眾得到想要得到的訊息，可是大家的眼睛還是專注在那舞者身上。
我想，許多經驗的傳達和力量是在很抽象的合成效果裡頭完成，這也是我們這次合作所期待累積的經驗。
楊：宣傳文案打出「虛實交錯」，讓人聯想舞者是「實」，影像是「虛」，後者變成舞者想像的一幕情景，你們的企圖應該不只是這樣？
陳：大致來說，觀眾看到的結果也不會是這樣，當然其中有些觀眾會感覺影像是舞者想像的投射，但有些反而來自一般大眾想像的一部分。這其中很有趣的是，「真實」舞者雖然一直站在台上，但隨著場景意涵的不同，也會變成虛幻的角色，他們並不完全代表真實，除了不能變成透明的以外。
古：陳瑤這次讓每個夢境的做法不同，在這當中我們不能忽略方法的重要性。因為大家慣常以為內容是重要的主軸，但這也需要許多精密的方法去烘托出來。就做法上，就充滿了各種想像的可能去試驗、發掘，因為不同的技術造成各式各樣的效果。
一個表演要做到成功，技術部門絞盡腦汁去呈現，我想提一下我們做動畫的朋友，這次對他們來說是從來沒做過的事，一直在用心開發不同的可能。
陳：舉例來說，同一道菜每個人燒出來的味道都不同，就在於那一點佐料上的用心。這次跟我一起做的這些朋友，他們都想要再多用一點心去把效果做得更好。
之前長時期製作電視電影，讓我感覺疲累，因為只看到螢幕，有個框架存在。我一直想把它放在表演藝術中，以一種類似特效方式，不是把舞台壓到我平面裡，而是把整個畫面拉出來，我覺得這是有可能的。
這次《@夢》以好幾層投影幕，逐步拆解、合成畫面，盡量滿足觀眾席不同視角的成像，但我最大的希望還是能在演出前直接進到劇場裡架設、測試，因為這光學的東西如何去克服哪些角度，會遭遇哪些困難，必須擺出來才能試驗才會知道。
楊：就合作過的兩部作品，請談談舞蹈與影像借助彼此的關鍵何在？
古：不管是事業、生涯規畫，舞蹈是我一項專長工具，不過我對「表演藝術」的興趣已超越「舞蹈」，我承認舞蹈有本身的魅力，但無法光以此滿足，希望多一些未知、危險的探索，過程中也許得付出不夠完美的代價，但都無妨，接觸即興對我是舞蹈一個未來的出口。
同樣地，不只影像，我也曾與戲劇、音樂、美術合作過，但音樂與舞蹈好像牛奶加咖啡，完美而順理成章；與戲劇在一起時，我想除了像碧娜‧鮑許清楚地聲明，舞蹈無法確切表達她要說的話，所以她需要語言，語言是為了要補強舞蹈之外，向來與戲劇的合作，文字的具象性和身體的抽象性使得舞蹈幾乎只是在填補其不足，但舞蹈若一過頭，戲劇又會變得很怪。
與影像合作，舞台空間是視覺的呈現，讓它可以更豐富，表演藝術對視覺影像的索求會是一個會不斷更新超前的趨勢，雖然目前這兩者之間的互動仍是一個學習的過程。但有趣的地方就在這裡，我好像不是在處理自己已經理解的東西，未來的各種可能充滿無窮的吸引力。
陳：一直很喜歡看舞台上的表演，真人演出當下面對面的感動。我看到現代舞很大的彈性空間，也遇到一位創作態度開放的編舞家。自己是那種習慣做事情做得很仔細，也會一直丟出很多想法的人，在這方面，很感謝古古的配合，彼此不斷相互激盪、思索，因為這個新的演出、劇場形式需要各行的專業形成一個新的團隊，大家一起交流、溝通。
對談人：陳瑤 影舞集藝術總監、古名伸 古名伸舞團藝術總監
引言人：楊莉玲 本刊編輯
記錄整理：王菊櫻 藝術工作者
