或許在演出人員有限的情況下，為了創造與原聲帶類似的效果，在音樂廳中使用合成器製造類似卡拉OK的節奏迴路與音效乃情有可原，然而現場收音消弭不同音源位置的差異、把所有聲部全部混在一起，卻讓人不明就裡。……
Fun音樂—哥倫．布雷高維契音樂會
TIME 6.5
PLACE 台北國家音樂廳
金獎配樂大師哥倫•布雷高維契與專屬樂團這次帶來經典電影配樂作品，包括《地下社會》、《流浪者之歌》、《瑪歌皇后》、《亞利桑納夢遊》等主題曲，以及樂團最新專輯選曲。這位知名巴爾幹音樂家一出手果然不同凡響，沒有影像卻依舊使聽眾感受到音樂的歷歷在目與故事張力，讓音樂廳裡習慣正襟危坐的文人雅士全拋開矜持，隨著節拍手舞足蹈，甚至在高達五次的安可曲中跟著樂手唱和。
音樂廳真的是電影配樂最好的演出場地嗎？
他們的演出充分掌握東南歐傳統音樂的內涵與語法（idiom，如偏重口腔與鼻腔共鳴的歌唱方式），而非一知半解地搬弄民俗樂器、混搭傳統旋律、挪用特定音階或節奏以拼貼異國情調。近年來在全球化的威脅之下，包括台灣在內的許多國家均苦思如何避免在地音樂被英、美、日流行音樂同化而特色不再，布雷高維契與其樂團不僅嘗試將傳統音樂元素融入創作，更對其所運用的音樂元素有充分的瞭解，這種專業精神值得音樂工作者與閱聽大眾的深思與重視。
記得當晚布雷高維契曾說，國家音樂廳是他遇過最好的演出場地。這或許是句客套話，卻值得我們思考：音樂廳真的是電影配樂最好的演出場地嗎？
電影配樂作為錄音科技的產物，自一九三○年代被放進音軌，與影像、文字環境音、音效、對話共同成為電影敘事的重要角色。透過事前錄音與剪輯編排，它總是以最完美的音量、音色與零缺點的表現，在最適切的時間點上為情節服務。在錄音技術與音效的協助下，電影配樂不受「演出人力編制」與「同時演出」的限制，為求效果，可以無限制地添加聲部，創造現場演出無法加入的特殊音色。
相較之下，音樂廳當中的演出雖然同樣經過妥善的「事前安排」，卻多了錄音音樂所沒有、「突發╱即興」的刺激與趣味：演出者在一個與觀眾近距離接觸的情境中，展現的不僅是「養兵千日」的實力，還包括對臨場狀況的即席反應。換言之，在音樂會裡，演出者不像在錄音室中可以不斷重來，相反地，他們每分每秒都處於緊繃狀態，面臨一閃即逝、一拍兩瞪眼的聽眾考驗。除此之外，演出者在台上的音源定位方式，會產生特定的音場與視覺感受，這也是聽現場演出與錄音音樂的不同之處。
在音樂廳中使用合成器創造與原聲帶類似的效果
從這個角度出發看布雷高維契與樂團本次的演出，或許在演出人員有限的情況下，為了創造與原聲帶類似的效果，在音樂廳中使用合成器（synthesizer）製造類似卡拉OK的節奏迴路（loop）與音效乃情有可原，然而現場收音消弭不同音源位置的差異、把所有聲部全部混在一起，卻讓人不明就裡。而音響總音量過大，不僅讓人如坐針氈，更造成明顯的干擾回音，使音樂的層次與細節全部糊掉。此外，或許是因為演出頻繁，部分樂手似乎有種只想趕緊把「知名旋律」演奏╱演唱過去的應付態度，表現出的音樂性當然也就難以達到原聲帶中的深沈廣袤。
有這些問題不代表電影配樂不適合搬進音樂廳，相反地，音樂廳絕對是電影配樂「配角變主角」的重要舞台。只是，能不能同樣完美演出，甚至創造與CD截然不同、嶄新而深刻的聆聽感受，或許得回到如何改編、如何呈現的問題。
文字｜許馨文 政治大學廣播電視研究所碩士
