塩田千春的裝置藝術予人強烈的「劇場感」，走進她的作品宛如走上一座舞台，擦身而過或停留駐足的觀眾，就像一個個走動的表演者，在此時交會片刻。當她將這些創作元素打造成舞台藝術時，那些日常物件在劇場的舞台上營造出超現實的異視感，那些「不在中的存在」不僅賦予舞台表演更豐富的詮釋觀點，也提供觀眾探問生命本質更多重的想像。
《塩田千春：顫動的靈魂》──5/15起暫停開放
2021/5/1－10/17，臺北市立美術館 一樓1A、1B展覽室
現於臺北市立美術館展出的「顫動的靈魂」，堪稱塩田千春25年創作生涯最完整的大型個展，由東京森美術館策畫並於2019年首展之後展開海外巡迴。塩田千春以色線交織構築的空間裝置為人所知，作品具現無形的幻境、寂靜與不安……觸動人們深層的情感。除了藝術創作，塩田也參與舞台設計工作，「顫動的靈魂」另闢專區，以數位輸出、紀錄片、模型和手稿來介紹，觀眾亦可對照她個人的創作及舞台設計的關聯性。
自2003年起，塩田千春陸續為9部戲劇和歌劇表演擔任舞台設計，其中尤以華格納的歌劇《崔斯坦與伊索德》（2014）、《尼貝龍根的指環：齊格弗里德》（2017）、《尼貝龍根的指環：諸神的黃昏》（2018），以及日本作曲家細川俊夫與德國編舞家莎夏．瓦茲（Sasha Waltz）合作、以日本能劇為本編導的《松風》（2011），在舞台上築起一座跨距14公尺、高10公尺的巨型黑網裝置，格外受到矚目。
「非常塩田」的舞台設計
塩田的舞台設計辨識度極高，一眼就能「看見」她慣用的創作元素：編織的線網、船、洋裝、古董傢俱等，能將風格如此強烈的裝置藝術收攏成為舞台的設計，同時又能和戲劇表演相得益彰，塩田接受專訪時表示：「在劇場，若要說有藝術腦袋的，應該就是導演了。」
塩田與導演卡拉塞克（Daniel Karasek）合作多次，華格納歌劇之外，還有改編自莎士比亞的《冬天的故事》（2016），均於德國基爾歌劇院（Oper Kiel）演出。談起合作的過程，塩田說，卡拉塞克主動向她提出邀約，「『不在中的存在』向來是我創作的大主題，我的作品裡頭沒有人，但又曾經有人的存在，這樣的情境，讓導演很容易想像怎麼放他的演員，以及配置在舞台上會是什麼樣的效果。」
塩田打造的華格納舞台視覺低限而冷靜，她認為，華格納的作品探討生命的宏大與黑暗，和自己創作一直在探索的問題相近，「探討人生都會綜歸到生死，雖然我的舞台設計不見得華麗，但是核心課題與華格納的精神應該是契合的，這應該也是導演之所以挑選我的作品，作為舞台設計的主要原因。」
塩田不諱言，華格納歌劇是她至今認為最困難的製作，一是涵蓋的元素多：有戲劇、舞蹈、歌唱等，另一是華格納歌劇的時間長度，「很難想像觀眾盯著我的作品5個小時，這是很困難的事情吧？觀眾在美術館是自由的，要花多久時間看作品全憑個人喜好，但最久也不會超過5個小時，所以，一開始我的想法是準備很多套景，可以不斷更換。但是導演告訴我：千萬不要這樣做。」
「導演希望我維持『塩田千春』應該有的風格，但是別把舞台當成展覽來做。他說，舞台還有燈光、演員、音樂和其他技術來協助場景做變化，不是只靠舞台設計，這才讓我轉變觀念。對我來說，跟舞台劇導演合作是很好的學習。」回想接案之初，塩田對華格納的作品其實無感，「我很喜歡音樂，也常去柏林愛樂聽音樂會，但一開始跟不上華格納的旋律，也沒辦法進入，直到父親過世後再聆聽，發現心境轉變了，似乎可以理解華格納作品中的浩瀚、偉大與黑暗。」
塩田也透露，目前正緊鑼密鼓籌備中的新作，是今年7月在慕尼黑一場為華格納舉辦的藝術節活動，她受託製作一件戶外裝置，邀請單位希望她以在《諸神的黃昏》裡的舞台設計為意象，進行創作。
2011年在比利時布魯塞爾皇家鑄幣局劇院（le Théâtre Royal de la Monnaie）首演的《松風》，塩田打造一座舞台正常開口（14mx10m）的巨型黑網裝置，舞者在綿密的織網線絡中攀爬、漂浮，視覺創造的穿透性，也為這齣改編自鬼魂為主角的「夢幻能」德語歌劇，在濃重的死亡氣息之外，又有浪漫的言情詩意。
《松風》由莎夏．瓦茲編導，細川俊夫作曲，塩田和瓦茲是同住在柏林、結識20年的老友，因為細川俊夫希望舞台由日本人來設計，瓦茲找上塩田幫忙，「本來導演希望做個跟房間差不多的裝置，我說平常做的東西比這個大多了，沒想到她把這句話放在心上，最後找個更大的場地，做出這麼大的裝置，一層一層織得非常細密，舞者可以在裡頭表演。」塩田原以為不可能實現的構想，在技術專業的協助下，完成這座可折疊、可移動的裝置系統，現由柏林國立劇場買下。
