導演曾慧誠從紐約返台，也已10多年了。檯面上，隨著場館的興建，本土音樂劇的演出看似才漸漸甦醒；檯面下，那已是經歷了一波又一波翻天覆地的轉變，才慢慢有諸多作品浮上觀眾面前。曾慧誠說：「我一開始將音樂劇的表演概念帶來台灣時，很多人都覺得很奇怪、好像那些說法都是從我頭腦裡長出來的，大概要等到這幾年，開始跟紐約的師資做連結，才發現那些都是很基本的概念。」舉例來說，2008年他指導《隔壁親家》，「剛開始排練，我說先不要唱，彼此用歌詞來對話，但不要做任何事。這件事情對那個年代來說很莫名其妙。」
隨著第一手音樂劇知識引進，制式的表演訓練似乎正慢慢消弭，而曾慧誠當時所謂的「先不要練唱」，實是在強化表演的溝通功能。「音樂劇最大的困難，就是歌詞其實是台詞的延伸，無論什麼曲子，基本上都是溝通的工具，沒辦法因為表演而喪失。」
曾慧誠聊其導演心得，爽快卻偶有「曾經滄海難為水」的感慨，又隨處可見他對自身土地的熱愛，言談如針，直往關鍵處插。他曾歷經3間不同的表演學院，看過一流的頂尖人才，如今同輩中人亦有獲得東尼獎肯定者，因此曾慧誠十分明白百老匯的演員各個都身懷絕技，無論話題怎麼繞，他三句不離基本功——能唱，能演，能跳舞，都只是在蹲馬步，音樂劇的世界恐怕比常人所想像得更艱辛。
然說起弔詭處，恰好也在這。明知這不是能簡簡單單撐起的能力，台灣則似乎常將市場流量擺在基本功前面。他舉個例子：「我們不會找一個台語歌手去演歌仔戲，不會找一個華語歌手去演京劇，卻會邀請流行歌手來演音樂劇？」此話聽來藏有譏諷，實則全是柔情。只因他思考的不只是當下，而是忖度整體環境的選擇，會予以來日怎麼樣的榜樣？
曾慧誠常舉的例子是：「今天場上寫了一個高音，演員為達到那個高音的水準，除了專注在那顆音上什麼都不能做；或演員能夠輕易唱出這顆音，並且把力氣放在不同的表現上，這是全然不同的層次。演員應該是要能輕鬆在舞台上釋放他們的表演，因為私底下他們能做的應遠遠超過台上所見。」
馬步站穩，功夫練好，此非一朝一夕的功課。為此，曾慧誠做的不僅是導演工作。其所成立的「躍演」長年培訓團員，彼此養出紮實的默契與能量，發展原創音樂劇作品，如膾炙人口的《釧兒》，或《麗晶卡拉OK的最後一夜》，皆出於這批成員。另一方面，若與新的團隊合作，則必於排練前開辦工作坊，如9月的外百老匯授權劇《The Fantasticks夢幻愛程》便是，以求眾人對於表演的態度相仿。
無論是與老團員的默契，或者是新團隊的培訓，此般涓滴養成，都是種朝大海前進的壯志。或許再過幾個年月，這座島嶼也真能養出屬於自己的波瀾呢？
曾慧誠
「躍演」藝術總監、東海大學表演藝術與創作碩士學位學程兼任助理教授。紐約大學（NYU）音樂劇表演碩士。創作以「紐約音樂劇表演概念與創作架構」為枝幹，在「自身文化」中尋找養分。導演作品：躍演中文音樂劇《勸世三姊妹》、《釧兒》、《麗晶卡拉ＯＫ的最後一夜》、《DAYLIGHT》；臺北市立國樂團台語歌劇《李天祿的四個女人》、《蔥仔開花》等。
