藝術學校跟電影學校不會教的就是資源管理。
正在籌備短片開拍、同時開發數部長劇集、數部音樂劇的此刻，有深刻體認。
所有的學製畢製完全不會碰觸到預算部分，畢竟是個學習歷程，換算成業界工時都是不合理的。
但在工時既要符合勞基法、成本又節節上升之下，所有製作頭都必然面對成本預算市場評估等務實問題。
朗．霍華（Ron Howard）說：導演是懂得調度資源分配的人。他也說，他的導師是喬治．盧卡斯（George Lucas），喬治跟他說，只要你的劇本跟演員夠好，並不會因為沒有按照你最理想的場景跟複雜鏡頭拍攝，就失去了這場戲該有的力量。
韋納．荷索（Werner Herzog）說：你要習慣被拒絕。他也說，他看過最棒的電影之一，是尚．胡許（Jean Rouch）在1950年代拍攝的紀錄片《瘋癲大師》（Les Maitres fous），而他甚至沒有一般的攝影機，是手搖的，一次只能拍24秒。
一桌二椅，更是最早就有的戲曲形式，有上百齣可以這樣演完的作品。
配合勞基法跟節節上升的人事成本、製作成本，任何人想從事這個行業，都要知道你永遠都是在一定的限制下創作的，連好萊塢都會抱怨預算不夠，更何況。
然後這件事學校不會教，也不可能教，如何判斷你的創作可能所需的經費、可能面對的市場、可能國際的連結，才不會老是有懷才不遇的怨氣。「我的作品很棒！為什麼不加演！」有可能是它夠不棒，也有可能是它本身就很小眾。「我的作品很棒！為什麼不能前進國際！」有可能沒有國際的連結（我們都知道韓國如何經營它的文化外交）、也有可能這不是目前國際要的東西。「我的作品很棒！為什麼沒有票房大賣！」是否要思考電影院╱劇院的本質已改變了，美國的電影市場證明電影是社交行為，愈沒有娛樂性的作品會選擇在串流上觀賞的機會更多。「為什麼不能做短影集！短片才是創意之源！」因為平台有留住觀眾數的KPI壓力。而就算思考以上種種，你也不見得可以讓作品好，如何在創意、核心、品質與現實資源中不斷取得平衡，這才是每天都在面對資源管理的創作者，所必經的考驗。
劇集上，考慮除了超花錢的大戲——大戲真的非常疲累、成本高昂，製作過程極為耗時耗力——有沒有開發場景單純、角色集中的戲劇的可能，等於從劇本階段就要控制成本，還要找到亮點，電影上，怎樣的預算比較可能做怎樣的戲，所以總是會有該花錢跟該省錢的地方。劇場上，除了把關戲的品質絕對沒問題，有沒有什麼突破同溫層的創意亮點——當然這些都是建立在，你得讓它回收成本，甚至還能賺錢，畢竟一直賠錢，或者既不賺錢也沒口碑，要繼續得到機會或者突破自我難度甚大。
冷靜看待觀眾的反饋。很多創作者常為自己的作品辯駁，我自己從不做這件事，連成為跟朋友抱怨的一個話題都不太會，已經在構思下一個了。會看，有建設性就吸收，沒有就放過，當然有時太多看不完。做完就做完了，我甚至是自己作品的第一個批判者，光在排練時我就會改無數次，我覺得如果觀眾看完有哪裡困惑，虛心聆聽，會比去一直去解釋來得好，需要解釋跟靠節目單的論述補足的作品，就不是，足夠好的戲劇了。放下吧都過去了，我甚至不會回顧過去的作品，因為有太多想做的事。每一次創作時都有限制（不管是自身不足或資源不足），但如果太把作品跟自己綁在一起，你只是在享受那個藝術家姿態的你，而不是追求你心中的藝術，我看荷索的訪談，他永遠都在談他看了哪本書、哪部片、哪個風景打動了他，做這件事哪裡讓他印象深刻，雙眼放光。心中永遠有個更高的追求，可以讓你不要陷入作品＝自己的莫名地獄，把自己看得太重要的人，通常也走不遠。
