PAR 表演藝術雜誌

1997年，奧拉弗．埃利亞松（Olafur Eliasson）以《單色房間》受到矚目；2003年在倫敦泰德現代美術館創作《天氣計畫》，迷霧籠罩發光的巨大「太陽」打造沉浸式體驗，吸引約200萬名觀眾參與，成為泰德的經典展之一，也確立埃利亞松的國際名聲，這使得首次來台個展「你的好奇旅程」備受期盼（當然還有Netflix於2019年推出《抽象》紀錄片的加持），開展後更是熱度爆棚。

藝術經過「設計」，取得最大值的共鳴

開幕那天，臺北市立美術館安排一場藝術家導覽，《苔蘚牆》展間被人潮占滿，埃利亞松簡扼談及個展作品的思考，觀眾就像聆聽牧師布道般，覺得意猶未盡、等待進入下一個展間之時，他卻就此結束導覽。

埃利亞松多次表示，不希望對作品做過多的說明與文字詮釋，美術館也應當如此，「引導觀者打開感官，並且相信自己的感官、感受」是他的理念。事實上，從這次個展觀之，毋須導聆、也不用緊抱導覽手冊，僅僅17件作品，以具有節奏感的動線規劃，回歸人們感知經驗和美學體驗的召喚，也讓觀者較有精神上的餘裕駐足觀看、挖掘和思考，並展開自身的探索旅程。

為了讓觀者接收、感知和體驗，不難發現，埃利亞松的作品是經過縝密的「設計」而成，它們有些共通性：一是他常以大自然、幾何造型、日常物件等作為呈現，人們都知道植物、水、彩虹和冰川，也認識三角、圓形、曲線等基本造型，由此出發，容易引起共鳴。

早期作品《美》（1993）就已展露這樣的意圖，在展場創造自然現象的彩虹之「美」，隨著觀看的遠近、視角的高低等變化，每個人所見到的色彩狀態各不相同，造就獨一無二的體驗；但倘若展場沒有人，也就不會有彩虹╱藝術的存在，這意味著觀者是埃利亞松的藝術完成與否的關鍵，他提到經常會思考作品如何與觀者相遇？觀者能從作品中體驗到什麼？

關照觀者的體驗，可視為埃利亞松創作的一項特質，也反映在看似高科技藝術的外表下，實則是運用光學、物理學、色彩學等原理，觀者只消具備粗淺的科普知識便能看出端倪，如：《環星共振器》（2018）利用稜鏡折射、燈源的錯位與調動等，在牆面映現出美妙的黃綠色同心圓；還有在美術館大廳擺盪的《循環扇》（1995），受到自身及周遭氣流牽引產生不規則的律動，猶如馬戲團空中飛人的優雅姿態，也讓人們感受空氣的無形力量。

代表作《單色房間》放諸今日依舊大膽。在空無一物、只有滿滿黃光的空間，挑戰人們習以為常的視覺經驗。在單色光強制干預下，其他色彩彷彿消失一般，原本熟悉的環境也變得陌生。正因作品與觀者共構而生，埃利亞松被視為開啟當代藝術「體驗經濟」和「沉浸式體驗」的先行者。2003年，《單色房間》代表丹麥參加第50屆威尼斯雙年展，而今，這件作品對省思視覺經驗本質的提示依然有效，走進北美館展場，因視覺出現異樣感到詫異的同時，也不由得思考這究竟是怎麼回事？

身體之於空間、自然界的感知挑戰

埃利亞松喜愛引用大自然，和成長經驗有關。父親是冰島人，母親是丹麥人，埃利亞松年少時和父親在冰島共度的時光大多與自然為伍，他也曾沉迷於霹靂舞，1980年代中期前，和同伴在公共場合表演。這些經驗讓他對自然、空間與身體的關聯分外敏銳，反映在作品中所欲召喚的身體性——包括身體作為空間的度量和記憶的容器等原始能力，展出作品《多重影子屋》（2010）、《動作顯微鏡》（2011）都從身體出發，前者是觀者可參與的空間裝置，後者是一部影片，藉由舞者的慢動作舞動，帶領鏡頭穿梭在埃利亞松於柏林的工作室當中，除了一窺工作室的日常，包括著名的員工食堂，也在舞者動作的牽引下，對空間細節有更多的觀察。

埃利亞松的工作室是由工藝、建築、行政、技術與研究員、檔案管理、廚師等專業人才組成的大型團隊共同運作。在創意發展的過程中，團隊會想出「怎麼製作（how）」，他則擔任「為什麼（why）要做」的決定性角色。

埃利亞松也跨足建築設計，2019年還曾被任命為聯合國開發計劃署（UNDP）氣候行動親善大使，關注環境永續議題，這次展出《冰河的最後七天》（2024）將冰島「鑽石海灘」（Diamond Beach）的冰塊進行數位掃描後，轉以青銅雕塑呈現，每個青銅冰塊對應一顆玻璃球，意喻冰塊融化後的水量，提醒人們氣候變遷的衝擊正在發生中。

綜觀埃利亞松逾30年的創作，橫跨繪畫、攝影、雕塑、裝置等多樣媒材，召喚人們失落的感知能力，也打破理所當然的知覺慣性，他形容人生是不斷在改變的旅程，唯有承認自身的「脆弱」，才有機會學習和接納更多不同的可能。他的藝術可直觀以對，意涵又因人延伸，詩情之外亦富哲思，在時局紛亂的當前，這些體驗或許有助於人們重新整理和找尋己身立命的位置。