PAR 表演藝術雜誌

要策辦一個頗具規模的聲音藝術展並非易事，特別是聲音的展呈通常牽涉較複雜的技術問題，以及若想在以視覺為主導的美術館空間展出，藝術家不免得思考，在使用耳機之外，如何讓聽覺「呈現」的老課題。由巴黎龐畢度中心主辦、國立臺灣美術館（下簡稱國美館）共同合作的「無序樂章：聲音藝術之旅」，由該中心新媒體藝術部門首席策展人瑪切拉．利斯塔（Marcella Lista）策畫，在龐畢度的典藏之外，另加入5組台灣藝術家之作，30組作品具現聲音藝術的多形樣貌。

利斯塔談及，聲音多數時候隱於無形，卻早已是拓展藝術邊界的實踐場域，過去20年聲音深刻地介入視覺藝術與展覽文化，如：實驗音樂、聲音雕塑、田野錄音採樣、數位媒體、行為藝術及後觀念藝術等，跨領域的交融展現強烈的批判性與美學能量，同時也挑戰人們習以為常的感知方式。

「無序樂章」（Of Anarchy in Music）一詞源自作曲家托馬斯．馮．哈特曼（Thomas von Hartmann）1912年在康丁斯基（Vassily Kandinsky）編輯的年刊《藍騎士》（L'Almanach du Blaue Reiter）發表的文章。哈特曼是「無調性」（atonality）的支持者，他提出：「任何聲音以及音調的組合序列，都是可能的。」只要能回應藝術家的「內在需要」（inner necessity），並脫離古典和傳統的聲學規範。這樣無政府主義者的觀點（anarchist idea）穿越時空疆界，在今日引起新的共鳴。

純．聆聽

聲音藝術先鋒比爾．豐塔納（Bill Fontana）和蘇珊．菲利普茲（Susan Philipsz  ）的作品均裝設在國美館戶外，前者在開放式平台裝設28聲道喇叭，後者的6聲道高掛在樹林間，與環境音有所互動。豐塔納受教於約翰．凱吉（John Cage），1970年代起致力於聲音藝術創作，《平行測量：沉默的回音與正在融化的冰河》（2024）的聲音採樣來自巴黎聖母院大火中倖存的鐘體，與奧地利冰川融化的迸裂聲響，來自他方的細微聲音突顯對氣候變遷的關注。

菲利普茲在《布穀鳥窩》（2011）中，以中世紀的英語方言演唱一首13世紀牧歌，這首歌是輪唱和六聲部對位音樂的完美範例，藉由重複和連續聲部的疊加產生變化，藝術家非專業歌手，卻演唱所有聲部，如同每個人都能傳唱記憶中的歌謠。

視覺化與無序的體現

不同時期的藝術家運用當時的科技進行聲音的觀察和試驗，這次展出的經典作品如：史坦娜．瓦蘇爾卡與伍迪．瓦蘇爾卡（Steina Vasulka and Woody Vasulka ）《聲音尺寸》（1974）、蓋瑞．希爾（Gary Hill）《黑╱白╱文本》（1980）實驗聲音信號於類比電子影像的互動呈現。艾德蒙．庫歇與米歇爾．布雷（Edmond Couchot  and Michel Bret ）《蒲公英》（2006）是老少咸宜的互動裝置，對著現場的麥克風吹氣，便能觸動影像中蒲公英種子漫天飄舞，影像的變化始於每一次的呼吸，是這兩位法國數位藝術界代表人物的詩意想像。

日本藝術家毛利悠子《遊行》（2011-2017）與香港藝術家楊嘉輝《消音的柴可夫斯基第五交響曲》（2018）試圖挑戰「合奏」（ensemble）的多種類型，前者透過電動機械裝置操控木琴、手風琴、氣球、鼓等所組成特殊的樂團，在不和諧中發現聲音與物件之間生動的共鳴。

楊嘉輝與樂團合作的「消音狀況」系列，樂手們努力演奏，卻只聽見拉弓觸弦的擦擦與動作聲等，音樂本身被消音，將過往被掩蓋忽略的現場音反轉成主角。

認同與權力的建構

藝術家也觀察聲音如何引發身體、心理與情感的位移，或成為身分認同的憑藉。馬克．萊基（Mark Leckey）《Fiorucci讓我變硬派》（1999）網羅「英國舞池」（British dancefloors）的既成影像，重溯1970年代「北方靈魂」（Northern Soul）到1990年代初期「鋭舞」（Rave）地下文化的軌跡與認同的建立。哈桑．汗（Hassan Khan）《珠寶》（2010）也從兩名男子隨著埃及流行音樂沙比（Shaâbi）舞動的肢體交流，探討樂曲如何打破社會階層。

日本跨領域團體DUMB TYPE《備忘錄、或、航行》（2014），從光條掃描舞者表演睡眠的姿態，到資訊爆炸的社會和宇宙空間的非歷史時間的尺度轉換，充滿科技感的聲響，揭示人類變成浩瀚數據之海中的渺小一粟。

當今網路媒體與人工智慧徹底重塑知識與創造性，藝術家藉以回應新科技的運作機制。艾瑞克．波德萊爾（Éric Baudelaire）《等待故事發生╱無敘事性的故事》（2024）以現場擺放的3張長椅為象徵性角色，它們論辯真相的危機等「對話」來自不同的人工智慧文本產生器，語言模型則是不斷演變的網路內容。荷莉．亨頓與麥特．德萊赫斯特（Holly Herndon and  Mat Dryhurst）是最早運用生成式AI創作的藝術家之一，《2022.12.17，5:44，我在此》（2023）運用文字轉成影像的AI生成器，探索亨頓生產後昏迷所引發的幻想，影像的不穩定性恰如記憶的滑動。

來自台灣的聲音

這次展出的台灣作品形式與發「聲」渠道不一：聲音藝術先鋒王福瑞《聲點》（2010）由數百個倚賴晶片運算的喇叭構成，經亂數控制的不同音頻在展間迴盪，黑暗中猶如星點。林其蔚從2004年啟動「磁帶音樂」系列結合行動演出，參與者在沒有排練的情況下，朗讀他們拿到的磁帶內容，透過聆聽彼此的聲音發展出一段即興、協作的合聲關係。王仲堃《体2025》（2025）是一組與風互動的聲響機械裝置，饒加恩的動力裝置《La-tone》（2025）造型取自凡爾賽宮的水晶吊燈與噴泉意象，是會旋轉的聲音雕塑。《幽靈、水泥、迴音》源自王虹凱對美濃反水庫運動史的關注，另擴及至日本、埃及對水文開發的經驗參照，整體涵蓋聲音採集、表演、詩作與複合媒材等呈現。