2025 FOCASA馬戲藝術節-澳洲．引力神話馬戲團《一萬小時TenThousandHours》
2025/10/4～6 21:00
2025/10/10～12 15:00、21:00
高雄 M探險號 馬戲篷（高雄展覽館輕軌站旁大草地）
觀眾還未入場坐定，8位赤腳、身著日常排練服的表演者已經在場上暖身，有人倒立、有人翻身落地，有人抱著肩膀喘氣，汗珠順著手臂滴在黑色地版。這裡既是排練場，也是舞台。演員身後，是一座巨大的 LED 時鐘，冷峻白光顯示著「10,000：00」的倒數起點。表演還沒正式開始，空間早就充滿能量。
這是來自澳洲阿德雷德（Adelaide）、最具代表性的當代馬戲團隊引力神話馬戲團（Gravity & Other Myths，簡稱GOM）去年首演的最新作品《一萬小時》（Ten Thousand Hours）。此作接連拿下2024年阿德雷德藝穗節「最佳馬戲表演獎」（Best Circus Award）以及2025年「評論人協會獎」（Adelaide Critics Circle Award）。今年10月將應FOCASA馬戲藝術節之邀，來台演出。
一封獻給練習歷程的情書
《一萬小時》由 GOM 創團成員拉克蘭．賓斯（Lachlan Binns）擔任導演，靈感來自英國作家麥爾坎．葛拉威爾（ Malcolm Gladwell） 在著作《異數》（Outliers）中所提出的「一萬小時法則」，意味著「要成為某領域的大師，需要投入一萬小時的練習」。然而，作品並不頌揚完美，它反而禮讚過程——那些汗水、重複、無聊與突破交錯的時刻。賓斯說，這是一封寫給身體的情書，一場向專注、鍛鍊與毅力致敬的演出。
「藝術家一生都在追求技能的極致，無論是雜技、體操、音樂還是舞蹈——而這些旅程之間有著驚人的相似性。我們經歷了初學時的興奮、技能進展中遇到的挫折、突破後的欣喜、以及隨之而來的快速進步。還有那些血淚交織的深夜，無數被訓練、比賽與演出占據的時間，錯過朋友聚會與社交場合。 但也有我們一起工作的喜悅，一起遊戲、競爭、互相扶持的過程。」賓斯強調，這些經驗，每個人都曾經歷：我們都在數千條旅程的起點、中段，或接近尾聲——有時甚至同時處於這3個階段。這齣戲正是要慶祝這一切。而對他而言，這也是他作為導演的全新旅程的開始。
演出由鼓聲與身體雙重引導，倒數計時器不斷提醒觀眾時間的流動，同時也形塑了節目內部的結構——從暖身、反覆、打破慣性，到最後的連續飛躍與對拋，每個段落都讓觀眾看見技巧從零到有的累積痕跡。扮演畫龍點睛角色的，是樂手尼克．馬汀（Nick Martyn）的現場演奏，他以爵士鼓與電子聲響混合建構節奏空間，時而模擬心跳，時而拉出思緒張力，與表演者的肢體推進節奏，同步協作。
GOM 長年以「集體共創」的工作方法著稱，演出可看之處不僅來自高超技術，更來自表演者之間真實的互動與強烈的團隊默契。在《一萬小時》中，表演者在觀眾面前反覆挑戰高難度的身體技巧：疊羅漢、翻滾、接拋，每一次嘗試、失敗、跌落與重來，都真實發生，也真實被接住，毫無矯情造作。觀眾不再只為「成功瞬間」用力鼓掌，更為了「無畏失敗」深刻共鳴。信任協作與高難度技巧，同等重要。
《一萬小時》展示的是當代馬戲如何從傳統的炫技展示，轉為對人類的失敗與脆弱更深的凝視。透過群體的合作關係，誰在底座，誰站二階，誰失敗時伸手拉回誰，演繹的是馬戲，也是人生——努力不一定成功，練習本身，就已值得搬上舞台。
我們不是超人，更無需偽裝成鋼鐵
專訪《一萬小時》導演拉克蘭．賓斯
從 2009 年共同創辦引力神話馬戲團（GOM）以來，拉克蘭．賓斯（Lachlan Binns）一直是這支澳洲當代馬戲團隊的核心人物。他從小接受馬戲訓練，成長於阿德雷德（Adelaide）的青年馬戲機構 Cirkidz，如今已從台上的表演者，逐漸退居幕後，成為導演與創作引導者。《一萬小時》是他在 GOM 首度擔任導演的作品，也是一場延續他對馬戲藝術長年投注的身體與精神實踐。
GOM 長年以「集體共創」的創作方式聞名於國際，在這部作品中，賓斯延續團隊「集體共創」的傳統，從一個簡單的概念出發，帶領團隊透過訓練、即興與身體任務逐步推進，創造出一場獻給「訓練過程」的舞台演出。專訪中，賓斯深入分享他如何從表演者轉型為導演，GOM 如何維持集體創作的張力與開放性，及《一萬小時》開始醞釀到登上舞台的歷程。
Q：可否介紹一下你的訓練背景，以及如何成為 GOM 團隊的一員？
A：我是 GOM的創始成員之一。從 12 歲開始學馬戲，在南澳阿得雷德的 Cirkidz 馬戲學校接受訓練。高中畢業後，我和6個朋友都想繼續走這條路，於是我們在 2009 年一起創立了 GOM。
Q：GOM 的作品一向以「集體共創」（ensemble‑driven creative process）著稱，從概念醞釀到實際形成的過程大致為何？
A：我們的創作常常從一個小小的靈感出發。《一萬小時》的起點，是來自麥爾坎．葛拉威爾（Malcolm Gladwell）的一句話，也剛好呼應我們長年的訓練經驗。
從這個想法開始，我們會設計一些身體任務，用即興方式快速生成很多內容，再慢慢挑出精華、組成完整場景。
接下來，我們會邊排練邊發展音樂與舞台設計，讓所有元素能融合在一起。就算作品已經首演，我們還是會持續修改與打磨，對我們來說，創作永遠不會真正結束。
Q：《一萬小時》是你擔任導演的第一部作品。你是如何決定從表演者正式走向導演角色的？這樣的角色轉換，是否也改變了你們以往的共創模式？
A：某種程度上是因為年紀到了，身體快到極限。但其實我一直對創作這件事很有興趣，也很享受深入思考的過程。因為我從 GOM 創團就一路走來，對團隊的核心精神非常熟悉，跟大家的關係也很好，這讓我可以自然地轉換角色。最重要的是，這群人是我真的很想繼續合作的夥伴。
Q：你形容《一萬小時》是一封「獻給訓練過程的情書」，這樣的創作動機，是否來自你身為表演者長年訓練的親身經驗？
A：我們發現觀眾對於「幕後」或「排練場」發生的事往往比舞台上更感興趣，所以我們乾脆把這個主題搬上舞台。這不是個人的故事，也非單純只是我的經驗，我們是一個團隊，這個作品與我們每個人的生命經驗緊密相連，是整個團隊一起走過的歷程。
Q：觀眾在這部作品中，會看到演員在嘗試與失敗之間反覆。為什麼你認為「展示失敗」這件事，在這部作品中如此重要？
A：我們覺得觀眾應該看到演出背後真實的風險和挑戰，每一個完美技巧，高難度動作的背後，都藏著無數次的失敗與重來。我們不是超人，也不必假裝無堅不摧。
把失敗放進表演裡，讓觀眾更能感同身受。他們會跟著我們一起屏氣凝神，一起經歷那個「到底會不會成功」的瞬間。
Q：音樂一直是 GOM 作品的重要元素。在這個作品中，音樂如何與演出的節奏與情感結構互動？與尼克．馬汀（Nick Martyn）的合作有何特別之處？
A：尼克不僅僅是打鼓。他與我們合作已久，但過去總是演奏別人的音樂。這次終於有機會為新作品作曲，對他來說是很棒的挑戰。
我們認為與雜技同時創作原創音樂，能達到更完整的整合效果。音樂與身體並行推動演出，而不是事後再疊加上去。尼克的音樂將動作提升到另一個層次，且他豐富的現場演出經驗也讓整合幾乎天衣無縫。
此外，我們還與申索．葛雷哥里歐（Shenzo Gregorio）合作，錄製了大量電子聲響，與現場打擊樂融合。兩人搭檔非常出色。
我們喜歡高節奏、高能量、高分貝——這讓演出充滿樂趣。
Q：時間的流動與技藝的積累是這部作品的核心，你如何強化觀眾對「時間」的感受？
A：有時候最簡單的方法就是最有效的。我們在舞台後方放置一個大型 LED 時鐘，隨著演出推進持續計時。時間、數數、重複都是這個概念的核心，因此我們用許多明顯與隱晦的方式來呈現它。
Q：從 2023 年的《純粹之境》（A Simple Space）到今年的《一萬小時》，這是你們第2次來台灣。你會如何向台灣觀眾介紹這部新作？相較上一部作品有何不同之處？
A：這部作品規模更大，也更複雜，多了兩位演員，讓我們能完成更多前所未有的挑戰。過去 13 年來，我們的雜技語彙已經發展到全新的境界，內容感覺新鮮又獨特。音樂在這部作品中也扮演更重要的角色，觀眾將能明顯感受到與以往不同的聲音景觀。
（本導演專訪與《讀馬戲 Do Circus》同步刊登）
