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焦點專題 Focus用14年的時間，學會一個擁抱的方法：金士傑與卜學亮在《最後14堂星期二的課》的靈魂交會（下）
Ｑ：在這上百場的演出中，兩位如何始終保有初心登台？是否有發生過什麼「意料之外」的事情？ 金：對我們來說，這齣戲很難允許「錯誤」，或者意外的發生。這可能也是何以我們在演出前需要這麼漫長的等待吧。 現實中，我們是生活裡的平凡人，沒有遭遇不得了的生老病死，只是一步一步地老化。突然間，你一上台就得變成只剩幾個月可以活的老先生，生命倒數計時的心靈狀態，其間的悲哀不是我一個平凡人假裝得來。 因此，演出本身便是生命的轉化，是戲劇一直追求的「神靈附身」，不只是不能馬虎，簡直是有一點神聖的。用這個字眼，我不敢大聲說，但它是一個自我感知的東西，只得小心翼翼捧著這個戲，上台也不能讓別人發現我演了一場、兩場，我不給別人這個機會發現，甚至我自己都不允許發現。若我發現我帶著一點過去的技巧痕跡演戲，我就會很討厭我自己。在那片刻，你可以說犯了一個錯，叫做「褻瀆」，一個人馬上就要演戲了，還自以為能「演得很像」。這就是褻瀆。 亮：老師講到這件事情，讓我想起剛開始我們演出的時候，你甚至不要謝幕。你希望觀眾就在台上接受莫利教授的離開，所以曾希望不要走出來謝幕。 金：沒錯，所以是問巡演過程中曾發生什麼意料之外的事，大概就是如此。演完以後，突然哪個長官要出來致詞、忽然團隊有人拿出大蛋糕說是誰誰生日，要觀眾一起吹蠟燭。我都有點無地自容我剛剛才讓那個角色嚥下最後一口氣，當下我的視線都只敢往地板看去，希望我消失，讓我的肉身只存在觀眾的記憶裡就好了，我不應該出現在謝幕的時刻，甚至還跟大家一起拍手、吃蛋糕？
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戲曲熱鬧討喜的當代政治預言
依據史實，清朝嘉慶皇帝從未到過台灣，但「嘉慶君遊台灣」卻是台灣民間傳頌不已的傳說，1970年代以後，被多次改編為電視連續劇與歌仔戲，引發的收視熱潮，與當時逐漸成形的本土文化景觀（鄉土文學、洪通與陳達、蘭陵劇坊、《科學月刊》與《漢聲》、台灣新電影）之間的關聯，應該是一個值得探究的議題。 明華園戲劇總團的《轉生到異世界成為嘉慶君發現我的祖先是詐騙集團！？》（後簡稱《轉》），以流行概念（異世界轉生）融合民間傳奇與熱門時事，作為2025年戲曲藝術節旗艦製作，是否也反映了本地當下的政治態勢與社會情境？ 《轉》的創作組合，備受矚目。編劇蔡逸璇曾經擔任2024年大型歌仔音樂劇《1624》共同編劇，並且有兩部作品入圍2024年傳藝金曲獎（《國姓之鬼》、《紅喙鬚的少女》），導演宋厚寬則以《國姓之鬼》成為台新藝術獎與傳藝金曲獎雙料得主。演員部分，除了明華園孫翠鳳、陳昭婷，更邀集一心戲劇團孫榮輝、孫詩珮、孫詩詠，綠光劇團吳定謙共同演出，母女、兄妹、天團當家名角、傳統與現代同台競藝，不僅有話題性，更有豐富的可能性。明華園戲劇總團的製作能量，如何能讓這樣的組合迸發出最大的能量，自然讓人有高度期待。
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關於戲劇的五四三戲長怎麼算？
剛開始創作的時候，並不會有「戲長應該要多久」的思考，只能從一次次課堂作業的時間要求，漸漸累積對戲長的掌握，隨著同時作為觀眾與創作者的經驗逐漸累積，理解到情感與核心還是得仰賴技術的輔助才能呈現，而思考「長度」的同時，也同時引領思考整體的架構布局。 都是先去做了，才去看技巧類的專書，編劇也好導演也好剪接也好，做中學，畢竟沒有自己走過一遭，光看技術書難以理解具體的流程，看完也可整體出符合自己習慣的方法，按照書上的方法不一定能做出成品，但得經歷了一定的實務經驗，才整理得出方法。 去年拍了短片，找了信任又仰賴的徐漢強導演擔任剪接，剪接時我還無法決定最終時長，在監製宗翰跟漢強的指引下，了解了國際影展上，最嚴格的短片長度要求不超過15分鐘（含演職人員表），金馬影展往年都是60分鐘，今年改成40分鐘。15分鐘是一個神奇的單位，《超棒影集這樣寫》提到，在20世紀初期，電影放映師每過 15 分鐘，便必須起身更換一盤膠卷。某些編劇理論學家則根據過去此一做法，將電影詮釋為8個 15 分鐘的片段。有線電視時代，每一段戲有很明確的分隔，那就是廣告破口，像是舞台劇分4幕，影集也有，依循著每13到15分鐘由廣告破口，將1集分為4幕，有時到5幕，或者4幕加上序場，劇本最重要的就是結構，時間如何被分配影響著結構。 與翠貝卡、日舞影展等美國指標性大影展有合作的「The Film Fund」電影發展基金，其網站簡介了短片的時長，以及須包含的：一、先簡單決定一個可以努力實現的預設短片長度，約為10分鐘，10分鐘剛好足以讓觀眾了解角色個性、角色發展、故事情節。二、創作劇本時要了解電影最後透過剪接來呈現，原本計畫的10分鐘可能變成5分鐘或15分鐘，當下唯一要專注的是寫出精采的故事。三、1頁劇本1分鐘（指的是美式劇本格式）。四、刪減不必要的對話，短片篇幅有限，與核心無關的對話都得刪除，如果自己做不到，請客觀的第三方來協助你。五、比起對話，短片更不能容納一些缺乏明確目的、沒有辦法推動情節的場次，1場大約1到3分鐘，是以短片不要超過15場。六、短片可以以一個神秘性或戲劇性的結尾結束。 帶著實際操作過的體感，回看之前的短片劇本，總共寫了13場，在範圍內，剪接時因對話與龐雜資訊較多，拿掉了一場，對話也經過裁剪拿掉重複資訊；不必要的場次不只後製，拍攝期也
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焦點專題 Focus創作、育兒、生活……劇場親子溫馨日和
為人父母的劇場人，會怎麼把生活、創作、孩子活在一塊兒？ 今夏親子專題系列，我們看見許多「不設限」的可能：有人把孩子帶進排練場，有人乾脆把育兒生活搬上舞台，也有人選擇什麼都不做，只是安靜地陪著孩子在情緒裡沉浮。演員孩子未必真的想當演員、舞者的孩子也可以只是純然喜歡與自己的身體冒險，但他們都在這些共創的時光中，學會怎麼認識自己、怎麼與人相遇。 在本次系列專訪中，沒有宏大的藝術宣言，更多的是一種自然的流動感：表演和育兒不一定對立，創作的靈感也不只來自孤獨與煎熬，有時正是那些「沒辦法好好排戲」的片刻，才帶來真正深刻的體會。透過劇場人的日常，我們重新看見藝術最樸實的樣子它其實就藏在哄睡、玩耍、一起看戲的日子裡，藏在一次又一次，願意靠近彼此、理解彼此的擁抱裡。 藉此機會，我們也邀請4組受訪者推薦今夏期待親子一起共享的劇場演出，讀者或許也能在劇場裡遇見他們 （本文出自OPENTIX兩廳院文化生活）
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焦點專題 Focus希望女兒來到我們家，可以好好地做自己
「把拔，為什麼對著空氣又哭又笑、又唱又跳呢？你在跟誰講話？在家排練戲劇、唱歌的演員爸爸，1歲3個月的女兒成為他唯一的對戲夥伴」這是2022年臺北兒童藝術節《把拔，你在跟誰講話？》的節目介紹，登台演出的，是劇場演員竺定誼與女兒跳跳；但其實跳跳並沒有真的說出這些提問，她的年紀還太小，是竺定誼在家中練唱時，突發奇想地揣測女兒會不會也有這些疑問，後來他把這些內心小劇場搬到現實劇場，於是有了《把拔，你在跟誰講話？》的演出。
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焦點專題 Focus女兒扮家家酒，就跟我排戲很像
這天是平日午後，宋厚寬在接送雙胞胎女兒從幼兒園放學後，帶著她們到附近公園玩耍；「有小孩之後，我的時間變得非常寶貴，而且很值錢！」前陣子新作品《轉生到異世界成為嘉慶君發現我的祖先是詐騙集團！？》（下簡稱《轉生》）首演順利落幕，在那之前有半年左右的時間都要請岳母支援帶小孩，現在宋厚寬終於又可以多和女兒相處。
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焦點專題 Focus從小聽、但沒什麼感覺的動作，在女兒身上得到印證
董怡芬5歲開始跳舞，但女兒Nikar在4歲時就跟著她站上舞台，雖然還是個不太了解表演是怎麼一回事的年紀，Nikar卻清楚記得那次台上不只有媽媽，還有爸爸；那是2022年的《混沌身響6＋雙重享受》，驫舞劇場邀請董怡芬與同為藝術家的夫婿陳彥斌，帶著女兒一起表演。兩三年過去，Nikar已經和媽媽完成4個作品、共7場的演出，而且還許願下次可以自己一個人上台，表演給爸爸媽媽看。
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焦點專題 Focus是母女，也是兩個演員的擁抱與對話
採訪之初，王世緯就歪著頭喃喃：「這個訪問，我要說多少的實話呢？」 最後當然仍然是整個梭哈，畢竟直率如她，還有什麼好不能坦誠以對的？她說：「現在當了第10年的母親，我對演員的想法已經和過去很不一樣了。」過去，王世緯一拿到劇本便會發了瘋了往裡頭鑽研，用盡各種力氣尋找可用的素材。然而育兒是一條把時間切成碎片的過程，太多事情會逼迫你放下腳步，「蓋過你要去思考表演的力氣。所以，進入角色的時候我還是會專注地面對，但是回到生活柴米油鹽醬醋茶煩都煩死了，你還拿什麼心理煩惱表演？」
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檳城喬治市姑婆屋的沉浸式演出 述說「媽姐」人生
1930年代有一群來自中國廣東省的自梳女，為了家計離鄉背井，來到南洋一帶當華人家庭的幫傭。為了不再成為盲婚啞嫁的受害者，她們選擇終身不嫁，通過自梳儀式紮起一條長辮子，身穿白衣黑褲，成為人們眼中的「媽姐」。她們集結成社，合力籌錢買下屋子住在一起，就是外人俗稱的「姑婆屋」。 檳城喬治市南華醫院街一帶是當年媽姐的落腳地。街上都是百年歷史的戰前老屋，很多被當時的媽姐買來當姑婆屋養老。經過半個世紀的洗禮，姑婆屋不復存在，其中一間坐落在29號的屋子近年被修復成藝文空間Journal Caf，屋內張掛著泛黃的媽姐生活照，記載著這段特殊的歷史。
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澳門澳門劇作首獲曹禺劇本獎 《捉迷藏》以懸疑故事包裝東西價值差異
澳門曉角話劇研進社製作、李宇樑編導的《捉迷藏》一劇，最近獲得「第10屆中國戲劇獎．曹禺劇本獎」，頒獎晚會5月21日於上海舉行，李宇樑及該劇主要演出者、劇團成員等專程赴滬出席頒獎活動。 《捉迷藏》2023年於深圳首演，同年12月在澳門文化中心演出3場，是澳門劇作家李宇樑最新戲劇作品。《捉迷藏》故事講述與丈夫離異的退休教師惠貞，帶著畢生積蓄從澳門飛到加拿大，準備投靠自小就被自己送到親戚家中長大、在異國接受教育的女兒Crystal，到加國後，才發現母女兩人在語言、生活習性、價值觀上難以磨合，惠貞更因為自己手上那筆錢經常感到生命受到威脅懸疑推理的故事包裝著華人社會與西方世界的家庭、親緣的價值差異。劇作家李宇樑於1975年與友人共同創立「曉角話劇研進社」，50年來筆耕不絕，即使於1990年代移民加國，期間亦經常編寫劇作，供澳門劇團搬演。2000年，由李編劇、曉角話劇研進社製作的《水滸英雄之某甲某乙》代表澳門參加在台舉辦的「第3屆華文戲劇節」，於國家兩廳院實驗劇場上演。
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日常素描人生片刻
他抹好浪子膏，才剛要出門，從門縫裡望見母親和繼父對坐客廳，手裡不停，做著幾塊錢一個家庭代工。明晃晃的日光燈下，他見母親脂粉未擦，一張臉滿是風霜，終於老成他快認不得的模樣。飆車少年說，他站在那未開燈的房間裡，隔著門縫，淚流不止，覺得媽媽怎麼會突然老成這樣。就在那幾秒鐘的片刻，飆車少年感覺時光飛逝，一下子長大許多
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音樂卸除具象情境 用音樂看見內心畫面
劇場理論課總是會提到這麼一段：「Theatre」（劇場）字根來自希臘文「theatron」，意指「觀看的地方」。究竟怎麼會有演出在開演前，發給觀眾一人一副眼罩，要大家閉上眼睛觀看呢？ 這是臺中國家歌劇院2025 Arts Nova推出，由櫻井弘二擔任作曲與音樂總監、鄭詠珊導演與編劇的《湖底之鬼》，以7名演員加上6位樂手分奏琵琶、木琴、大提琴、二胡與鋼琴的編制，改編《聊齋誌異》中的〈王六郎〉這則描寫漁夫與水鬼「人鬼跨界」情誼的故事。行銷文案以「音樂說故事劇場」（Storytelling Theatre）為定位，看似融合說書（storytelling）與音樂劇場，實則難以明確定義因無前例可循，自然也無類似作品可以類比。
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新銳藝評 Review在量子敘事中尋找異鄉之身
在當代表演藝術中，跨語言、跨文化、跨形式的混融已成為創作趨勢，然而《落頭氏》不僅僅是跨越，更是一次深層的構作重組。這場由來自馬來西亞檳城的演出者與台灣創作團隊共同打造的作品，藉由語言、音樂、身體、物件的交錯排列，恰如其分地回應了瑪格達．羅曼斯卡（Magda Romanska）所提出的「量子戲劇構作」（quantum dramaturgy）理論。 量子戲劇理論認為，在當代劇場中，角色、敘事、觀演關係皆不再受限於單一線性，而是可如量子粒子般處於多種狀態與關係中。這場演出便展現了這種非線性、多重態的敘事結構與表演策略。演出中語言雖為主體，但在若干關鍵時刻，音樂穿插其間甚至主導節奏與動作，為場上肢體注入新的動能。觀眾在這樣的節奏律動中，甚至會暗自期待那瞬間的加速彷彿音樂是觸發演員「動起來」的驅力開關。
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抵達終點左轉關於她們與舒服的藝術
前陣子聽了個座談，由5位女性講者討論女性創作者在藝術圈的發展與被看見。問答環節，一位男性觀眾的發問把當日活動推到高潮。他說會去參考一些欣賞的藝術家，想像自己藝術生涯脈絡的藍圖。大意就是會效仿某些前輩，而那些前輩都是男性。他不清楚女性創作者是否也會朝向標的發展自己的藝術脈絡，假若女性標的也是女性，那過去優秀的女性藝術家若創作脈絡都傾向迂迴曖昧，是否會失去能提供後世仿效的效應。 他一問完，前排就有一位女性大喊：「陽具崇拜！」大家瞬間都笑開了（我坐太前面，無法看到發問者的表情）。其中一位講者回應說，我們女性志不在建立階級與典範。她分享在國外上過一個女教授的課，每次上完都有一種舒服的感覺。她回饋給教授，教授說，這就是我們女性可以提供的。 這句話微微敲中了我。我懂她口中的舒服經驗，但那跟女性有關嗎？當天剛好有一位參與過我的工作坊的朋友在場，會後還特別跑來說，上完我的課也都莫名覺得好舒服呢。我有些錯愕，因為當時腦中正在檢討自己的課程設計似乎離舒適有一段距離。仔細思考，「讓人感到舒服」從不被我視為一種正向追求的給予價值，在教學場域搞不好更傾向營造壓力與紀律。譬如我曾極度抗拒表演教學上各種暖身好玩的團康遊戲，任何遊戲除非有跟理論、技術連結，否則好像都是在浪費時間。我總是試圖傳遞具體、結構性的論述或方法，就算是分享感受，也企圖在迷霧團塊裡指出一束光。 但隨著教學經驗慢慢累積，心態有些轉變。過去那種一板一眼的「打底」方式，不過是自己學習慣用的手段，可能更多是為自己非專業背景的補償效果。我的學生也幾乎都是非科班，能相遇也是對表演有點興趣，嚇跑他們絕非我的目的。我常說，課程是讓學員培養屬於自己的觀賞品味，讓他們在漫漫人生中懂得如何用創作陪伴自己。「舒服」的關鍵不是在於工作、學習的相對量體厚度，而是場域中人與人關係的柔軟張力。只要說到人際關係，陰性能量確實比陽性溫柔有效。陰性是向內的力量，所以聚集、連結；陽性是向外覆蓋、取代的能量，產生順序與階級。 最近看了有章藝術博物館的展覽「陳美玲」，再次呼應這種舒服。我在悶熱的午後昏沈地抵達現場，隨著作品眼前漸漸清朗，儘管性別與創作的關係並非絕對，但「陳美玲」就是我認為只有女性策得出來的展。「陳美玲」是女性的虛構集體（fictional collective category），最初
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焦點專題 Focus移動、連結、共構──給未來劇場的備忘錄
在COVID-19重塑全球節奏之後，劇場資源緊縮、巡演模式改變、資源與觀眾結構重組，一波又一波的劇烈轉變，使劇場工作者不得不重新思考「連結」的本質：我們為何需要合作？又該如何與他者、社群、世界建立關係？ 我們從「移動、連結、共構」出發，記錄表演藝術機構、藝術節與藝術家、製作團隊在跨國的製作生態中的實踐策略。借2025 Taiwan Week舉辦之機，我們邀請比利時列日劇院藝術總監塞吉．宏哥尼（Serge Rangoni）、英國Dance Umbrella藝術總監佛瑞迪．歐波庫-艾岱（Freddie Opoku-Addaie）和國家兩廳院藝術顧問施馨媛進行深度對談，討論當前歐陸與亞洲表演藝術機構與藝術節的合縱連橫策略；並藉由歐亞交流論壇側記聚焦各國單位的實踐與未來發展方向，一窺藝術市場趨勢脈動。3篇跨國移動日誌則呈現藝術家與製作人如何在不同文化場域中協調、協作、定位自我，並帶著作品走到更遠的地方。 當劇場以不單靠輸出與輸入節目維持國際關係，合作的形式與節奏也在改變。這些經驗不只是近年表演藝術製作生態的實踐記錄，更是我們如何共構下一階段劇場的備忘錄。
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焦點專題 Focus 藝術家的移動日誌堅守藝術話語權，回應世界變動──專訪聚合舞製作團隊羅芳芸Ｘ陳成婷
若以疫情作為分水嶺，全球藝術的發展正隨著疫後各國文化政策的走向開啟新紀元，連帶著牽動了藝術家與團隊的創作思考，以及作品在全球巡演移動、網絡連結的策略佈局。而以德國、台灣兩地為核心，長期與歐陸藝術機構進行交流與合作的「聚合舞製作團隊」（Polymer DMT），正處於全球趨勢變動的體感第一排。
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焦點專題 Focus 藝術家的移動日誌温思妮：從沒有經驗所造成的「痛」與「錯」開始
如果說跨國合作對我有什麼意義，那就是讓我更清楚「自己是誰」。 挑戰西方，跨國製作，是件能快速的事情？ 我的第一個國際劇場交流經驗，是2007年因歐丁劇場導演尤金諾．芭芭（Eugenio Barba）來江之翠劇場開工作坊，我因此參加了團員徵選。當時團長周逸昌說：「若有心參與演出的人，請努力練習南管梨園身段與我們的表演身體訓練課程。」老實說，我最初只是被「國際劇場大師」的名氣吸引，並不理解周老師為何堅持尋找「亞洲的身體」，而劇團邀請印尼舞蹈家Mugiyono Kasido、Siti Sutiyah、Bambang Besur來教授工作坊時，我則驚嘆為什麼亞洲有那麼厲害的劇場我卻不知道？當我看到尤金諾．芭芭恣意拆解梨園的身體和語言時，我有一種非常強烈的直覺「這哪裡不對勁」現在我知道這叫東方主義與文化挪用。但我很快就把這些疑惑先拋在腦後，前往「進步的」德國學劇場。 我在德國的每一次校內校外演出算是跨國合作或文化交流嗎？我想不是。
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焦點專題 Focus 製作人的移動日誌陳汗青：信任、長期經營與連結──談疫情之後的台日共製《誠實浴池》
對莎士比亞的妹妹們的劇團而言，《誠實浴池》是疫情後首個能夠實體進行雙向移動與交流的國際共同製作作品。 在與日本第七劇場完成為期3年的交流計畫後，莎妹劇團再度與日本藝術家展開合作，這次鎖定對象是原本就活躍於日本與歐洲的「庭劇團Penino」編導谷野九郎，經由數年時間的醞釀，才終於踏上正式的創作過程。兩位導演皆擅長於書寫原創劇本，並且對於空間上的設定充滿想法，作品風格經常獲得截然不同的評價，而這次兩人採取共同編劇、共同導演的創作方式，自然會讓曾經看過兩人作品的策展人及觀眾更加充滿好奇。 但相較於台灣觀眾對國外表演藝術充滿渴望、積極期待再次迎來國際作品的氛圍，日本的劇場生態在疫情後反而處於一種緩慢而凝滯的狀態，並且出現嚴重的觀眾斷層問題。根據東京都生活文化局於2022年進行的調查顯示，有73.8%的觀眾表示在疫情後劇場觀賞頻率下降，甚至完全未曾進過劇場，其中20至29歲的年輕族群受到的疫情影響最為明顯。此外加上「不完全燃燒世代」對於團體認同的斷裂與消失，也加速了劇場觀眾的缺席。 部分日本媒體以「不完全燃燒世代」一詞，稱呼在新冠疫情期間（2020至2022）正值學生時期或剛踏入社會的新鮮人，這群於1998至2004年前後出生的年輕人，在人生階段裡最常被描繪在日劇或動漫題材的青春時期，失去了「全力燃燒」的機會，包含文化祭、甲子園、校外教學、畢業典禮，甚至是面試活動與社會化的過程，都因為疫情而被取消或轉為線上進行。對他們而言，從小貫徹的興趣失去了展現的舞台、甚至從求職到工作前期都不曾踏入過辦公室因為缺少與他人「共同燃燒」的群體經驗，產生強烈的喪失感與缺乏目標。 在這樣的背景下，難以對由團隊齊心合作的劇場創作形式產生認同感，而在數位劇場及其他媒體盛行的情況下改變了參與藝術與娛樂的方式。但另一方面，也有人指出因為這樣的缺憾與空白，表演藝術反而更有機會成為讓人重新尋回熱情與連結的平台。因此，如何重新找回流失的劇場觀眾，並吸引年輕人進場，便成為劇場營運方的重要課題。
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焦點專題 Focus 比利時列日劇院Ｘ英國Dance UmbrellaＸ台灣國家兩廳院當「連結」成為未來劇場的答案與挑戰──塞吉．宏哥尼、佛瑞迪．歐波庫-艾岱、施馨媛談全球劇場網絡的下一步（上）
在全球藝術生態劇烈變動，「連結」成為最重要的關鍵詞。借2025年Taiwan Week舉辦之機，本刊邀請比利時列日劇院總監塞吉．宏哥尼、英國Dance Umbrella藝術總監歐波庫-艾岱，和國家兩廳院藝術顧問施馨媛舉行深度對談，探討國際網絡的重要性與未來趨勢。 在劇場資源縮減、巡演結構改變等多重挑戰下，如何以不同方式回應全球「連結」的趨勢？3位觸及了在地培育與國際交流之間的關係，也提出了對評論角色轉型、永續共製、跨地域合作模式的具體思考。 本次對話回顧了STAGES永續劇場聯盟的誕生歷程，並從台灣、比利時、英國的視角，檢視了劇場如何突破邊界，尋求新的合作機會，展現全球表演藝術網路連結的效益，也針對表演藝術未來的國際趨勢提出看法。
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焦點專題 Focus 比利時列日劇院Ｘ英國Dance UmbrellaＸ台灣國家兩廳院當「連結」成為未來劇場的答案與挑戰──塞吉．宏哥尼、佛瑞迪．歐波庫-艾岱、施馨媛談全球劇場網絡的下一步（下）
主持：魏琬容（OISTAT國際劇場組織執行長） 與談人：塞吉．宏哥尼、佛瑞迪．歐波庫-艾岱、施馨媛 時間：2025/4/15 19:30-22:00 地點：台北 國家兩廳院戲劇院4樓交誼廳 Ｑ：劇場該如何拓展觀眾呢？ 佛瑞迪．歐波庫-艾岱（以下簡稱艾）有一種消費者他可能沒什麼錢，但卻會願意花很多錢買一些高價的東西。當他們決定要買票時，會說：「我願意花 250 英鎊買這張票，因為這是有保證的。」 那我們要怎麼讓這樣的消費者對劇場演出也有這樣的認識？即使他們看完之後討厭那部作品，也會說：「我又看了一次碧娜・鮑許的作品。雖然不是我最喜歡的，但畢竟是碧娜・鮑許。」所以這其實就是一種心理學問題，我們要怎麼引導他們有這樣的認知。 塞吉．宏哥尼（以下簡稱宏）有人說：「啊，作品應該要能自我說明、讓人一看就懂。」但不是這樣的。就像如果你本身不喜歡美食、也不是美食專家，然後你去吃一家四星級餐廳的料理，你就需要具備一些知識，才能理解那道菜的味道是怎麼構成的。沒有什麼是自然而然就能理解的，沒有。我們必須強調這一點。我們應該在一些小地方幫助觀眾。對於我們做劇場的人而言，去提供一些關鍵字，提供一些脈絡讓觀眾來幫助觀眾理解作品的來龍去脈是很重要的。 艾：我同意。一個常見的說法是「啊，我們不應該講太多，觀眾應該自己來體驗就好。」但是，我想舉個足球的例子。有時候，在看比賽之前，現場會講一段關於過世的某球迷的故事，甚至會整場觀眾席一起編排動作、舉牌。在比賽進行到第15分鐘時，整場會安靜一分鐘，一起悼念那位過世的球迷。不管兩隊平常多討厭對方，在那一刻，大家都會靜下來，因為大家都已經被預先提醒了。不是因為解說員說：「各位，現在請保持一分鐘的靜默。」而是大家已有共識。 我覺得我們可以從這些運動賽事中學習，因為這些時刻讓每個人團結起來，去成就某種更偉大的東西。即使你心裡還是討厭對方、討厭對方的球迷，但在那個時刻，大家是一起的。因為你知道，這已經超乎你個人的好惡。