PAR 表演艺术杂志

一九七九年，郭小庄创办的「雅音小集」，首开台湾传统京剧创新之先例，打开戏曲一桌二椅的舞台空间，抛开戏曲程式的演出，让「年轻人风靡京剧」。一九八六年，「当代传奇剧场」以莎士比亚戏剧《马克白》，改编的创团作《欲望城国》，颠覆当年观众对传统京剧的认知，获得极大回响。时至今日，「惊世骇俗」的抨击言论不再，除了京剧，昆曲、歌仔戏、豫剧、客家戏等传统戏曲都搭上这班「经典新编」的列车，代表著实验、前卫、创新的小剧场导演也加入这场「跨界」阵容。现代剧场元素的注入，已然成为今日台湾传统戏曲发展的流行趋势。

深耕高雄的台湾豫剧团（原为国立国光剧团豫剧队，二○○八年更名）自二○○六年邀请台南人剧团艺术总监吕柏伸执导《刘姥姥》，一路走来已有三次合作经验。第一出改编自「河北唐山丰润评剧团」的《刘姥姥》，由文化大学国剧系副教授刘慧芬依评剧团的原著剧本改编，重新演绎中国经典小说《红楼梦》中，刘姥姥逛大观园的故事。接著，二○○九年改编自《威尼斯商人》The Merchant of Venice的《约／束》，以及二○一二年《量罪记》Measure for Measure（又名《一报还一报》）的《量．度》，则是台湾师大国文系教授陈芳与台大戏剧系教授彭镜禧合作，改编莎士比亚文学剧本的「豫莎剧」三部曲之二。

从视觉上的革新开始

虽然吕柏伸在英国接受现代戏剧的训练，但身为「兰陵剧坊」第五期学员的他，对于传统戏曲并不陌生，「当时卓明老师常鼓励我们去看传统戏曲，所以常跑国军英雄馆，看了很多传统戏曲。」在英国时，他主要专注在「戏曲与莎士比亚（戏剧）结合」的跨文化研究，参与台湾豫剧团的豫剧演出，刚好可以检验自我的学习理论。

台湾豫剧团的《刘姥姥》版本，跳脱评剧中类似布莱希特疏离剧场、插科打诨的丑角形象，以经典原著的叙事结构进行。由于传统戏曲的演员在唱念作表方面已深具功底，「不可能去告诉他们该怎么表演。」因此执导时，许多戏剧元素依然尊重传统，他个人著力较多的反而是在「视觉上的革新」。

不同于传统戏曲的舞台，《刘姥姥》的舞台背景以铸铁框架、折射镜面、旋转舞台，达到虚实相应的戏剧效果，「老实说，豫剧团接受度不高，甚至是排斥的。」在舞台空间的使用上，吕柏伸也舍弃过去戏曲左右舞台下场的模式，「要求演员从上舞台下场，再从右舞台穿过左舞台，透过后面的景（镜子）还可以看到这个人的移动。或者，开门转出去，再旋转舞台转一圈到（屋子）里面。」

这些繁复的舞台指示都让演员疑惑，纵使导演努力「说明」，仍无法消弭演员内心的疑虑。直到首演，「当刘姥姥去拜访以前的邻居，邻居说：『妳快进来啊！』接著，她跟孙子走进去。当那台（旋转舞台）转的时候，她们就进到屋内。」当时来自观众席的掌声，「让我有一种胜利感。（心想）你看吧！告诉你可以的！」

带领戏曲演员角色分析的功课

因著彼此信任感的增加，吕柏伸在戏剧的处理上更为细腻，「现在我会希望他们这一句台词断句断在这边，或是这句话怎么说，可不可以试几种可能性给我看？」在莎士比亚的剧本中，角色人物的内心刻划远比戏曲繁复。传统戏曲重视「四功五法」的展现，现代剧场则较重视演员的内在动机，吕柏伸保留传统戏曲的本质，强化演员对角色的认识。因此，新编剧本中，豫剧演员必须挑战自我跨越行当的藩篱，才能充分诠释角色中复杂的内在性格。在《量‧度》的排练过程，吕柏伸在角色分析的处理上著力不少，「这是过去传统戏曲演员不会去处理的部分。」

除了演员舞台上的魅力，戏曲音乐也是传统戏曲艺术重要的一环，无论是唱腔、念白或器乐的运用，戏曲音乐不仅烘托气氛，更有叙述情节、建构戏剧环境的效果，随著历史演进已具有相当程度的规范。吕柏伸坦言：「对于我这个现代戏剧导演来说，始终还是个门外汉。」

传统戏曲音乐在表现戏剧角色内心挣扎的状态，会以密集的锣鼓打击乐来表现，直到作了决定，鼓声「咑！下去」演员一个亮相动作表示。第一出戏排练时，是由剧团副导演殷青群帮忙「安锣鼓点」。不过，听多了自然感受也就强烈，第二出戏开始，导演对角色与音乐之间的关系，已有非常直观的想法介入，「在某些地方我不要有任何锣鼓点，我要silent。」导演开始以现代剧场的音乐空间作实验，以安静的剧场传达角色的内在情绪。

多曝光才能开展戏曲未来

传统戏曲是迷人的，「其实我在做《刘姥姥》时就很清楚，传统戏曲某种程度的没落，只是因为现在观众太少机会接触。」吕柏伸以台大戏剧系讲师的身分观察。豫剧团至校园巡回宣传演出《抬花轿》（《香囊记》中一段折子戏），舞台上没有任何的道具，五名演员表演一位新嫁娘坐上花轿，一路颠簸到夫家的景况的时，从上轿、下轿与颠簸路途的呈现，经常就让大学生们看得惊叹不已。如何打开「曝光的管道」，是传统戏曲应该努力思考的方向。