谢杰桦与樊香君，堪称是台湾编舞家与舞蹈构作最为长青的双人组合，两人的合作关系长达8年，一起携手创造了《永恒的直线》（2019）、《肉身赛博格》（2023）、《thewhole》（2025）3部作品。事实上，在开始合作之前，两人私下早已是多年好友，而从好友到工作伙伴的机缘，其实始于一段不算正式的日常闲聊。
2018年初，樊香君正准备博士论文资格考，某天与谢杰桦分享近日所读所想，内容刚好触及当时正兴起的AI发展，樊香君口中的「科技男」谢杰桦对此深感兴趣，两人就这样聊得起劲，话题也自然延伸到谢杰桦正在发展的新作。樊香君于是半开玩笑地说「还是你要聘请我当构作？」一句玩笑话，却意外开启了两人后续的合作。对谢杰桦而言，舞蹈构作这个角色的功能，原就分散在创作过程的各个环节，既然两人本来就常聊作品、分享想法，何不透过正式设立这个职位，让这些对话可以更有效地发生。
从排练场的谨慎止步，到成为编舞家与舞者间的转译桥梁
不过，樊香君也坦言，当时台湾并没有「舞蹈构作」的正式训练课程与体系，因此自己仅参与过业界举办的相关工作坊，更多时候是边做边学。她最初对「构作」这个角色的理解，相对是隐形的——美学层次的具体决定，都是属于编舞家的范畴，自己能做的，只是从旁提问，不适合介入太多、也担心越过谢杰桦的创作判断。这种顾虑在《永恒的直线》最为强烈：私下两人讲话总是口无遮拦、想到什么就说，但进入工作关系时，樊香君明显地会在语言与态度上进行转换，尤其在排练场里，当谢杰桦转头询问她的意见时，她会格外谨慎自己与舞者的对话内容，许多想法宁可留到与谢杰桦一对一的讨论里再说。
然而，谢杰桦的态度相当开放，认为樊香君毋需顾虑这么多，于是，到了《肉身赛博格》，樊香君的角色便随之松动：她不再那么小心翼翼，反而更主动扮演谢杰桦与舞者之间的桥梁。谢杰桦补充，《肉身赛博格》的概念本身更为复杂，舞者不仅需要消化大量的抽象概念，也必须透过萤幕观看自己的身体，再搭配摄影机进行表演，技术对身体造成的限制很多，舞者也因此感到相当不适应。面对这个状况，樊香君在每次排练结束后，便会私下与舞者聊聊那些难以理解的身体工作方式，试著用不同说法重新诠释谢杰桦的指令，或是提供一些诸如「怪物」或「蛇精」等想像，帮助舞者将复杂难解的技术操作，转化为更具诠释空间的表演状态。
那么，两位通常会在作品的什么阶段开始一起工作呢？「每个作品不太一样耶，而且《永恒的直线》我是意外加入的！」樊香君笑著说。谢杰桦则回忆，在《永恒的直线》前期有著大量的讨论，「我还记得是在象山的路易莎咖啡馆！」当时谢杰桦脑中有许多尚未成形的概念，樊香君透过反复地提问，试著把那些模糊的想法一点一点抓出来，「像一面镜子」，把谢杰桦心里那些画面慢慢映照、收束。当谢杰桦与舞者田孝慈工作时，樊香君也会在旁观察、写下一些关键字，过一段时间后，再把当时的感觉转化成较为诗意的短句或文字，试图捕捉谢杰桦脑中的画面。这些文字未必准确对应到谢杰桦原本的构想，但反而成为一种回馈的方式，让两人在一来一往当中，逐渐找到作品方向。
追问创作核心，靠近未成形的画面
樊香君也观察到，谢杰桦下一个作品的种子，往往是在前一个作品收尾时就悄悄萌芽，例如《永恒的直线》进行到后期、甚至是在彩排阶段时，两人就已开始讨论《肉身赛博格》的初步概念。对谢杰桦来说，每当一部作品进入收束阶段，该有的东西都已经到位后，他便会开始把那些难以放进现有作品、却又舍不得丢弃的想法，作为下一部作品延伸发展的起点。然而，相较于《永恒的直线》，《肉身赛博格》的合作过程则困难不少，默契甚佳的两人，甚至开始出现摩擦与冲突。
《肉身赛博格》的创作概念诞生于疫情时期，当时，所有事物都必须以线上进行，谢杰桦便深切感受到科技所带给他的焦虑与压迫感。樊香君回忆，《肉身赛博格》在创作之初，便经历了不同形式的尝试（包括运用线上软体Gather Town的呈现），谢杰桦一开始想抓住的东西很多、也很庞杂，樊香君则希望能把事情理清楚，但由于谢杰桦本身非常熟悉这些技术，樊香君常常跟不上他的脚步，只能不断地追问，但某些画面若没有实际呈现，就会难以解释其中的意涵或必要性，于是便常常讨论不下去。谢杰桦则补充，曾有一次他试著用语言描述脑中的场景，樊香君却完全无法接收到他想传达的东西，自己也碍于手边的技术局限，无法进一步示范画面，让他感到相当挫折。
不过，他们并没有放弃沟通。樊香君回想，当时的对话其实都是在厘清「为什么非得用这些技术不可」，也是直到创作后期，两人深聊后逐渐意识到，那种被技术追著跑的焦虑，加上疫情后科技爆炸式的成长，让人感觉「什么都想抓住，却什么都抓不住」，这样的感受，其实贯穿了《肉身赛博格》整个创作过程。对谢杰桦而言，AI与新科技既让他感到有趣，却也让他陷入某种「为什么要把生活搞得这么忙」的困惑，尤其与舞者工作时，他得同时处理一堆设备，时常处在紧张的状态。而同样也是到了创作后期，谢杰桦才发现自己不断在面对的，是当人被切割成无数个萤幕时，那种无法统合、不断碎片化的感觉，这正是这部作品真正的核心。
美学上的决定，始终是创作者自己的事
谈到《肉身赛博格》里所发生的沟通张力，樊香君表示，自己并不会将之理解成彼此的对峙，更多时候是一种堵塞的感觉，「像水管不通一样」，于是两人会有一段时间不谈这件事，先放空一下，沉淀过后再重新讨论。谢杰桦则认为，这些张力往往源于某些决定是樊香君无法理解、或无法被说服的，那也许是因为画面还没被实际操作出来，也或许就只是两人经验不同所致，但这不影响他继续创作自己的作品；作为创作者，构作的观点与感受，他会放在心上，但并不需要等到取得构作的认同，才能继续往下推进。
由此也可以看出，编舞家与舞蹈构作之间工作界线，两人从一开始就划定地相当清楚：美学上的决定，始终是谢杰桦自己的事。在《永恒的直线》与《肉身赛博格》中，樊香君很明确地不对美学层面提出建议，《thewhole》则因演出场地空间特殊，则偶尔会给一些为求变通的调整意见。此外，樊香君对于要不要开口、何时开口，也十分谨慎，尤其当剧场周时，团队的整体工作强度提高，编舞家的情绪也较敏感，这时若还有些余裕，她或许会试著提一提，若没有，就让它过去。对谢杰桦来说，就算樊香君讲出具体的美学建议，他重视的也不是表面的词语，而是会去思考这些建议背后，樊香君真正想传达的是什么，再决定要不要、以及如何纳入自己的创作之中。
换言之，这两位成熟的大人，既会彼此关照，但也清楚与尊重彼此的责任界线——那么，在这样的前提下，舞蹈构作是否还需要提供编舞家情绪价值、给予心理支持？樊香君自嘲，自己并不擅长于此，虽然「首演时杰桦是会焦虑到发疯的！」但更多时候，她仍是用「谈公事」的方式给予打气。谢杰桦则表示，创作的压力理应由自己消化，尤其比起自己，团队与舞者承受的焦虑其实更多。
信任彼此，保持界线
这样的默契与分工，是两人历经8年磨合后的成果。若要进一步追问，编舞家与舞蹈构作之间想建立这样长期且深度的共创关系，最关键的是什么？樊香君认为，是有意识地培养信任，尤其谢杰桦本身相当成熟，包容性也很大，而这正来自于他对自己的自信，以至于不会将构作的提问或建议，视为某种挑衅或威胁。谢杰桦则认为，编舞家与构作保持一定的界线与距离是必要的，尤其两人虽然投入在同一个作品，但因为有界线存在，才会有模糊与弹性的空间，让彼此都能用自己的角度去理解作品。对他而言，创作的责任终究要由自己承担，而责任上的界线、讨论的空间，都需要被妥善处理。他也认为，编舞家与构作不要过度钻研目前正在工作的作品，反而会容易陷入死胡同，不妨多去关注与讨论其他作品、展览或书籍，借此训练双方讨论事情的默契与抛接节奏，这样的「类工作关系」，更能让彼此抓住合作时动力流动的节奏感。
樊香君也观察到，这几年下来，谢杰桦愈来愈清楚自己能做什么、最擅长什么，并逐渐将这份擅长转化为一种个人的签名式风格。在这个过程中，自己某种程度上也对谢杰桦抛出了一些挑战，尤其过去谢杰桦很擅长把技术掌握得精准到位，作品也常聚焦于如何让技术臻于完美，整体而言带著一种「科技乐观主义」的味道；但在《肉身赛博格》的创作过程中，两人开始讨论技术的失控与限制，以及科技本身的缺陷是否也能成为一种美学。这样的转变，或许正是樊香君为谢杰桦的创作所带来的刺激。
至于这段长期合作对自己带来的影响，谢杰桦则认为「好坏参半」：好处是，创作过程中有构作能即时给予回馈，两人之间的来回抛接相当动态、即时，这种「甜头」是很实在的；但也因此，他发现自己开始对这种即时回应产生某种依赖，而樊香君并非每次都会在场。对他而言，樊香君的角色，更像是站在外面、拉开一点距离，观看整个作品的存在——即便有时她什么也没说，只是「在场」，这个位置本身就已经是创作过程的重要配置之一。这种「有人在读这个作品」的感觉，让他感到安心，尤其当不同的视角加进来，作品也会跟著被丰富起来，自己也因此不需要那么害怕：「作品该扛起来的东西，会有更多眼睛一起扛著。」
