《冥游记》所描绘的是一个礼仪规范下的伦理社会，故事中人被以身分定位，并按照身分行动。当武曌进到阴间时，她向唐太宗行礼跪拜的举动便是在确认双方的翁媳关系，同时确认身分制度的有效。这种伦理秩序的建立，又是以唐太宗的建国神话作为基础。唐太宗不断重述其建国的伟业，使得以他为主导的身分与秩序获得正当性。剧中建国神话最具代表性者，就是《秦王入阵曲》的出现。另一方面，《冥游记》的叙事采取双线对照的结构，对于唐太宗与李唐皇室描绘，往往可以在武曌与武周政权找到对应的叙述。武曌也建立了自己的建国神话，她通过佛教经典的运用来建立正当性，即剧情中提到弥勒转生的自称。
「日光，无所分别。」是这个成立于2006年的剧团「晓剧场」的开场白，似乎正呼应著团名的「晓」破晓。从在台北士林成团，到已于万华扎根10余年；也从士林的3层公寓，到和平西路三段巷弄里的地下室、华江老公寓，然后是龙山文创基地B2与糖廍文化园区。晓剧场除发展面向社会议题的创作，如《秽土天堂三部曲》、《焦土》等，也改编张曼娟、黄春明、三岛由纪夫、宫部美幸等作家经典，并落实与万华在地的连结，开设社区戏剧班，发表系列作品，和南海发展中心进行身心障碍者戏剧课程。晓剧场现正进行中的下一步是，多数剧团长年以来的梦想拥有一座剧场。
反复的沟通来回，与差点说出口的放弃 「剧场使用」与「文化资产」两种专业交会后，彼此延伸出来的问题，往往不一定能找到交集，甚至绊著彼此的步伐。例如晓剧场核心成员叶育伶也提到，过程中曾有文资委员将整个园区的古迹建物都拿出来讨论，但晓剧场所承租的只有B栋，她苦笑说：「古迹作为一个整体，怎么可以单栋讨论？这个问题，文资委员觉得很荒谬，但我们也觉得很荒谬。」
1988年4月，还在就读国立艺术学院戏剧系的大学生冯翊纲与宋少卿以「在剧场里说相声」为创作方式，号召同学到系馆中庭看表演，然后取名为「相声瓦舍」，30年来演出不辍。从团名来看，无论是表演形式的「相声」，或是宋代作为娱乐场域的「瓦舍」，往往会将相声瓦舍的创作归类于「传统艺术」、或是「说唱艺术」，但创办人冯翊纲很坚定地说：「我们做的是现代戏剧。」
今年夏天，众所期盼的台北表演艺术中心（以下简称北艺中心）终于迎来开幕。除了参观别具一格的建筑结构、欣赏馆内演出，中心一带还有著许多适合在演出前后消磨时光、又能一探城市历史记忆的好去处。这边为大家介绍剑潭、士林一带6个好玩有趣、寓教于乐的景点。
作为台湾最具代表性的说唱艺术，大家对「念歌」的印象，多是一至两位弹著月琴与大广弦的演出者，且弹且唱且说且演，娓娓道来各种民间传说、历史故事。在国宝级大师杨秀卿的用心传承下，念歌艺术也与各种当代媒介嫁接，翻转出令人惊喜的面貌。且听杨秀卿弹起月琴，说一说她如何让「念歌」继续走下去
一场错梦，确实让《西楼记》活了过来无论该解读为戏弄观众，或挽救全剧。王嘉明藉情节调转的变奏，让传统与现代美学更显反差；同时，也回应过往执导昆剧的「梦的脉络」。我著实惊喜于这样的结局安排。不过，《西楼记》的新意，却更是王嘉明的「限制」无法新写曲文的重组，终究离不开原著的制约与诠释的囿限。另外，整体节奏与调度不够顺畅，折子的接合也卡死于情节交代而非表演发挥，都考验对昆剧的理解与进一步创发。
二○一七年在国家戏剧院实验剧场首演的《叛徒马密可能的回忆录》，是简莉颖身为国家两厅院驻馆艺术家时所进行的田野调查与创作计划成果，原本她想写的是「台湾版」的《美国天使》，但在资料搜集与访谈的过程中，发现爱滋已经不是绝症的现在，感染者面对的是不一样的人生难题，于是方向转了大弯明年此剧将搬上国家戏剧院的大舞台，本刊特地专访简莉颖，一谈创作过程中的点滴与转折。
十二月推出的「致亲爱的孤独者」剧展，以人类共有所感的「孤独」为题，推出《2923》、《你必须醒来》、《花儿》、《＃越想越不对劲》四出小戏，由范瑞君、王靖惇、梁允睿、黄彦霖等人担纲编导，探讨各种人生境况下的孤独处境与孤独中的自我凝视。
这一年可说是台湾原创音乐剧制作大爆发的一年，不管是首演、重演或重制，数量超过廿个，可说是历年来的高点。然此时台湾音乐剧发展乍看蓬勃，其实外强中乾，量虽然逐年增加，但产出的质却有道不出的无奈，大多数创作者和剧团总是倚靠热情和冲劲，突破困境和挑战。相较于音乐剧产业发展完熟的韩国，与起飞中的中国，台湾的音乐剧如要更上层楼，政府的扶植挹注、场馆的合作共制，都可能让未来看到一片蓝天
回看今年的表演形式呈现，最令人有感的莫过于「参与式艺术」，不管是戴上耳机、五感齐发的行走体验，在过程中参与投票、议题讨论，或是以素人身分加入演出，多样的参与体验表演可说是蓬勃发展，蔚为风潮。表演艺术独有的现场性与共时性，让参与成为个人独特的经验，是这类型艺术深具魅力的特色之一。
因应北中南场馆增加、各地艺术节蓬勃展开，许多团队在创作之初就会考量日后重演或巡演行程，以往巡演多是大团专利，现在许多中小型制作也多了许多全台走透透的机会。巡演重演虽然有可分摊制作成本、增加作品曝光度的好处，但巡演人事费成本往往被邀请单位低估，让团队看见大饼却吃不到，而且走出舒适圈，也需面对票房行销压力，这些都是团队必须评估的因素。
由新加坡剧作家邹文森创作的《上身不由己》，主角「强」拥有多重身分，看似在任何情境都能自在转换，却也呈现许多内在矛盾与冲突，透过他与其他角色的互动，也照见现代人内心最深处的孤独无解。导演林唐聿保留原剧的时空设定，呈现星国的「多声道」文化，希望借由新加坡的现况，刺激观众看完戏后的反思。
没有官方资源，昆曲却能在台湾落地生根，进而开出奇花异卉，可说是因缘巧合，加上艺术家的热爱与努力。近年来，除了指标性的白先勇青春版《牡丹亭》与《玉簪记》，还有致力昆剧跨界创作的二分之一Q剧场，因昆剧小生温宇航加入而带出昆剧创作路线的国光剧团，多元的演出，让台湾观众从「不入园林，怎知春色如许」，到看到满园「姹紫嫣红开遍」，昆剧在台湾，已然从荒芜中雕塑出属于台湾的昆剧美学。
梁允睿一直都喜欢红色，以「红潮」作为团名，取的是涨红了脸的意象。「一辈子，都要为自己爱的事情脸红一次。」创作总源于「一触即发」，妈妈寄来的麻油鸡饭蒸热时的满室香气演变出《美味型男》、瘖哑人士的手语日常对话延伸出《哑狗男人》，这回碰上了玛莉也是如此，点著了线头便一路往下窜，他一边研究、写本，一边抱著吉他哼唱、歌曲一首首地生，织就了《玛莉皇后的礼服》。
在《父亲》中存在感十足的刘怡君，是科班出身的舞蹈工作者，「在学校的时候，别人都叫我大牛，对事情有好奇心，会我行我素地冲过去。」刘怡君形容自己是「想得很多，走得很慢」的那种「牛」，秉持著这种特质，她游历欧洲、参与舞团，从观察中体验、学习，直至二○一三年加入偷窥者舞团。在这个难以定义的创作团体中，自由又富挑战性的工作方式，让她开心地说：「可以吃这行饭是多么幸运的事！」
神用自己的形象造人，人用自己的形象建城。城市本一物，你我惹尘埃。城市不事生产，祂只管复制与贴上。天地不仁，以万物为刍狗：巴赫、布鲁克纳、Isaac Hayes以及《代》剧的郭贝尔，与列车进站、列车广播及铁卷门的噪音平起平坐你带什么进城，城市就有什么样的声音。
继与台南的高中生联手创作的《我的星球》后，日本导演柴幸男再度来台，与台湾的演员排练了《我并不悲伤，是因为你离我很远》，原剧去年底在东京首演，这回柴幸男在台北驻地两个月进行创作，与不同的演员合作对他而言是令人兴奋的挑战，他说：「就算使用同样的食谱，只要食材不同，我就想做出新的料理。」
不管是来宾与观众混在一起的《张吉米的喜酒》，一次只有一位观众、可以带你到天涯海角的《CYH-279 摩托计程车》，张吉米创作独特的剧场形式，让「观众」对演出而言是非常重要的存在。张吉米说，他创作总是先决定观众的位置，「位置决定了，你就会知道舞台在哪里。可能是物理上的空间，也可能是心理上的位置。」
已走过澳洲、芬兰、南韩几大城市的《放跑马拉松》，除了演出者五小时不间断的马拉松挑战外，另一大特色在于集结当地城市具代表性的团体共舞同乐，对主演者崔斯坦而言，与在地团队的合作「不代表我们要以艺术家身分走进排练场，改变他们在做的事，而更像是藉著他们在做的事让我们有了合作的可能。」
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