應台灣「瘋戲樂工作室」之邀，美國音樂家、曾任《獅子王》等多齣知名音樂劇音樂總監的約瑟夫．邱吉（Joseph Church），首度訪台舉辦大師班，分為「詞曲創作」與「演員訓練」兩組，指導台灣學員創作與表演音樂劇的訣竅。藉由大師的提點，學員們學到了「在音樂劇中，不只要讓音樂說話，還要讓音樂『合理地』說話」的種種秘訣。
音樂劇本身就是多種音樂形式的混合，它的養分來自古典、爵士、輕歌劇，在近代更加入了拉丁音樂、搖滾樂、流行音樂等元素。也因為這樣，音樂劇的作曲家往往具備不同的創作背景，從不同的領域轉換跑道，一起在劇場中營造既魔幻又寫實的音樂力量。這次由瘋戲樂工作室所舉辦的音樂劇大師班，也是台灣第一次邀請國外大師，舉辦以音樂劇創作為主的工作坊。事實上在學校，我們也沒有機會能學到所謂的「音樂劇創作」，連個專業課程都沒有，更別說是「音樂劇創作系所」了！也因此，這次來參加的學員，大部分也都是來自不同領域的詞曲創作者：古典音樂、電影配樂、合唱／重唱音樂、流行歌曲，有些人曾經有音樂劇創作發表，有些人則還在起步中。現在我們難得有機會就「音樂劇作曲」這門專業科目，親自接受音樂大師約瑟夫．邱吉（Joseph Church）指導，也難怪同學們紛紛帶來一疊又一疊自己所創作的歌曲樂譜／音樂檔，希望邱吉老師能打通大家在創作上的任督二脈！
讓音樂說話
在音樂劇中，不只要讓音樂說話，還要讓音樂「合理地」說話——這是邱吉在作曲工作坊第一天，就一再諄諄告誡學員的重要關鍵，而這也是音樂劇創作和歌劇創作最大的不同。在古典歌劇中，音樂為主戲劇為輔，即使光聽歌劇錄音，也可以感受到作品的完整性。但音樂劇就不一樣了，所有音樂和舞蹈的元素，都必須符合戲劇面的合理性。不知道是不是因為來到一個遙遠、有著不同語言、不同文化的國家，邱吉也很誠實地和我們分享：「像現在相當流行的音樂劇電視電影《歌舞青春》High School Musical系列，或是音樂劇影集『歡樂合唱團Glee』，雖然成功地讓更多人接觸到音樂劇，不過我實在很受不了那些不知道從哪裡出現的音樂，明明在一個教室裡面，忽然間背景就響起雄壯的交響樂團與規模浩大的合唱，這到底是打哪來的？」
這當然是老師的個人意見，也不想在此得罪廣大《歌舞青春》與「歡樂合唱團」的影迷樂迷（當然還包括了工作坊的一些學員或是工作夥伴），不過其實邱吉所要表達的重點也就是：「雖然音樂劇本身常常被視為一種非寫實或是超現實的劇場形式，畢竟在現實環境中並不會有人走在路上就忽然開始跳起舞來，或是講話講一講就開始唱起歌來，但我們必須誠實地捕捉音樂的『寫實性』及『合理性』，利用音樂結構來支持戲劇結構的起承轉合，才能利用音樂，說出那些用語言所無法表達的角色情感！」
至於要如何讓音樂「合理地」說故事呢？這就是邱吉老師在之後的作曲講座中所要和我們分享的小秘訣啦！
讓文化記憶成為你的創作素材
要讓觀眾感受到音樂的合理性，作曲家可就必須要妥善運用「文化記憶」。所謂的「文化記憶」，就是那些大家已經深刻制約在心中的音樂結構符碼，舉例來說：聽到五聲音階就會想到中國、聽到Bossa Nova就會想到巴西的海洋、聽到管風琴就會想到宗教音樂、聽到探戈想到危險又刺激的夜生活一樣。一旦作曲家建立了音樂與現實環境的連結，就能利用音樂來塑造場景或是強化角色形象，而不會讓觀眾感到突兀。瘋戲樂工作室團長暨音樂總監王希文也和大家分享了當年在紐約大學與邱吉老師求學的秘辛：當時正在創作音樂劇《木蘭少女》的王希文，每個禮拜都會帶著剛出爐的樂曲請老師修改，雖然邱吉老師聽不懂中文，卻也能從樂曲本身的走向提出精闢建議，這當然是靠「文化記憶」的功勞。
有時候前輩作曲家所創作那些知名的樂曲／樂句，也能成為「文化記憶」的元素，像是知名音樂劇《吉屋出租》Rent除了劇情改浦普契尼歌劇《波希米亞人》La Boheme，也多次在樂句中引用了劇中歌曲〈Musetta’s Waltz〉的主旋律。當然，有時候在創作中，「文化記憶」的使用反而加強了音樂語彙中的「刻板印象」，不過邱吉也強調他的創作經驗多來自商業音樂劇劇場創作，自然免不了得運用這些意象強烈的「音樂符碼」，來為一般觀眾建構出一幅清楚明瞭的音樂圖像。儘管如此，邱吉也不吝於與我們分享如何在「文化記憶」的音樂元素下，還能創造出樂句上的驚喜。
規律的建立與打破
「文化記憶」除了有時候會帶來刻板印象的負面效果外，有時候重複使用也會讓整首樂曲、甚至整個音樂劇作品，都顯得枯燥乏味、沒有變化。看著同學們的作品，邱吉老師觀察到一個大家所共有的問題：「大概是受到流行音樂的影響，不只是這次大師班的學生，甚至許多我自己的學生也常常會在作品中出現固定的A-B-A-B-C-A結構，主歌副歌重複進行；但事實上同樣的東西說一遍就夠了，作曲家必須要學習如何打破這種曲式結構的框架，用更多元的音樂結構來促成劇情或是角色情緒的推移。」
要怎麼利用音樂來營造情緒或是場景的變化，藉由驚喜感來讓觀眾願意更進一步「聽下去」呢？邱吉為我們提供了一個最簡單的途徑：在一開始先建立樂曲規律，之後再打破這個規律，製造出令人意想不到的驚喜感。建立樂曲規律，並不代表樂句間無謂的反覆，而是巧妙地與戲劇動機的結構進行搭配，再藉由轉調、節奏轉換等方式，讓整首樂曲更進一步地展開，才能緊緊地抓住觀眾的心。
從歌曲片段擴張到更全面的戲劇場景
邱吉老師這幾天下來聽了每個人作品不下卅首，有些同學帶來的作品本身就是單獨的曲目，有些人則帶來自己創作的戲劇作品選曲，從這些作品中，老師也看到了大家深受流行歌曲影響的另一個小毛病：「有時候聽起來，常常會覺得作品本身都很像，找不到重心在哪裡，雖然旋律好聽，但聽完後卻往往無法記在腦海中。」所以邱吉老師也提醒大家在創作的過程中，不要放任心裡的旋律一路跑下去，而要從一個最小最小的「概念」或是「動機」出發，先清楚地建立了這首歌曲的主題後，在利用這個音樂上的主題，擴展到更全面的戲劇場景。當然，就如同邱吉一開始就提及的重點：「在音樂劇創作中，所有的音樂鋪陳一定得符合劇本。千萬不可以因為這裡要有首情歌，就作出一首情歌；或是這裡要有首磅礡的大合唱，就譜出一曲極有氣勢的大合唱。」大家必須要仔細地閱讀劇本，推測在這首歌演唱的之前與之後，人物及事件分別有了什麼樣的轉折，再利用音樂來填補之中的變化，這樣一來，才能作出既有戲劇性又有合理性的音樂劇歌曲。
在音樂創作的路上，我們不孤單！
這次的作曲工作坊，除了讓學員有機會親自接受大師的指點，發現自己在創作上的盲點以外，也給了很多機會閱讀、評論彼此的作品。大家身為詞曲創作者，平常總少有機會能夠認識其他同行，總是只能悶著頭創作，既沒人可以分享好作品完成時的喜悅，遇到瓶頸時也沒人鼓勵安慰。能藉由這次工作坊，認識這麼多有志於此的朋友們，也是極大的收穫！就像邱吉老師所說：「千萬不可以對自己的作品太自戀！你們一定要記得，沒有一件作品是不需要修改的！」只是有時候，每個人總有自己的盲點，無法客觀地來修改自己的作品，這時能有其他同行一起討論，在創作上將會是一大助力。雖然和邱吉老師相處的時間只有短短五天，但我們也彼此約定好，定期見面分享自己的作品，繼續在台灣音樂劇創作這個領域好好努力！
音樂劇演員的表演功課
抽絲剝繭 別放過音樂提供的線索
身為音樂劇演員，除了要能夠把歌唱得好聽，把戲演得好看之外，最重要的，就是要了解音樂在劇中所扮演的功能。如同邱吉老師在作曲工作坊中所分享的創作關鍵，在表演工作坊中，邱吉老師也反過頭來，提醒演員們該如何利用這些創作元素，來解讀、詮釋歌曲：「如果你有心想要當一位優秀的音樂劇演員，那麼學會看譜對你來說絕對是個必要的投資。」這可是邱吉老師對大家語重心長的期勉。學會看譜後，除了要看自己聲部的譜，還要學會看伴奏的譜，就如邱吉老師所說：「有太多太多情緒或是戲劇上的細節，都可以從音樂本身看出端倪，要懂得看譜，才能知道『音樂』想要說的到底是什麼！」
老師也特別舉了知名音樂劇作曲Alan Menken所創作的〈Part of Your World〉作為示範說明。這首歌是出自大家都耳熟能詳的迪士尼卡通《小美人魚》，當時小美人魚一邊數著自己的珍寶，一邊盼望自己能有機會到人類的世界看一看。在音樂結構的處理上，因此出現了許多零碎的樂句，呼應人魚所數點的那些四散身旁的小東西們；但幾句零碎的樂句之後，又會延伸開展出一段較完整的句子，也代表了人魚心境的轉折，以及她深刻的渴望。
有時候儘管是男女調情的二重唱，也千萬別忽略伴奏在樂曲中所扮演的「第三者」角色！最佳的範例就是《吉屋出租》裡的〈Light My Candle〉，必須藉由伴奏、男聲、女聲三方之間互相丟球，才能建立整曲的曖昧律動。仔細小心地處理這些小細節，將「音樂」視為與「劇本」相輔相成的文本，才能幫助演員更為完整地詮釋劇中歌曲。（白斐嵐）
關於約瑟夫．邱吉
一九五七年生於紐約，美國知名指揮、作曲家、編曲家、鋼琴家，現任教於紐約大學。古典音樂背景出身，但隨後與多位重要劇場導演如茱莉．泰摩（Julie Taymor）等人合作，作品橫跨古典、劇場、音樂節等，曾擔任熱門音樂劇《獅子王》The Lion King、The Who's Tommy、藍迪．紐曼（Randy Newman）的《浮士德》Faust、《恐怖小店》Little Shop Of Horrors的音樂總監。
