從根本處看藝術節，總離不開兩方面。一是「數大即美」，藉由「量」的集中形成一個盛會；另是「質」的提高，讓這行的菁英都參與。兩者的訴求對象不同，「質」會吸引專業藝術人顯現美學位階或文化觀照，「量」則要砸下成本。以此來看台灣過去的藝術節，都面臨質與量皆不夠到位的狀況。此外，還要有「積累」，凡事都有個時間的臨界點，藝術節只辦兩三屆，那就只是個活動，稱不上「節」。「節」有兩個基本意義，一是定點、定時、且持續，如此才有期待；二是平時能做的事在節中不能做，而平常不能做的事在節中可以做，有嘉年華會的味道，內含儀式性的行為轉換與釋放。例如日本札幌雪祭，假設凌晨一點結束，早上六點去看，就完全了無痕跡，區隔很大，像一場夢。但我們的節常常為期兩個月，要如何期待？
台灣必須要聚焦於「不可取代」的特質
舉辦以台灣為名的國際藝術節，要如何定位？從兩個角度看，一是只有台灣做得來或做得好的，像南島文化藝術節、茶文化藝術節；二是要能有高的聚焦度，因為考量到現實及資源經費的有限。我們說亞維儂，它已是歷史資產，聚集了大量的有形和無形資源，但我們沒有，我們只能集中資源，我們無法跟英法等強勢文化類比，因立基點不同。台灣必須要聚焦於特質，特質要帶有「不可取代性」，而不是像現在以為透過與主流文化的連接，主流就會認知你。非主流可以有兩種作法：一是我不是你，所以你消滅不了我；二是我雖然無法全面跟你對抗，但可定點突破。
如何挑選節目做出聚焦效果？須先設定一個藝術節要被誰認知及在誰那邊造成口碑。是專業的認知？媒體的認知？還是參與民眾的認知？現在的藝術節中許多請來的主流文化表演團體，台灣只是它們世界巡演中的一站，這樣的藝術節僅止於內銷，不像亞維儂藝術節，民眾與藝術家去都看得琳瑯滿目。反觀我們像是套裝行程，套裝是「用自己的角度對事情做一個邏輯的詮釋結構」，萬一人家看法跟你不同呢？誰有時間去瞭解你的邏輯？因此藝術節須考慮「受眾的心理情境」，如果每個節目能夠到位、去看藝術節其中一場節目就驚嘆震撼、節的整體氣氛顯然不同，這些都有了，再去談深刻。
融合科技與劇場的表演，與其侈言科技取向，不如說是尋求跨界。目前談跨界有其時代背景，在藝術界有種「以新為尚」的迷思，新創作好像就是好的，在古典藝術中，更重要的是有沒有到位？有沒有到點？及看看有沒有自然形成的風格？但現在整個次序顛倒過來，變成「新」就是唯一，「新」之後再來談風格，最後才談是不是到位到點。的確，科技中載體的變化會帶來藝術的可能性，這點不需要否定，但有時它也被無謂地誇大。藝術與科技的結合要回到人的感覺才是。如果藝術的主體存在，只是加入其他東西來顯現新貌，這點值得肯定，而非以純粹的技術高低來衡量藝術的價值。
突顯比大陸香港做得好的部分
範圍拉到亞洲，像香港、大陸等，都會是台灣的競爭對手，如何突顯台灣表演藝術的優勢？我說過：全世界會形成幾個文化板塊和核心，你若無法在一個板塊發聲，就無法在世界發聲。台灣想跳過中國文化板塊，而在世界發聲是目前許多人的迷思，這板塊在世界上佔有了位置，我們也才會有位置。否則以歐美的歷史、財力、物力、文化厚度，你拿什麼跟它拼？台灣總是強調與中國的「異」，反而去強調與歐美的「同」，事實上我們跟大陸比較多「同」，與西方差異極大。與大陸的「同」的是共同的部分，「異」則要強調我們哪裡做得比大陸好。香港是金融中心，香港人包袱輕，但沈澱難，香港藝術節有其危機在，因為基底不夠厚，只能做物流中心。台灣與香港不同。而兩岸呢？我在北藝大開了一門講座「道與藝」，談「禪在台灣表演藝術的體現」。我舉出五個作品：優人神鼓的《金剛經》、表坊《如夢之夢》、雲門《流浪者之歌》、當代傳奇劇場《等待果陀》、及《八月雪》，都以不同角度和觀照來體現禪的內涵，這點大陸做不到。台灣真正可立足世界環節的有三大塊：一是道與藝的部分，二是生活藝術的茶與文人文化，三是地域性的原住民文化，如果這三大塊做不起來，別的東西要做大其實很難。總之，藝術節必須超越藝術圈和文化圈的本位想法，才可能成功。
