PAR 表演藝術雜誌

高雄市文化當局從去年莫札特的《魔笛》，到今年的《茶花女》，能夠在經費有限，以及其他種種局限之下，克服重重困難，開始嘗試演出歌劇，其旺盛的企圖心與使命感，著實令人欽佩。

國內歌手表現出色

以這個角度來看今年《茶花女》演出的表現，筆者不想有太多的苛求，它整體上的平實、順暢，可感受到全體人員的用心、協力，若有其他更多的期盼，只是我個人的想像。例如，大家期待最多的，應是兩位來自國外的主要歌者：飾唱茶花女的羅馬尼亞女高音法卡絲（Valentina Farcas)；擔任男主角阿弗雷多的俄國男高音杜納耶夫（Andre Dunaev)這兩位歌劇界的老手，無論唱或演，都沒有問題，但他們都未能抓住我的心：他們的歌唱技巧都很好，但聲音都有些平淡，未能隨著威爾第音樂中的情感變化，去做充分的力度、明暗的對比；唱出的音符、旋律中，沒有足夠的、細緻的漸層處理；旋律線宛如未能擺脫地心引力般的，未能向空中與聽眾席拋得更高、更遠，以便把音樂中固有的感染力散發得很充分；威爾第獨唱曲中經營得很有效率的、大幅度的情緒起伏，大起大落的戲劇性，經常都被忽略了。因此，茶花女缺少了楚楚可憐，阿弗雷多的激情、熱烈好像無法昇溫。套句法文成語來形容，那是 terre-à-terre，腳踏實地的男、女主角。

所有歌者中，能夠喚起我充分感動的，是飾唱阿弗雷多父親捷爾蒙的國內男中音巫白玉璽。他的歌唱除了共鳴充分，韻律感甚佳，還能層層進逼地去營造具有張力的戲劇性。難得的是，上述男、女主角歌唱上一些不足的地方，都成了巫白玉璽的優點：他出色、生動的獨唱、重唱，或許讓聽眾們驚覺：原來威爾第苦心經營的父親角色，不只不是配角，而是三位主角之一！另一位國內歌者，飾唱晚會女主人芙蘿拉的女中音翁若珮，其扮相、歌聲都能一下子就讓人驚豔，可惜在此劇中，戲分就只有那麼一點點，沒有更多發揮的機會。

樂團合唱略顯不足

協同演出的高雄市立交響樂團，是個半職業性的樂團，在簡文彬的指揮下，擺脫了它一貫給人有些嫩、有些渙散的感覺，已顯得比較凝聚、緊湊。在前奏曲及幾段以絃樂為主的段落中，透明、細緻的效果被處理得很澄澈、柔美。然而，威爾第歌劇中到處存在的，許多具有爆發力的、共鳴相當充分的、強調管樂效果的、用來推動劇力的總奏，總是讓人覺得不夠燦爛、亮麗，總是那麼欲振乏力，讓人提不起勁來，也讓威爾第音樂中固有的「侵略性」無從得逞。高雄室內合唱團也有著類似的單薄、不足，無論是第一幕演唱〈飲酒歌〉的晚會，或第二幕後半的狂歡舞會，都未能在樂團的協同之下，將歡樂的氣氛炒得很充分、很到位。

經常，合唱的音響顯得渙散、不夠集中，主要是因為遷就視覺因素造成的，而不是合唱團素質或指揮的問題：為了動態的演出與走位上的好看、生動，「群眾」音樂效果的凝聚性經常被忽略了，例如狂歡舞會中著名的合唱曲〈我們是來自遠方的吉普賽人們〉，就被輕輕帶過，被舞台上的熱鬧掩蓋過去了。除了幾位較有經驗的主要角色之外，群眾場面的調度、走位、動作，都顯得有些生澀——這些「演」的問題，不是短期間能解決的，有待較長時期的培訓，以及團隊默契的建立。這些，在沒有常設性職業歌劇團隊的台灣，不是想做好，就可立竿見影的。

在導演楊士平的主導下，此劇的舞台、燈光、服裝設計者，以及編舞者都很年輕，也沒有太多歌劇的設計經驗，但初生之犢不畏虎，在沒有太多傳統包袱的局限下，反而可以放膽去做，做出了相當隨興而有創意的整個舞台呈現，雖然很壯觀、聳動，甚至有些粗俗，卻洋溢著生命力——就放膽地去搞，才有機會去學習、成熟！

舞台設計差強人意

李柏霖設計的舞台，以大廳堂的基本架構，連貫全劇三幕，在展示出充分統一感的同時，卻也暴露了一個棘手的問題——一位「社交名媛」或交際花的客廳、臥室，真有那麼大的格局與排場嗎？如何透過布景細節，以及燈光的處理，來緩解這種大舞台誇張的、不合理的寬闊、生硬，而去營造一種「私密」（Intimacy)又不失歡場氣氛的感覺，似乎考驗著這整個舞台呈現，它卻讓我覺得差強人意。整個舞台呈現的室內裝飾風格，服裝設計，顯得相當混雜、五顏六色，讓觀眾無所適從，讓人抓不不到一個基調——情節到底是發生在古代或現代？東方或西方？若是在東方，是在日本或台灣？是在日治時代或今日？或許它可以是某個不明確的、幻想式的時空，但這個曖昧的時空並未能被經營出足以令人信服的邏輯，而顯得紛亂。

匯聚各方人馬，做一個暫時性的演出，熱鬧一下，快樂一番，這不只是高雄市如此而已，可說是台灣歌劇發展至今的常態。期盼在衛武營將開始運轉的不久將來，能形成一可供歌劇演出正常運作的場域。