今年適逢香港城市當代舞蹈團的四十周年，長期與該團合作的編舞家黎海寧，重新呈現了兩部卅年前的舊作，併為一晚演出《冬之旅．春之祭》。從應用的文本到演出的歷史，層疊了許多時代的風景線，這兩支舞碼接連了文化與城市不斷變異的景觀，映照當代香港的處境，著實令人深思。作品於今年四月底五月初於香港首演，並於九月訪台演出。
時代愈崩壞，藝術愈要映照那些艱難的生存，不單為了控訴或記錄，也是作為歷史的明證；所謂「當代」，就是活在當下，卻不是孤立的時間斷片，而是連結歷史織造而來的因果定律！黎海寧為香港城市當代舞蹈團四十周年排練和重演《冬之旅．春之祭》，從應用的文本到演出的歷史，層疊了許多時代的風景線，接連文化與城市不斷變異的景觀——挪移上世紀的西方音樂、詩詞和舞蹈傳奇，在「九七」主權易轉之前創作，然後事隔卅年在「後九七」的政治迷亂中再度公演——我們如何在舞台的照現中看待自己？作為亞洲殖民史上特殊的案例，香港的故事很難說（香港作家也斯的話語），卻必須繼續說下去，即使只說了一些斷片，也讓碎片凝聚它的藝術力量和歷史意義。
《冬之旅．春之祭》是兩個調性不同的短篇舞碼，上半場的《冬之旅》幽靜而寂寞，瀰漫傷逝的氣氛，飽含生命的滄桑與磨蝕，唱演的詩與歌跟鋼琴營造空靈的抒情，矛盾地帶出童話的夢幻；下半場的《春之祭》卻熱鬧癲狂，充滿各式權力鬥爭，探索藝術與瘋狂、規範和操控等宏觀議題。
孤獨的多種面貌：《冬之旅》
《冬之旅》Winterreise是十九世紀初奧地利作曲家舒伯特（Franz Schubert）死前最後的作品，廿四首歌曲配合德國詩人威廉．穆勒（William Müller）廿四首短詩，兩位都是早逝的藝術家，死時才卅一、二歲，在生命的晚期書寫失戀與死亡的題旨，一種流離失所的孤寂。舒伯特自稱《冬之旅》是黯黑冰冷的樂章，病榻中猶如死前留言；音樂學者Jeanell Carrigan 指出作曲家擅於以音符建立視覺意象，融入通感營造氛圍，並以低沉的音階傳遞悲傷、陰暗而恐懼的感官情緒（註1）。至於穆勒的詩，我讀的是英譯本（註2），通篇意象主要由冷和熱的對照形成，納入大自然景象的比喻，交織成矛盾語的布局：雪地、白髮、烏鴉、月亮、自己的影子、心跳、風聲、石頭、落葉、緩慢地走、急喘的河流……一個冬季旅人孤獨踟躕的行程。
《冬之旅》的舞台簡約得接近空曠，只有垂下的光禿樹枝和一條樹幹橫放而成的木椅，觀眾席的前面架起一道雪地的斜波，給演唱者緩步上落，燈光偏向冷色調和黝黯。黎海寧擷取具有起伏層次的十首歌曲，不以敘事為主，而是以音樂和詩歌合成的意境和心象，配上獨舞、雙人舞和小型群舞，呈現「孤獨」的多種面貌，包括被生命遺棄的零餘者、在愛情關係中形單影隻的戀人、在喧鬧人群裡的局外人、在回憶片段裡逐漸遠逝的身影。例如開首的〈晚安〉由柯志輝獨舞，掀開孤獨旅程的序幕，〈歇息〉是陳俊偉一人獨對群舞，個體跟群體格格不入的決裂，然後〈孤寂〉是兩男的雙人舞，一個人跟自己的影子追逐和追憶，而〈白髮〉的男女雙人舞，哀悼青春與情感的流失，去到結尾的〈搖琴人〉，卻到達死亡、被世界終極遺棄的邊境。這些舞段動作來自舞者的編演，再由黎海寧選擇、修改和調整結構，通過寫意和抒情的身段，配合李嘉齡現場的鋼琴演奏、男低中音黃日珩的演唱，音樂、歌聲和舞蹈互相融合滲透，歌者不時走上舞台、或坐在橫放的樹幹上、或游離於舞者之間，是整個台景的有機組合，交織呈現黎海寧的命題：孤獨者不只一人，而是無數單一的個體，共同面對生命跟他人恆常隔絕的狀態，獨自一人來到荒涼世界承擔一切悲歡離合，也必然獨自一人的離去，連回憶都不能帶走，寂滅是終局！
